BEGIN:VCALENDAR VERSION:2.0 PRODID:-//MAN_Museo d'Arte della Provincia di Nuoro - ECPv6.17.0//NONSGML v1.0//EN CALSCALE:GREGORIAN METHOD:PUBLISH X-WR-CALNAME:MAN_Museo d'Arte della Provincia di Nuoro X-ORIGINAL-URL:https://www.museoman.it X-WR-CALDESC:Eventi per MAN_Museo d'Arte della Provincia di Nuoro REFRESH-INTERVAL;VALUE=DURATION:PT1H X-Robots-Tag:noindex X-PUBLISHED-TTL:PT1H BEGIN:VTIMEZONE TZID:Europe/Rome BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20080330T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20081026T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20090329T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20091025T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20100328T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20101031T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20110327T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20111030T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20120325T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20121028T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20130331T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20131027T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20140330T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20141026T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20150329T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20151025T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20160327T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20161030T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20170326T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20171029T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20180325T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20181028T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20190331T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20191027T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20200329T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20201025T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20210328T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20211031T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20220327T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20221030T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20230326T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20231029T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20240331T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20241027T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20250330T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20251026T010000 END:STANDARD END:VTIMEZONE BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20090904 DTEND;VALUE=DATE:20241005 DTSTAMP:20240423T082439Z CREATED:20240423T082439Z LAST-MODIFIED:20240423T082439Z UID:4862-1252022400-1728086399@www.museoman.it SUMMARY:Giusy Calia DESCRIPTION:Giusy Calia\nAmore\, ti prego ricorda\n\n 04.09  –  04.10.2009 \n\n\n\n\n\nPer Autunno in Barbagia\, il MAN\, in collaborazione con il Comune di Bitti\, presenta la mostra di Giusy Calia Amore\, ti prego ricorda. Le opere esposte nella sala del Museo Multimediale del Canto a Tenore sono accompagnate da un video della stessa artista. \n≪Le molteplici Ofelie che abitano quei mondi d’immagini che Giusy Calia da tempo pone in essere per loro\, sono creature bellissime\, silenti\, solitarie: affiorano\, in quei mondi di acque e di luci riflesse\, di fango e di fiori\, leggiadre e intangibili come ninfee\, assorte in un sogno senza fine\, in un rammemorare segreto\, dilemmatico e dolente\, come una navigazione notturna e senza stelle≫ (Gavina Cherchi). URL:https://www.museoman.it/event/giusy-calia-2/ CATEGORIES:Focus Sardegna END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20230714T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20231112T000000 DTSTAMP:20250714T102733Z CREATED:20240417T143220Z LAST-MODIFIED:20250714T102733Z UID:3173-1689292800-1699747200@www.museoman.it SUMMARY:Matisse DESCRIPTION:  \na cura di Chiara Gatti da un progetto di Sandra Gianfreda\, curatrice al Kunsthaus Zürich con Claudine Grammont\, Cheffe du cabinet d’art graphique\, Centre Pompidou \n  \nHenri Matisse è uno dei più grandi artisti  del Novecento\, ma di lui\, paradossalmente\, è ancora trascurata una parte importante di produzione. La figura di Matisse scultore non è\, infatti\, conosciuta nelle pieghe più sottili della sua ricerca. Sebbene la pittura sia sempre rimasta la sua modalità espressiva principale\, il “suo” linguaggio e la forma di indagine del visibile cui si dedicò per tutta la vita\, Matisse condusse in contemporanea una riflessione sulla scultura (e altresì sull’incisione) che fa di lui uno degli artisti più completi del secolo scorso. La sua versatilità ha esplorato varie tecniche simultaneamente\, con curiosità e acuta sperimentazione. Sullo sfondo di questa intelligenza poliedrica\, l’opera scultorea di Matisse rivela una vita parallela rispetto a quella del colorista\, una doppia anima votata alla materia\, al volume\, allo spazio\, che merita di essere posta in relazione – in quanto a processi e traguardi – con quella di altri grandi scultori del XX secolo\, eredi della lezione di Auguste Rodin e divenuti geni dell’avanguardia. Da Brancusi a Giacometti\, da Boccioni a Wotruba. \nPer la prima volta in Italia\, il Museo MAN dedica oggi una mostra alla scultura di Henri Matisse. Il progetto espositivo\, a cura di Chiara Gatti\, rilegge e adatta agli spazi del museo sardo\, il concept inedito e complesso della mostra Matisse Métamorphoses organizzata nel 2019 dalla Kunsthaus di Zurigo e dal Museo Matisse di Nizza. \nUn progetto destinato a ripensare Matisse\, a riconsiderare il ruolo della sua opera nel panorama dell’arte della prima metà del XX secolo\, alla luce di una più ampia ricerca estetica che vede proprio nella scultura il veicolo per nuove e rivoluzionarie soluzioni formali. In questo affondo necessario\, emerge come sia stata in particolare la figura umana il tema principe della sua tensione verso la sintesi. Dall’indagine sul corpo\, la postura\, il gesto o la fisionomia\, Matisse ha sviluppato un percorso di riduzione geometrica dell’immagine che lo ha portato verso un’astrazione ai limiti del radicale. \nCome l’artista stesso affermò nel 1908 nelle sue Notes d’un peintre: «ciò che mi interessa di più non è né la natura morta né il paesaggio\, è la figura». La figura\, non per il suo pathos\, il suo lirismo\, gli stati d’animo o la flessione esistenziale\, ma per il suo senso di presenza nello spazio e la sua ideale evoluzione nel tempo. Matisse ha interrogato infatti il corpo nella sua relazione con l’ambiente prossimo e con il mutare delle circostanze in un lasso di tempo dilatato. Ecco allora l’evoluzione di un dato naturalistico in una sintesi finale che sublima la contingenza in una dimensione di perfezione assoluta. Lo spazio condiziona\, a sua volta\, un sistema di relazioni sottili fra sostanza fisica e vuoto abitato\, fra i gesti e le linee dinamiche che essi disegnano nell’aria. \nLa mostra prende avvio\, dunque\, da una analisi del metodo di creazione dell’artista e dal suo lavoro di trasformazione della figura in variazioni seriali. Il percorso allinea sequenze di bronzi\, datate dai primi anni Dieci agli anni Trenta\, e soggetti presentati nei loro diversi stati successivi e accostati alle fonti di ispirazione dell’artista\, tra cui fotografie di nudi e modelle in posa\, oltre a una selezione essenziale di pochi dipinti in cui i motivi stessi svelano la doppia anima della sua ricerca parallela\, pittorica e scultorea\, in particolare nell’affrontare i temi dominanti del nudo\, della danza\, dell’odalisca. Attraverso circa 30 sculture e una ventina fra disegni\, incisioni\, oltre a fotografie d’epoca e pellicole originali\, la scultura di Matisse verrà posta in relazione con i soggetti di una vita\, le sue magnifiche ossessioni legate alle forme femminili\, alla ricerca fisiognomica sulle modelle\, alle attitudini e alla plasticità dei volumi. \nSullo sfondo di questa ricerca composita\, ecco allora molte figure uniche\, come Le tiaré\, di cui non esistono stadi differenti\, mentre altre si ripetono a intervalli diversi\, variando e trasformandosi\, come il celebre ciclo di Jeannette (I-V). Da qui l’artista sviluppa infatti un approccio concettuale che può essere descritto come una sorta di metodo di progressione formale. Come in una “metamorfosi”\, che ben spiega il titolo della mostra\, le sue figure evolvono da una trascrizione naturale a una sintesi radicale del dato visivo. \nAnche nella sua pittura – come è stato ampiamente studiato dalla critica in passato – è possibile rilevare tale processo di metamorfosi\, senza però giungere mai a considerare veri e propri cicli di opere come “serie”\, ma piuttosto come frutto di un lungo iter di elaborazione che trova nella scultura e nella grafica\, accostate alla pittura stessa\, strumenti di indagine connessi gli uni con gli altri\, nell’idea di un confine liquido fra tecniche. Ne è un esempio l‘Odalisca del Museo Novecento di Milano\, che trova corrispettivi e relazioni sottili e chirurgiche con disegni e bronzi coevi e di cui la mostra allineerà l’intera sequenza. \nLa mostra è realizzata in collaborazione con Manifesto Expo. \nclicca qui per ascoltare l’audioguida\n  \nDettagli tecnici \nIn collaborazione con Kunsthaus Zürich\, Musée Matisse de Nice \nCatalogo bilingue ita/en: Sole24ore Cultura \nCoordinamento mostra a cura di Rita Moro\, Myrtille Montaud e Manifesto Expo \nTesti di Sandra Gianfreda\, Bärbel Küster \nCon la partecipazione del Museo Archeologico di Nuoro \nMedia Partnership : Radio Monte Carlo – www.radiomontecarlo.net \n  \nUfficio Stampa \nSTUDIO ESSECI – Sergio Campagnolo Via San Mattia 16\, 35121 Padova Tel. +39.049.663499 \nreferente Simone Raddi\, simone@studioesseci.net www.studioesseci.net \n  URL:https://www.museoman.it/event/__trashed-23/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/Matisse17_Foto-Alessandro-Moni-RA4sV8.tmp_-scaled.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20230714 DTEND;VALUE=DATE:20231114 DTSTAMP:20231130T103305Z CREATED:20231130T103254Z LAST-MODIFIED:20231130T103305Z UID:391-1689300000-1699837199@www.museoman.it SUMMARY:Matisse - Metamorfosi DESCRIPTION:a cura di Chiara Gatti da un progetto di Sandra Gianfreda\, curatrice al Kunsthaus Zürich con Claudine Grammont\, Cheffe du cabinet d’art graphique\, Centre Pompidou \nHenri Matisse è uno dei più grandi artisti  del Novecento\, ma di lui\, paradossalmente\, è ancora trascurata una parte importante di produzione. La figura di Matisse scultore non è\, infatti\, conosciuta nelle pieghe più sottili della sua ricerca. Sebbene la pittura sia sempre rimasta la sua modalità espressiva principale\, il “suo” linguaggio e la forma di indagine del visibile cui si dedicò per tutta la vita\, Matisse condusse in contemporanea una riflessione sulla scultura (e altresì sull’incisione) che fa di lui uno degli artisti più completi del secolo scorso. La sua versatilità ha esplorato varie tecniche simultaneamente\, con curiosità e acuta sperimentazione. Sullo sfondo di questa intelligenza poliedrica\, l’opera scultorea di Matisse rivela una vita parallela rispetto a quella del colorista\, una doppia anima votata alla materia\, al volume\, allo spazio\, che merita di essere posta in relazione – in quanto a processi e traguardi – con quella di altri grandi scultori del XX secolo\, eredi della lezione di Auguste Rodin e divenuti geni dell’avanguardia. Da Brancusi a Giacometti\, da Boccioni a Wotruba. \nPer la prima volta in Italia\, il Museo MAN dedica oggi una mostra alla scultura di Henri Matisse. Il progetto espositivo\, a cura di Chiara Gatti\, rilegge e adatta agli spazi del museo sardo\, il concept inedito e complesso della mostra Matisse Métamorphoses organizzata nel 2019 dalla Kunsthaus di Zurigo e dal Museo Matisse di Nizza. \nUn progetto destinato a ripensare Matisse\, a riconsiderare il ruolo della sua opera nel panorama dell’arte della prima metà del XX secolo\, alla luce di una più ampia ricerca estetica che vede proprio nella scultura il veicolo per nuove e rivoluzionarie soluzioni formali. In questo affondo necessario\, emerge come sia stata in particolare la figura umana il tema principe della sua tensione verso la sintesi. Dall’indagine sul corpo\, la postura\, il gesto o la fisionomia\, Matisse ha sviluppato un percorso di riduzione geometrica dell’immagine che lo ha portato verso un’astrazione ai limiti del radicale. \nCome l’artista stesso affermò nel 1908 nelle sue Notes d’un peintre: «ciò che mi interessa di più non è né la natura morta né il paesaggio\, è la figura». La figura\, non per il suo pathos\, il suo lirismo\, gli stati d’animo o la flessione esistenziale\, ma per il suo senso di presenza nello spazio e la sua ideale evoluzione nel tempo. Matisse ha interrogato infatti il corpo nella sua relazione con l’ambiente prossimo e con il mutare delle circostanze in un lasso di tempo dilatato. Ecco allora l’evoluzione di un dato naturalistico in una sintesi finale che sublima la contingenza in una dimensione di perfezione assoluta. Lo spazio condiziona\, a sua volta\, un sistema di relazioni sottili fra sostanza fisica e vuoto abitato\, fra i gesti e le linee dinamiche che essi disegnano nell’aria. \nLa mostra prende avvio\, dunque\, da una analisi del metodo di creazione dell’artista e dal suo lavoro di trasformazione della figura in variazioni seriali. Il percorso allinea sequenze di bronzi\, datate dai primi anni Dieci agli anni Trenta\, e soggetti presentati nei loro diversi stati successivi e accostati alle fonti di ispirazione dell’artista\, tra cui fotografie di nudi e modelle in posa\, oltre a una selezione essenziale di pochi dipinti in cui i motivi stessi svelano la doppia anima della sua ricerca parallela\, pittorica e scultorea\, in particolare nell’affrontare i temi dominanti del nudo\, della danza\, dell’odalisca. Attraverso circa 30 sculture e una ventina fra disegni\, incisioni\, oltre a fotografie d’epoca e pellicole originali\, la scultura di Matisse verrà posta in relazione con i soggetti di una vita\, le sue magnifiche ossessioni legate alle forme femminili\, alla ricerca fisiognomica sulle modelle\, alle attitudini e alla plasticità dei volumi. \nSullo sfondo di questa ricerca composita\, ecco allora molte figure uniche\, come Le tiaré\, di cui non esistono stadi differenti\, mentre altre si ripetono a intervalli diversi\, variando e trasformandosi\, come il celebre ciclo di Jeannette (I-V). Da qui l’artista sviluppa infatti un approccio concettuale che può essere descritto come una sorta di metodo di progressione formale. 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Una soglia sospesa\, che non è solo fisica ma anche mentale\, che stimola il passaggio verso nuovi livelli di conoscenza. \nIl progetto After the Last Image di Luca Spano esplora i limiti biologici e tecnologici del vedere\, indagando il rapporto tra visibile e invisibile e\, in particolare\, quella zona d’ombra compresa tra i due: l’ultimo punto conosciuto\, un’area di confine il cui mistero invita alla scoperta. \nI lavori fotografici e installativi che compongono After the Last Image\, progetto vincitore del bando Strategia Fotografia 2022\, esplorano i limiti della visione e i processi speculativi che conducono alla conoscenza del mondo. Le residenze di ricerca portate avanti durante il progetto\, parte fondamentale di ideazione\, hanno consentito di approfondire stimoli eterogenei provenienti da diverse discipline. Presso il Kunsthistorisches Institut in Florenz\, Spano ha esplorato quel filone accademico che ha come oggetto il visibile e le pratiche dello sguardo\, interrogandosi su cosa sia un’immagine e quale sia il suo ruolo nella società contemporanea. \nLe riflessioni sulle modalità con cui lo strumento visivo entra nello studio del reale ha poi portato l’artista ad associare la pratica fotografica alla geografia. Un periodo di residenza presso il Dipartimento Interateneo di Scienze\, Progetto e Politiche del Territorio (DIST) del Politecnico di Torino gli ha infatti permesso di approfondire la figura del geografo\, studioso che proprio a partire dalla vista crea quelle distorsioni dello spazio che comunemente chiamiamo “mappe”. \nDurante la residenza al Deutsches Optisches Museum di Jena\, in Germania\, Luca Spano si è soffermato su cosa significhi vedere in un processo che\, partendo dall’esperienza ottica\, arriva a considerare implicazioni culturali\, sociologiche e antropologiche. \nLa serie 12 hidden information riconsidera la centralità dell’occhio nel rapporto tra essere umano e realtà\, riprendendo una selezione di illustrazioni su problematiche della vista tratte dal manuale di oftalmologia di Theodor Axenfeld (1912)\, consultato dall’artista proprio nel Deutsches Optisches Museum. In un simile processo di decontestualizzazione\, le malattie dell’occhio vengono trattate come illustrazioni pure che\, una volta astratte\, si risolvono in forme mutevoli e affascinanti. Le pupille e le iridi diventano\, così\, pianeti di una costellazione della conoscenza. \nLe molteplici sfumature che compongono After the Last Image ci spingono ad ampliare le nostre prospettive stimolando nuove domande e nuove visioni. L’artista ci incoraggia a riflettere con maggiore consapevolezza sulla complessità dei fenomeni percettivi e sulle ambiguità che plasmano il nostro mondo. Crea un ponte tra il noto e l’ignoto e ci accompagna in un percorso di attraversamento del confine. Quell’intervallo liminale ricco di possibilità\, dove spostare i nostri limiti sempre un po’ più in là. \nBiografia \nLuca Spano (1982\, IT) è un artista multidisciplinare. Si è formato tra Europa e Stati Uniti\, con una laurea in Scienze della Comunicazione alla Sapienza di Roma\, un MA in fotografia alla London College of Communication a Londra e un MFA in arti visuali alla Cornell University a Ithaca (US). Il suo lavoro è stato esposto internazionalmente in musei\, gallerie e festival come: Triennale di Milano\, MACRO (Museo di Arte Contemporanea di Roma)\, BredaPhoto Festival (NL)\, Malta Festival (PL)\, Saavy Contemporary a Berlino (DE)\, Luis Adelantado Gallery (ES)\, Paolo Erbetta Gallery (IT)\, Caelum Gallery a New York\, Istituto di Cultura Italiana di Parigi\, Istituto di Cultura Italiana di Amburgo e l’Istituto Superiore Regionale Etnografico. \nLuca è stato artista in residenza alla Fundacion Botin (ES)\, a NoArte Paese Museo (IT)\, Künstlerischen Tatsache (DE)\, Kultur einer Digitalstadt (DE) e visiting artist a Arts Letters and Numbers Residency (US) ed altri. Il suo lavoro ha ricevuto premi e grants come la MEAD Fellowship (UK)\, CCA Grant e Einaudi research grant (US)\, The John Hartell Award (US)\, Graziadei Prize (IT)\, il Premio del Paesaggio Regione Sardegna (IT)\, New Work Prospect Art Grant (US)\, Strategia Fotografia 2022 MiBACT (IT). \nÈ stato uno dei direttori della agenzia fotografica OnOff Picture con sede a Roma\, co-direttore dell’organizzazione NYC Creative Salon a New York\, e ideatore di OCCHIO\, un laboratorio di ricerca e didattica sull’immagine con sede a Cagliari. \nIl suo lavoro è incluso in collezioni pubbliche e private come il Museo MAXXI di Roma\, la collezione di libri d’artista della Cornell University\, la collezione Graziadei e l’Istituto Superiore Regionale Etnografico Sardo. \nProgetto realizzato in collaborazione con\nDeutsches Optisches Museum\, Jena (DE)\nDipartimento Interateneo di Scienze\, Progetto e Politiche del Territorio (DIST) del Politecnico di Torino\, Torino (IT)\nKunsthistorisches Institut in Florenz\, Firenze (IT) \nCatalogo bilingue Mousse Publishing\nTesti critici di: Elisabetta Masala\, Giangavino Pazzola\, Anna Caterina Dalmasso\, Massimo Canevacci\, Luca Spano e Giovanna Corraine\, Franziska Perske e Maria Dienerowitz\, Ute Dercks\, Marco Santangelo \nUfficio Stampa\nSTUDIO ESSECI – Sergio Campagnolo\nVia San Mattia 16\, 35121 Padova\nTel. +39.049.663499\nreferente Simone Raddi\, simone@studioesseci.net\nwww.studioesseci.net URL:https://www.museoman.it/event/luca-spano-after-the-last-image/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2023/11/luca-spano.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20231010 DTEND;VALUE=DATE:20231114 DTSTAMP:20240719T073014Z CREATED:20231130T103410Z LAST-MODIFIED:20240719T073014Z UID:393-1696903200-1699837199@www.museoman.it SUMMARY:Die Zauberberge - Le montagne incantate DESCRIPTION:6 ottobre – 12 novembre 2023\nInaugurazione venerdì 6 ottobre\, ore 18:30 \nTalk sabato 7 ottobre 2023\, ore 12\nIn occasione della Giornata del Contemporaneo\, AMACI – Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani \nNuoro e Monte Verità\, tutto è iniziato qui. In due isole ideali\, due terre di frontiera e\, insieme\, di appartenenza. Luoghi magnetici e ricchi di storia\, che lo scorso aprile hanno accolto i protagonisti della mostra collettiva Die Zauberberge_Le montagne incantate. Le residenze\, realizzate in collaborazione con la Fondazione Monte Verità di Ascona\, hanno coinvolto sei artisti\, tre sardi e tre svizzeri\, che durante il periodo di ricerca si sono confrontati su temi comuni. \nGli artisti di origine svizzera – Tonatiuh Ambrosetti\, Maya Hottarek\, Lisa Lurati – hanno svolto sul territorio sardo un’indagine sulla ricca identità locale. Parallelamente\, tre giovani artisti sardi – Giaime Meloni\, Elena Muresu\, Marco Useli – hanno abitato Monte Verità e gli spazi della celebre “collina dell’utopia”\, dove architettura\, arte e danza hanno sempre dialogato in modo virtuoso. Un paradiso anarchico che ha attratto pensatori\, pittori\, scrittori\, filosofi\, progettisti da ogni angolo d’Europa: dall’anarchico Kropotkin al coreografo ungherese Rudolf von Laban\, dal dadaista Hugo Ball all’architetto Walter Gropius\, dall’artista Hans Arp a Karl Gustav Jung\, fino al grande curatore Harald Szeemann. \nLe opere esposte in Die Zauberberge_Le montagne incantate rappresentano il risultato di queste ricerche\, uno sguardo contemporaneo su luoghi simbolo di componenti primigenie\, di spiritualismo e autarchia. Sono fotografie\, sculture\, grafiche\, installazioni\, lavori forgiati a partire da un’esperienza unica\, dal cammino e dall’isolamento\, dalla bellezza selvaggia e lussureggiante della natura\, dal respiro assoluto di boschi di arcaica memoria. \nArtisti in mostra \nTonatiuh Ambrosetti \nNato a Lugano nel 1980\, nel 2006 si diploma presso l’ECAL – École cantonale d’art de Lausanne\, dove nel 2012 ottiene una cattedra come professore. Nel 2006 fonda insieme a Daniela Droz lo studio fotografico Daniela et Tonatiuh. Nel suo lavoro sviluppa la relazione conflittuale tra uomo e natura\, portando avanti una ricerca su una fotografia non-oggettiva che va oltre i confini convenzionali dell’immagine includendo anche scultura\, incisione\, disegno e installazioni sonore e video. Le sue opere sono state esposte in festival\, gallerie e musei di rilevanza internazionale\, tra cui: la prima Edizione di Alt+1000 a Rossiniere (2008); il forum ETH Hönggerberg a Zurigo (2009); la Royal Danish Accademy of fine arts\, Copenhagen\, Danemark (2011); Bâtiment d’Art Contemporain\, Genève (2014); Le musée des Arts Décoratifs\, Paris\, Francia (2015); The PRINTSPACE\, Londres\, UK (2016); il Centre d’art Contemporain Yverdon-les-Bain (2016). \nMaya Hottarek \nNata nel 1990\, è un’artista che lavora con diversi materiali e in ambiti differenti\, dalla ceramica al cinema\, dal suono a oggetti di uso comune. Ha studiato arti visive all’Università delle Arti di Berna e all’Institut Kunst di Basilea. Uno dei suoi interessi principali è quello di articolare le complesse interazioni tra individuo\, società\, economia e natura. Tra le mostre principali\, si menzionano le esposizioni alla N/A/S/L di Città del Messico\, alla Liste Art Fair di Basilea e alla Kunsthaus di Appenzell. \nLisa Lurati \nNata a Lugano nel 1989\, si è formata presso la scuola di fotografia di Vevey e all’Institut Kunst di Basilea. Il suo lavoro oscilla tra una meditazione quasi decorativa e una celebrazione estetica che\, ad uno sguardo più attento\, svela un universo caleidoscopico di simboli e segni che non si spiega mai completamente ma che arriva\, tuttavia\, a sostenere una curiosa coerenza. Fra le mostre personali recenti si ricordano: In-between things\, Galleria Ann Mazzotti\, Basilea\, 2022; Raving Cosmo\, CACY\, Yverdon-les-Bains\, 2021; Nebulosa\, Galleria Forma\, Losanna\, 2020; Scherzo. Molto allegro\, quasi presto\, Photoforum Pasquart\, Biel\, 2018. \n  \nGiaime Meloni \nNato a Cagliari nel 1984\, è un fotografo con un dottorato di ricerca in architettura\, che attualmente vive fra due isole: Île-de-France e Sardegna. Il suo lavoro esplora in maniera empirica le modalità di riproduzione e invenzione dello spazio fisico. Le sue ricerche sono state presentate in pubblicazioni e conferenze internazionali (Canada\, Francia\, Italia\, Portogallo). Nel 2017 è stato nominato tra i finalisti per il Premio Graziadei con il suo progetto Das Unheimliche. Nel 2019 è stato selezionato da CAMERA – Centro Italiano per la fotografia – per prendere parte al programma FUTURES supportato dall’Unione Europea. Nello stesso anno è tra i finalisti del Premio Francesco Fabbri per la fotografia contemporanea. Dal 2022 è professore associato presso Ecole Nationale Supérieure d’Architecture de la Ville et du Territoire de Paris Est\, dove insegna le arti e le tecniche di rappresentazione dello spazio. \nElena Muresu \nFotografa\, artista visiva e performer\, nata ad Alghero nel 1990. Ha conseguito il Master in Management Culturale per la Valorizzazione del Territorio presso 24Ore Business School\, una laurea in Pittura all’Accademia di belle arti di Sassari e in Fotografia all’Accademia di belle arti di Brera. Sviluppa parallelamente due percorsi artistici e professionali: da una parte la fotografia e il video e dall’altra la cultura urbana\, che la spingono verso l’esplorazione di molteplici linguaggi per indagare la tematica del rapporto tra l’essere umano e il proprio territorio. Dal 2021 è fotografa e videomaker per Antonio Marras. Nel 2021 espone alla XVII Mostra Internazionale di Architettura di Venezia con il video documentario “Skatepark Italy” (finalista 2022 a Via dei Corti\, festival del Cinema Indipendente\, Catania). \nMarco Useli \nPittore e incisore\, nasce a Nuoro nel 1983. Laureato all’Accademia di belle arti di Firenze nel 2007\, dopo un biennio londinese frequenta il master in Progettazione contemporanea con la pietra del Politecnico di Milano. Dal 2012 fa parte della Milano Printmakers. Sviluppa ricerche nell’ambito della grafica d’arte tra Milano e la Sardegna\, dove nel 2017 apre uno studio artistico a Dorgali. Attualmente insegna Progettazione del Design presso il Liceo artistico Francesco Ciusa di Nuoro. \n  \nFoto allestimento: Alessandro Moni \n\n \n \n \n \n \n \n \n \n \n \n \n \n \n \n \n\n  URL:https://www.museoman.it/event/die-zauberberge-le-montagne-incantate/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2023/11/mostraMAN-2.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20231124T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20231124T000000 DTSTAMP:20250714T102732Z CREATED:20240417T143223Z LAST-MODIFIED:20250714T102732Z UID:3169-1700784000-1700784000@www.museoman.it SUMMARY:Cristian Chironi DESCRIPTION:  \nNell’ambito del programma annuale dedicato alla ricerca sui linguaggi del contemporaneo\, che ha visto il MAN di Nuoro presentare nei mesi scorsi artisti come Massimo Grimaldi\, Alice Guareschi\, Luca Spano oltre al piano speciale di residenze condiviso con la Fondazione Monte Verità di Ascona\, il museo annuncia una personale di Cristian Chironi (Nuoro 1974) a dieci anni esatti dal suo ultimo progetto per il MAN. Vincitore di Strategia Fotografia 2023\, bando del Ministero della Cultura che ha consentito l’acquisizione di nove opere della sua produzione giovanile\, Chironi svilupperà al MAN un percorso inedito intitolato Abitare è un linguaggio e dedicato all’“Arte dell’abitare”. \nInfatti\, da tempo la ricerca di Cristian Chironi si sviluppa attraverso progetti che prevedono che l’artista viva e lavori in case e residenze d’arte in varie parti del mondo. Il più noto è My house is a Le Corbusier\, in cui la vita di Chironi si intreccia alle architetture disegnate da Le Corbusier in 12 paesi. \nChironi è stato inoltre residente a Casa Wabi\, architettura progettata da Tadao Ando nelle vicinanze di Puerto Escondido a Oaxaca. Ha abitato la casa dell’architetto\, designer e urbanista Pierre Jeanneret a Chandigarh\, in India. Ha vissuto nella casa della scrittrice Victoria Ocampo a Buenos Aires\, disegnata dall’architetto Alejandro Bustillo e considerata la prima casa rappresentativa del movimento moderno in Argentina. Un progetto abitativo è anche quello ideato da Chironi per i grottini dei giardini pubblici di Cagliari\, luogo denso di storia che durante la Seconda Guerra Mondiale è stato rifugio antiaereo e persino ricovero per le opere d’arte. \nIn linea con questo percorso\, l’esplorazione di architetture d’autore\, storiche e importanti\, ha portato l’artista ad abitare anche una “Brownstone” del 1850\, architettura caratteristica situata a Brooklyn e oggi considerata tra gli esempi meglio conservati di design urbano del XIX secolo negli Stati Uniti. \nL’esperienza di Chironi in queste architetture è scandita da momenti di lavoro solitario e momenti di scambio con i visitatori\, in cui l’interpretazione dell’architettura è resa attraverso il racconto e la presa diretta della sua dimensione spazio temporale. In questi luoghi\, opere ed eventi sono realizzati sul momento\, con un profondo interesse per la commistione tra stili diversi e la sperimentazione di materiali inconsueti. Una ricerca coerente\, incentrata sul concetto di abitare esplorato secondo diverse prospettive. In questo modo\, le abitazioni diventano per l’artista un punto di osservazione privilegiato per comprendere il profondo significato dell’abitare\, per riflettere su questioni legate alla gentrificazione e ai cambiamenti urbani. Si stabilisce\, così\, un rapporto con il contesto\, sia umano che ambientale\, che porta l’artista a confrontarsi con culture e costumi sempre diversi. \nPer il MAN\, Chironi ha concepito il percorso espositivo Abitare è un linguaggio\, coordinato da Elisabetta Masala\, in cui ognuna delle otto sale del secondo piano del museo accoglie opere provenienti da diverse abitazioni precedentemente esplorate\, con lavori inediti realizzati per l’occasione. \nUna costola espositiva del progetto è inoltre visibile presso l’Autocarrozzeria Santino Angioi a Ottana\, paese poco distante da Nuoro\, dove Chironi da sempre personalizza la sua Fiat 127 Special\, seguendo gli accostamenti cromatici tipici delle case di Le Corbusier. Non a caso la storica automobile è stata ribattezzata “Camaleonte”\, proprio per la capacità di mutare il colore della carrozzeria a seconda dei luoghi in cui sosta. \nVenerdì 1° dicembre Camaleonte sarà al centro di in una nuova versione del progetto itinerante Drive\, che unisce l’artista e i partecipanti in un percorso di riflessione urbana e immaginazione sui temi del viaggio\, della mobilità\, delle trasformazioni sociali\, dell’abitazione e dell’attraversamento di confini. Insieme ai racconti di Chironi alla guida di Camaleonte\, si potranno ascoltare le composizioni sonore nate in collaborazione con diversi musicisti e sound-artist: Francesco Brasini\, Alessandro Bosetti\, Massimo Carozzi\, Daniela Cattivelli\, Coro di Radio France\, Paolo Fresu\, Stefano Pilia\, Francesco Serra\, Henrik Svedlund\, Dominique Vaccaro\, Sophie Vitelli\, e il contributo inedito del polistrumentista nuorese Gavino Murgia. \nLo slogan di Le Corbusier “una casa è una macchina per abitare” è reinterpretato così in Nuoro Drive\, dando vita ad un ambiente mobile che condensa segni di viaggio e transito\, in un remix di storie\, traiettorie e valori. \nLa parte editoriale del progetto vedrà la luce nel 2024\, con il contributo dell’artista statunitense Charles Ray\, con cui Chironi ha avviato una collaborazione per la realizzazione di un ponte per pecore e pastori da costruirsi in Sardegna. \n  \nColor keyboard – FIAT 127 Special (Camaleonte) \nAutocarrozzeria Santino Angioi \nzona P.i.p. Lotto 12\, 08020 Ottana (NU) \ndal lun. al ven. ore 09.00 > 18.00 \nT: +39.07841786478 \n  \n01.12.23 _ Nuoro Drive \nperformance itinerante in città. \nPartenza dal Museo MAN.  \nSono previsti cinque viaggi da 30 minuti \nOrari:15.30>16.00; 16.15>16.45; 17.00>17.30; 17.45>18.15; 18.30>19.00 \nColoro che desiderano partecipare ai viaggi di 30 minuti con l’artista possono inviare il proprio nome\, numero di telefono\, insieme alla fascia oraria specifica in cui desiderano partecipare\, all’e-mail info@museoman.it \n  \nRingraziamenti \nFondation Le Corbusier – Parigi \nFundación Casa – Città del Messico \nLacasapark Art Residency – New York \nLa Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes e BIENALSUR – Buenos Aires \nPierre Jeanneret Museum – Chandigarh \nIstituto di Cultura Italiano – Città del Messico \nCollezione Andrea Boghi – Brescia \nCollezione Anna e Francesco Tampieri – Nonantola \nOlnick Spanu Collection – New York \n  \nCristian Chironi è un artista multidisciplinare che vive tra Città del Messico e l’Italia. Usa diversi mezzi tra cui performance\, fotografia\, video\, architettura\, design\, creando spesso una sorta di interazione tra di loro. Tra le prossime mostre: Istituto Italiano di Cultura di Città del Messico; CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia\, Torino. Tra le prossime performance: Ivrea (Olivetti) Drive\, Ivrea. www.cristianchironi.it \n  URL:https://www.museoman.it/event/__trashed-25/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/grafico-vyyRBb.tmp_.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20231124T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20231124T000000 DTSTAMP:20250714T102731Z CREATED:20240417T143224Z LAST-MODIFIED:20250714T102731Z UID:3168-1700784000-1700784000@www.museoman.it SUMMARY:IL RESTO DELL’ALBA DESCRIPTION:Sullo sfondo di un anno che il MAN di Nuoro ha dedicato al dialogo fra arte e architettura\, dopo l’omaggio alla scalinata di Odessa e ai workshop con le università di architettura di Cagliari\, Alghero e Palermo\, prende forma ora un progetto inedito studiato appositamente per gli spazi del museo. \nLa mostra Il Resto dell’Alba nasce da un confronto teorico fra l’artista Patrick Tuttofuoco\, la curatrice museografa Maddalena d’Alfonso e l’architetto Giovanni de Niederhäusern\, vicepresidente di Pininfarina Architettura. \nIl Resto dell’Alba è un’opera avvolgente che interpreta la nuova frontiera del virtuale dando un corpo fisico all’ipertecnologia del digitale. \nL’ambiente progettato con strumenti di design parametrico di tipo generativo è interamente realizzato in alluminio tagliato con una tecnica denominata mesh clustering\, per ottimizzare l’uso del materiale\, la realizzazione a controllo numerico e l’assemblaggio a secco. \nIl sole doppio è una forma-oggetto composta dalla sfera incipiente e dal suo doppio\, che è anche un’ombra luminosa\, un inconcepibile cortocircuito sulla questione della fonte della luce e del calore. \n\n\n\nLA MOSTRA\n\n\nLa mostra\, nel dialogo tra arte\, architettura e museografia\, propone al pubblico un’esperienza personale\, in cui la dilatazione del momento dell’alba cristallizza uno stato di attesa\, un tempo sospeso e pone l’osservatore di fronte a quesiti su un futuro sempre più innaturale ma nell’ottica di una reciprocità virtuosa fra natura e tecnologia. \nFra passato e futuro\, il visitatore incarna il presente. Il paesaggio museografico desunto dall’immaginario digitale del metaverso\, fa percepire il fascino del disagio di essere troppo vicini al sole. Una sensazione che genera la riflessione su grandi temi comuni e attuali\, da affrontare con urgenza sempre maggiore: dai più evidenti\, relativi al cambiamento climatico\, a quelli di ricerca sul design di supporto alla riduzione degli sprechi e sulle materie prime. \nIl MAN promuove con questa mostra una condivisione su argomenti fondamentali\, dalle questioni della sostenibilità sociale a quelle dell’inclusione\, attraverso la coesistenza di arte\, artificio e umano in un luogo aurorale. E pone al pubblico domande importanti: quale intricata relazione si sta instaurando tra la nostra esistenza nel mondo digitale e la presenza fisica? Che luoghi e spazi pensare per l’inclusività e per sensibilizzare su problematiche contingenti per la costruzione del futuro? \n\n\n\nPININFARINA ARCHITECTURE\n\n\nIcona globale dello stile italiano\, Pininfarina è nota per la sua impareggiabile abilità nel creare opere senza tempo\, basate sui suoi valori di Tecnologia e Bellezza. Fondata in Italia nel 1930\, Pininfarina ha oggi uffici in tutto il mondo\, con un ambito progettuale che include trasporti\, design industriale\, architettura/interni e design automobilistico. I progetti più recenti di Pininfarina della divisione Architettura abbracciano località geografiche come la Turchia (la Nuova Torre di Controllo dell’aeroporto di Istanbul)\, gli Stati Uniti (il condominio di lusso 1100 Millecento a Miami)\, il Brasile (Cyrela\, Vitra e Yachthouse\, e le torri gemelle di Balneario Camboriu)\, l’Italia (Juventus Stadium a Torino\, The New Stauffer Center for Strings a Cremona\, Urban Lounge a Milano). Pininfarina Architettura ha inoltre vinto numerosi premi internazionali di architettura\, di recente il Green Good Design Award 2022 per Urban Lounge\, l’American Architecture Award 2020 con Yachthouse\, l’International Architecture Award 2020 per Sixty6 e il Red Dot Award 2019 per il City of Miami Bus Shelter Designs. Con sedi a Torino\, Milano\,. Miami\, New York e Shanghi\, Pininfarina Architecture lavora con un team di 80 professionisti formati presso le più importanti istituzioni accademiche e centri di ricerca del mondo e con background multidisciplinari tra cui architettura\, ingegneria\, scienze sociali e interaction design\, legati tra loro attraverso le esperienze professionali. Project team: Giovanni de Niederhausern\, Gianni Giuffrida\, Simona Penna\, Marco Caprani\, Giuseppe Conti\, Alessandro Mimiola\, Silvia Sereno Regis\, Giacomo Andreolli. \n\n\n\nPATRICK TUTTOFUOCO\n\n\nVive e lavora a Milano \nIl lavoro artistico di Patrick Tuttofuoco è concepito come un dialogo tra individui e la loro abilità a trasformare l’ambiente che abitano\, esplorando nozioni di comunità ed integrazione sociale al fine di combinare l’immediata attrazione sensoriale con il potere di innescare profonde risposte teoriche. Tuttofuoco mescola Modernismo e Pop; egli spinge il figurativo nell’astratto\, usando l’uomo come paradigma dell’esistenza\, come la matrice e l’unità di misura della realtà. Da questo processo interpretativo e cognitivo\, vengono prodotte infinite versioni dell’uomo e del contesto della sua esistenza\, dalle quali vengono generate forme in grado di animare le sculture. Patrick Tuttofuoco ha partecipato alla 50° Biennale di Venezia (2003)\, a Manifesta 5 (2004)\, alla 6° Biennale di Shanghai (2006) e alla 10° Biennale di Havana (2009). I suoi lavori sono stati esibiti in diverse istituzioni come la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo\, (Torino 2006)\, il Künstlerhaus Bethanien\, Berlino (2008) e Casa Italia\, Pyeongchang (2018). Nel 2017 è stato selezionato dal Consiglio italiano grazie al progetto ZERO presentato a Rimini\, Berlino e Bologna (2018). \n\n\n\nMADDALENA D’ALFONSO\n\n\nVive e lavora a Milano. \nMaddalena d’Alfonso\, è architetto\, saggista e ricercatrice. Prende la qualifica di professore associato nel 2017 dopo il dottorato di ricerca in architettura degli interni e museografia nel 2004. Ha applicato la sua attitudine a coniugare l’attività di ricerca con la cultura museografica nell’ideazione e progettazione di mostre e programmi culturali per istituzioni pubbliche\, fondazioni e musei. D’Alfonso è membro del consiglio scientifico di ICAMT – l’International Commitee for Architecture and Museum Techniques dell’ICOM dal 2019. La mostra Il Paesaggio dei Diritti – Fotografare la Costituzione\, da lei ideata e curata per il Comune di Milano\, nel 2017 ha ricevuto la medaglia di rappresentanza del Presidente della Repubblica Italiana _e il suo libro Warm Modernity (Silvana 2016) ha ricevuto il Red Dot Award. Nel 2019 ha fondato l’agenzia Md’A Design Agency per offrire alla sua rete di lavoro servizi\, progettazione e attività interdisciplinari riunendo architettura\, curatela e gestione museale per implementare soluzioni sostenibili per l’architettura e la cultura sottolineando i temi relativi all’accessibilità e democraticità degli spazi pubblici e collettivi. \n\n\n\nI PARTNER DEL PROGETTO\n\n\nMaterea\, per le lavorazioni computazionali e il servizio di produzione  \nNieder\, per le lavorazioni\, lo shipping e l’installazione   \nAlpewa e Prefa\, per la fornitura di alluminio grezzo  \nErco\, per la consulenza illuminotecnica e la fornitura dei corpi illuminanti \nBrianza Plastica\, per il sostegno alla produzione  \nStand Up allestimenti per la realizzazione \n  \nProgetto finanziato nell’ambito dei fondi Pnrr per l’accessibilità URL:https://www.museoman.it/event/__trashed-26/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20231124T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20231124T000000 DTSTAMP:20250714T102731Z CREATED:20240417T143226Z LAST-MODIFIED:20250714T102731Z UID:3167-1700784000-1700784000@www.museoman.it SUMMARY:Fancello Nivola Pintori DESCRIPTION:Il progetto vuole rendere omaggio alle figure dei tre artisti\, Costantino Nivola (Orani\, 1911 – Long Island\, 1988)\, Giovanni Pintori (Tresnuraghes\, 1912 – Milano\, 1999)\, Salvatore Fancello (Dorgali\, 1916 – Bregu Rapit\, 1941) all’indomani delle celebrazioni per i 100 anni dalla fondazione dell’I.S.I.A.\, attraverso un percorso espositivo che si articolerà nelle sedi del MAN e del Museo Civico Salvatore Fancello di Dorgali. \nLe due istituzioni\, in maniera sinergica e attraverso una importante collaborazione istituzionale\, predisporranno una serie di eventi collaterali volti alla valorizzazione delle opere dei tre ‘sardi dell’I.S.I.A.’ e del percorso formativo comune.Il progetto vanta\, come ulteriore obbiettivo\, quello di rafforzare il legame del MAN con le istituzioni locali\, in questo caso con Dorgali\, terra natia di Salvatore Fancello di cui il museo dorgalese conserva tra l’altro il celebre ‘Disegno interrotto’ del 1938\, donato dall’artista a Costantino Nivola in occasione del suo matrimonio.La collezione permanente del MAN custodisce un prezioso nucleo delle opere più rappresentative dei tre artisti\, a partire dal comodato di Giovanni Pintori con 160 opere\, a cui segue il corpus delle opere di Salvatore Fancello\, tra cui le due sculture Figura femminile e Cinghiali. \nNel 1931 i tre artisti vinsero una borsa di studio della Camera di Commercio di Nuoro per la frequenza dei corsi presso l’I.S.I.A. (Istituto Superiore per le Industrie Artistiche)\, la famosa scuola creata a Monza su iniziativa dell’Umanitaria di Milano. L’istituto\, attivo dal 1922 al 1943\, già dai primi anni richiamò grandi personalità del mondo artistico a cui affidò gli insegnamenti di materie tecniche e creative. Per le sue aule passarono infatti architetti come Giuseppe Pagano e Edoardo Persoli\, gli scultori Marino Marini e Arturo Martini\, il pittore Pio Semeghini. Contestualmente la scuola si rivelò luogo di sperimentazione\, approfondimento\, crescita e innovazione. \nFancello\, Nivola e Pintori collaborano\, a partire dal 1936\, con l’Ufficio Tecnico di Pubblicità dell’Olivetti\, diretto da Renato Zveteremich\, un vero pioniere della grafica pubblicitaria. Pintori e Nivola\, a metà degli anni Trenta\, furono i progettisti di innovativi manifesti e di alcune pubblicazioni esemplari\, che segnarono il celebre “stile Olivetti”. Fancello\, pur frequentando gli uffici milanesi della società di Ivrea\, preferì dedicarsi alla ceramica.Nivola e Pintori realizzano a quattro mani i manifesti per la prima Olivetti Studio Modello 42\, di cui la mostra documenta tutti i passaggi di produzione e promozione. I maestri sardi crearono insieme immagini poetiche ed efficaci\, fatte di simboli evocativi e di giochi visivi. Il loro talento contribuì a distinguere nel mondo la forte identità grafica dell’azienda italiana. Costantino Nivola\, ricordando il suo lavoro all’Ufficio Pubblicità in quegli anni\, scrisse “Adriano Olivetti esigeva che tutto l’aspetto visuale della Olivetti fosse fatto a livello artistico”.A corredo del percorso espositivo il progetto prevede inoltre l’approfondimento\, attraverso ricerche d’archivio\, di documenti e fotografie\, fra cui alcuni inediti emersi recentemente in collezioni private. La mostra è arricchita da un catalogo che documenta il sodalizio dei maestri sardi sulla scia dello spirito illuminato e avanguardista di una scuola che fece epoca. URL:https://www.museoman.it/event/__trashed-27/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20231124 DTEND;VALUE=DATE:20240304 DTSTAMP:20240719T072254Z CREATED:20231130T095022Z LAST-MODIFIED:20240719T072254Z UID:360-1700784000-1709510399@www.museoman.it SUMMARY:Cristian Chironi - Abitare è un linguaggio DESCRIPTION:Nell’ambito del programma annuale dedicato alla ricerca sui linguaggi del contemporaneo\, che ha visto il MAN di Nuoro presentare nei mesi scorsi artisti come Massimo Grimaldi\, Alice Guareschi\, Luca Spano oltre al piano speciale di residenze condiviso con la Fondazione Monte Verità di Ascona\, il museo annuncia una personale di Cristian Chironi (Nuoro 1974) a dieci anni esatti dal suo ultimo progetto per il MAN. Vincitore di Strategia Fotografia 2023\, bando del Ministero della Cultura che ha consentito l’acquisizione di nove opere della sua produzione giovanile\, Chironi svilupperà al MAN un percorso inedito intitolato Abitare è un linguaggio e dedicato all’“Arte dell’abitare”. \nInfatti\, da tempo la ricerca di Cristian Chironi si sviluppa attraverso progetti che prevedono che l’artista viva e lavori in case e residenze d’arte in varie parti del mondo. Il più noto è My house is a Le Corbusier\, in cui la vita di Chironi si intreccia alle architetture disegnate da Le Corbusier in 12 paesi. \nChironi è stato inoltre residente a Casa Wabi\, architettura progettata da Tadao Ando nelle vicinanze di Puerto Escondido a Oaxaca. Ha abitato la casa dell’architetto\, designer e urbanista Pierre Jeanneret a Chandigarh\, in India. Ha vissuto nella casa della scrittrice Victoria Ocampo a Buenos Aires\, disegnata dall’architetto Alejandro Bustillo e considerata la prima casa rappresentativa del movimento moderno in Argentina. Un progetto abitativo è anche quello ideato da Chironi per i grottini dei giardini pubblici di Cagliari\, luogo denso di storia che durante la Seconda Guerra Mondiale è stato rifugio antiaereo e persino ricovero per le opere d’arte. \nIn linea con questo percorso\, l’esplorazione di architetture d’autore\, storiche e importanti\, ha portato l’artista ad abitare anche una “Brownstone” del 1850\, architettura caratteristica situata a Brooklyn e oggi considerata tra gli esempi meglio conservati di design urbano del XIX secolo negli Stati Uniti. \nL’esperienza di Chironi in queste architetture è scandita da momenti di lavoro solitario e momenti di scambio con i visitatori\, in cui l’interpretazione dell’architettura è resa attraverso il racconto e la presa diretta della sua dimensione spazio temporale. In questi luoghi\, opere ed eventi sono realizzati sul momento\, con un profondo interesse per la commistione tra stili diversi e la sperimentazione di materiali inconsueti. Una ricerca coerente\, incentrata sul concetto di abitare esplorato secondo diverse prospettive. In questo modo\, le abitazioni diventano per l’artista un punto di osservazione privilegiato per comprendere il profondo significato dell’abitare\, per riflettere su questioni legate alla gentrificazione e ai cambiamenti urbani. Si stabilisce\, così\, un rapporto con il contesto\, sia umano che ambientale\, che porta l’artista a confrontarsi con culture e costumi sempre diversi. \nPer il MAN\, Chironi ha concepito il percorso espositivo Abitare è un linguaggio\, coordinato da Elisabetta Masala\, in cui ognuna delle otto sale del secondo piano del museo accoglie opere provenienti da diverse abitazioni precedentemente esplorate\, con lavori inediti realizzati per l’occasione. \nUna costola espositiva del progetto è inoltre visibile presso l’Autocarrozzeria Santino Angioi a Ottana\, paese poco distante da Nuoro\, dove Chironi da sempre personalizza la sua Fiat 127 Special\, seguendo gli accostamenti cromatici tipici delle case di Le Corbusier. Non a caso la storica automobile è stata ribattezzata “Camaleonte”\, proprio per la capacità di mutare il colore della carrozzeria a seconda dei luoghi in cui sosta. \nVenerdì 1° dicembre Camaleonte sarà al centro di in una nuova versione del progetto itinerante Drive\, che unisce l’artista e i partecipanti in un percorso di riflessione urbana e immaginazione sui temi del viaggio\, della mobilità\, delle trasformazioni sociali\, dell’abitazione e dell’attraversamento di confini. Insieme ai racconti di Chironi alla guida di Camaleonte\, si potranno ascoltare le composizioni sonore nate in collaborazione con diversi musicisti e sound-artist: Francesco Brasini\, Alessandro Bosetti\, Massimo Carozzi\, Daniela Cattivelli\, Coro di Radio France\, Paolo Fresu\, Stefano Pilia\, Francesco Serra\, Henrik Svedlund\, Dominique Vaccaro\, Sophie Vitelli\, e il contributo inedito del polistrumentista nuorese Gavino Murgia. \nLo slogan di Le Corbusier “una casa è una macchina per abitare” è reinterpretato così in Nuoro Drive\, dando vita ad un ambiente mobile che condensa segni di viaggio e transito\, in un remix di storie\, traiettorie e valori. \nLa parte editoriale del progetto vedrà la luce nel 2024\, con il contributo dell’artista statunitense Charles Ray\, con cui Chironi ha avviato una collaborazione per la realizzazione di un ponte per pecore e pastori da costruirsi in Sardegna. \nColor keyboard – FIAT 127 Special (Camaleonte)\nAutocarrozzeria Santino Angioi\nzona P.i.p. Lotto 12\, 08020 Ottana (NU)\ndal lun. al ven. ore 09.00 > 18.00\nT: +39.07841786478 \n01.12.23 _ Nuoro Drive\nperformance itinerante in città.\nPartenza dal Museo MAN.\nSono previsti cinque viaggi da 30 minuti\nOrari:\n15.30>16.00; 16.15>16.45; 17.00>17.30; 17.45>18.15; 18.30>19.00\nColoro che desiderano partecipare ai viaggi di 30 minuti con l’artista possono inviare il proprio nome\, numero di telefono\, insieme alla fascia oraria specifica in cui desiderano partecipare\, all’e-mail info@museoman.it \nRingraziamenti \nFondation Le Corbusier – Parigi\nFundación Casa – Città del Messico\nLacasapark Art Residency – New York\nLa Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes e BIENALSUR – Buenos Aires\nPierre Jeanneret Museum – Chandigarh\nIstituto di Cultura Italiano – Città del Messico\nCollezione Andrea Boghi – Brescia\nCollezione Anna e Francesco Tampieri – Nonantola\nOlnick Spanu Collection – New York \nCristian Chironi è un artista multidisciplinare che vive tra Città del Messico e l’Italia. Usa diversi mezzi tra cui performance\, fotografia\, video\, architettura\, design\, creando spesso una sorta di interazione tra di loro. Tra le prossime mostre: Istituto Italiano di Cultura di Città del Messico; CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia\, Torino. Tra le prossime performance: Ivrea (Olivetti) Drive\, Ivrea. www.cristianchironi.it \n  \nFoto allestimento: Alessandro Moni URL:https://www.museoman.it/event/cristian-chironi-abitare-e-un-linguaggio/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2023/11/cristian_chironi.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20231124 DTEND;VALUE=DATE:20240305 DTSTAMP:20240719T074510Z CREATED:20231130T095833Z LAST-MODIFIED:20240719T074510Z UID:366-1700787600-1709513999@www.museoman.it SUMMARY:Giotto | Fontana - Lo spazio d'oro DESCRIPTION:una produzione MAN\, Nuoro\nda un’idea di Chiara Gatti\ntesti scientifici a cura di Andrea Nante e Paolo Campiglio\, Serena Colombo e Chiara Gatti\nCoordinamento di Rita Moro \nIl museo MAN di Nuoro presenta un progetto inedito dedicato a un dialogo ideale fra passato e presente\, fra classico e contemporaneo\, in linea con una filosofia espositiva che da anni conduce riflessioni sull’eterno ritorno di temi universali nell’arte di tutti i tempi. \nDopo le grandi mostre già riservate ad Alberto Giacometti e l’arcaico (in collaborazione con la Fondazione Giacometti di Zurigo) o Picasso e il mito\, nella serie celeberrima delle incisioni per la Suite Vollard\, il MAN intende indagare il nesso che\, a distanza di secoli\, collega la ricerca spaziale di Lucio Fontana con il valore dello spazio nelle composizione di Giotto\, unitamente alla presenza fortemente simbolica del colore oro nella sua reificazione dell’infinito e dell’altrove. \nNella tradizione pittorica bizantina e in quella medievale occidentale\, viene progressivamente meno la volontà di rappresentare uno spazio reale e tridimensionale. Il fondo oro di mosaici e tavole dipinte offre infatti una rilucenza profonda e vibrante e conferisce alla composizione pittorica\, per lo più sacra\, un’aura di religiosità e mistero\, atta a sancire il legame indissolubile tra arte e fede. \nIl dipinto è un’icona da adorare e assume un valore simbolico\, alludendo a valori eterni e trascendenti. \nGiotto\, Due apostoli\, 1325-1330 Tempera e oro su tavola Venezia\, Fondazione Giorgio Cini\, Galleria di Palazzo Cini \nL’oro non è colore\, ma simbolo divino\, esalta le figure\, ieratiche e bidimensionali\, senza umanizzarle\, le astrae dal contesto reale\, isolandole nel tempo e nello spazio e le pone entro rigidi schemi fissi\, annullando ogni consuetudine e ogni rapporto con la quotidianità: nessuna espressione e movimento\, nessun paesaggio familiare\, nessun edificio riconoscibile\, nessun riscontro con il vissuto. \nUn nuovo senso della realtà e dello spazio\, vero e profondo\, emerge nell’arte medievale grazie alla personalità di Giotto (1267 ca.-1337)\, che già i contemporanei lodavano poiché «rimutò l’arte di greco in latino e la ridusse al moderno»\, come scrisse Cennino Cennini nel suo Libro dell’Arte. Lo spazio sacro e dorato\, bidimensionale e trascendente\, cortina di luce che isola dal mondo esterno della tradizione precedente\, viene “bucato” da Giotto\, alla ricerca di una terza dimensione\, profonda e reale. \nIl fondo oro diventa cielo vero\, atmosferico\, lucente e terso nelle giornate di primavera\, illuminato dalla luce della luna e delle stelle (e persino delle comete) nella notte buia.\nGiotto scopre come la pittura possa raffigurare ciò che l’occhio vede\, comprese la possibilità dell’illusione\, meravigliosamente sperimentate per la prima volta nei due celebri finti coretti della cappella degli Scrovegni di Padova. Qui\, all’inizio del Trecento\, ancor prima dell’invenzione della prospettiva rinascimentale\, Giotto introduce l’idea del trompe-l’oil\, della pittura capace di trasformare lo spazio e creare ambienti illusionistici. Uno spazio senza figure e in cui – senza preavviso – irrompe il mondo esterno. I due fini vani\, vuoti\, potrebbero animarsi da un momento all’altro di cantori. E\, dalla bifora gotica\, si potrebbero vedere le rondini volteggiare nell’aria\, dalla gronda della vicina chiesa degli Eremitani\, come scrive Roberto Longhi nel 1952. \n“Giotto spazioso” è la definizione che il grande critico suggeriva per questo nuovo modo di pensare alla pittura\, spiegando\, a proposito della cappella padovana\, che «per chi\, ora\, si collochi al centro del pavimento della cappella\, e cioè nel luogo più adatto ad abbracciare con un solo sguardo la parete in cui si apre l’abside\, torna sùbito chiaro\, palmare\, sensibile fino all’illusione che i due finti vani “bucano” il muro\, mirano ad intervenire nell’architettura stessa del sacello. All’effetto di veridica illusione convengono le due volte gotiche concorrendo ad un solo centro che è sull’asse della chiesa e cioè nella profondità ’reale’\, esistenziale dell’abside; conviene la luce interna che\, partendo dal centro\, si diffonde inversamente nei due vani\, persino sulle colonnine e sugli stipiti delle due bifore; conviene la luce esterna di celo che colma l’apertura delle bifore stesse: non di un oltremarino “astratto”\, ma di un azzurro biavo\, che si accompagna a quello (vero) fuor delle finestre dell’abside». \nMa anche nei fondi oro – pensiamo alla giovanile Madonna di Borgo san Lorenzo e a quella di San Giorgio alla Costa o alla più tarda Maestà di Ognissanti – il cielo metafisico non è più infinito e\, al tempo stesso indefinito\, bensì fisico e reale. Le figure sono robuste come sculture e nel fondo\, pur dorato\, circola l’aria. Concorrono all’introduzione della realtà nella pittura l’uso della luce\, di cui Giotto individua sempre la fonte\, che modella i volumi\, occupa lo spazio rendendolo plausibile e ‘naturale’. Abitabile. Concorrono le intuizioni con cui il maestro coglie le relazioni tra luce e colore (il colore muta\, a seconda del variare della luce\, non solo di intensità ma di qualità)\, il suo approccio inedito alla quotidianità della vita\, nella resa curiosa di espressioni\, oggetti\, e della natura\, come un obiettivo spalancato nuovamente sulla realtà\, in ogni suo aspetto\, dai più sacrali ai più umili\, riproposto nella verità degli spazi architettonici e paesistici. Proprio in questa riappropriazione della realtà\, al di là degli schemi della tradizione\, la vita\, lo spazio\, l’uomo e i suoi sentimenti tornano a essere protagonisti della pittura. Un approccio vivo e rivoluzionario attuale anche per la pittura moderna e contemporanea\, che tanto debito nutre nei confronti del suo pensiero. \n«Le condizioni fondamentali nell’arte moderna sono chiaramente evidenti nel XIII secolo\, in cui inizia la rappresentazione dello spazio»\, scriveva Lucio Fontana nel suo «Manifiesto Blanco» del 1946. Con l’artista di Santa Fè\, lo spazio nuovo e illusorio di Giotto si trasforma infatti in uno spazio realmente tridimensionale. La luce che lo attraversa rende palpabile il principio della soglia\, dell’affaccio\, del luogo di confine fra visibile e invisibile\, secondo altresì l’antico concetto di iconostasi che Fontana rilegge nella sintesi radicale del suo gesto. La luce irrompe dunque in uno spazio mentale rendendolo improvvisamente percorribile. È proprio la stessa luce che\, nei fondi oro del Trecento – così come analizzata fra le pagine de Le porte regali di Pavel Florenskij – vedeva una materializzazione dell’immateriale e che ha poi attraversato i “concetti spaziali” di Lucio Fontana\, accarezzandone sabbie\, pietre\, pezzi di vetro e foglie d’oro. Una luce dilagante e calda\, ma generata da un atto pittorico. \nLucio Fontana\, Concetto spaziale\, 1960-61Olio su telaMART\, Museo di arte moderna e contermporanea di Trento e RoveretoCollezione Domenico Talamoni \nIl dialogo proposto in mostra fra una preziosa tavola di Giotto – i Due apostoli della Fondazione Giorgio Cini di Venezia – e un Concetto spaziale di Fontana del MART di Rovereto – attinge\, oltre che alle speculazioni di Florenskij\, a una lunga letteratura concentrata su corsi e ricorsi di quella magnifica ossessione della pittura per la rappresentazione dell’assoluto\, affrontata scientificamente da grandi studiosi\, fra cui Georges Bataille\, Lionello Venturi\, Jean-Paul Sartre\, Michael Baxandall\, Jean Servier\, Luigi Carluccio. Una tensione verso l’infinito e il trascendente accomuna antichi e contemporanei e rende il dialogo fra Giotto e Fontana significativo e puntuale nel senso di un affondo esemplificativo\, minimalista quanto intenso\, fra le pieghe di questo tema di studio dell’arte universale. La pittura delle icone presuppone\, non a caso\, una metafisica delle immagini e della luce che nel Novecento trova eredi sensibili. Ed è a questa metafisica che autori come Wildt\, Carrà\, Casorati e poi Melotti e Fontana\, oltre a maestri internazionali del calibro di Rothko o Yves Klein\, hanno guardato\, rivolgendosi persino all’uso dell’oro come veicolo verso l’astratto\, verso il sacro\, oltre le “porte regali” dell’iconòstasi\, al di là del margine fra mondo visibile e il mondo invisibile\, «luogo dove si manifesta una pittura sublime – per citare Florenskij – in cui le cose sono “prodotti della luce”». \n«Scoprire il Cosmo – ripeteva\, non per nulla\, Lucio Fontana – è scoprire una nuova dimensione. È scoprire l’Infinito. Così\, bucando questa tela – che è la base di tutta la pittura – ho creato una dimensione infinita». \n  \nFoto allestimento: Alessandro Moni \n\n \n \n \n \n \n \n \n \n \n\n  URL:https://www.museoman.it/event/giotto-fontana-lo-spazio-doro/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/png:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2023/11/invito-giotto-fontana-esec-03-copia.png END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20231124 DTEND;VALUE=DATE:20240305 DTSTAMP:20240719T071237Z CREATED:20231130T100044Z LAST-MODIFIED:20240719T071237Z UID:370-1700787600-1709513999@www.museoman.it SUMMARY:IL RESTO DELL’ALBA - Pininfarina Architecture e Patrick Tuttofuoco DESCRIPTION:Sullo sfondo di un anno che il MAN di Nuoro ha dedicato al dialogo fra arte e architettura\, dopo l’omaggio alla scalinata di Odessa e ai workshop con le università di architettura di Cagliari\, Alghero e Palermo\, prende forma ora un progetto inedito studiato appositamente per gli spazi del museo. \nLa mostra Il Resto dell’Alba nasce da un confronto teorico fra l’artista Patrick Tuttofuoco\, la curatrice museografa Maddalena d’Alfonso e l’architetto Giovanni de Niederhäusern\, vicepresidente di Pininfarina Architettura. Il Resto dell’Alba è un’opera avvolgente che interpreta la nuova frontiera del virtuale dando un corpo fisico all’ipertecnologia del digitale. \nLo spazio dell’arte\, infatti\, è visto come un luogo esperienziale generato con strumenti di prototipazione virtuale\, dove spazio e pubblico si integrano e si attivano a vicenda\, traguardando il tempo dell’arte: da una parte quello storico\, passato\, rappresentato idealmente da una scultura nuragica\, con tutto il suo portato mitico e assoluto insieme\, come segno eterno di una presenza iconica delle nostre origini\, “da dove veniamo”\, il nostro retaggio arcaico; dall’altra parte\, quello del futuro\, digitale\, il “dove andiamo” simbolizzato dall’immaginario incorporeo e aurorale della luce epifanica di un sole doppio\, una prospettiva e\, al contempo\, una nuova genesi\, ispirata alla classica iconografia del sole nascente\, di matrice anarchica\, speranza di un avvenire radioso\, allegoria di una rigenerazione e di un nuovo senso dell’abitare dell’uomo sulla terra\, così come teorizzato da Jean-Jacques Rousseau\, Bruno Taut o Martin Heidegger. Tutto questo sta alla base di una forma progettuale potente e utopica\, un’opera attraversabile in un viaggio allegorico\, dove l’esperienza si sublima nella dimensione del simbolo. \nL’ambiente progettato con strumenti di design parametrico di tipo generativo è interamente realizzato in alluminio tagliato con una tecnica denominata mesh clustering\, per ottimizzare l’uso del materiale\, la realizzazione a controllo numerico e l’assemblaggio a secco. Questo consentirà\, a fine mostra\, di disallestire l’opera e riutilizzare il materiale nella filiera del riciclo. Il sole doppio è una forma-oggetto composta dalla sfera incipiente e dal suo doppio\, che è anche un’ombra luminosa\, un inconcepibile cortocircuito sulla questione della fonte della luce e del calore. La mostra\, nel dialogo tra arte\, architettura e museografia\, propone al pubblico un’esperienza personale\, in cui la dilatazione del momento dell’alba cristallizza uno stato di attesa\, un tempo sospeso e pone l’osservatore di fronte a quesiti su un futuro sempre più innaturale ma nell’ottica di una reciprocità virtuosa fra natura e tecnologia. Fra passato e futuro\, il visitatore incarna il presente. Il paesaggio museografico desunto dall’immaginario digitale del metaverso\, fa percepire il fascino del disagio di essere troppo vicini al sole. Una sensazione che genera la riflessione su grandi temi comuni e attuali\, da affrontare con urgenza sempre maggiore: dai più evidenti\, relativi al cambiamento climatico\, a quelli di ricerca sul design di supporto alla riduzione degli sprechi e sulle materie prime. \nIl MAN promuove con questa mostra una condivisione su argomenti fondamentali\, dalle questioni della sostenibilità sociale a quelle dell’inclusione\, attraverso la coesistenza di arte\, artificio e umano in un luogo aurorale. E pone al pubblico domande importanti: quale intricata relazione si sta instaurando tra la nostra esistenza nel mondo digitale e la presenza fisica? Che luoghi e spazi pensare per l’inclusività e per sensibilizzare su problematiche contingenti per la costruzione del futuro? \nPininfarina Architecture \nIcona globale dello stile italiano\, Pininfarina è nota per la sua impareggiabile abilità nel creare opere senza tempo\, basate sui suoi valori di Tecnologia e Bellezza. Fondata in Italia nel 1930\, Pininfarina ha oggi uffici in tutto il mondo\, con un ambito progettuale che include trasporti\, design industriale\, architettura/interni e design automobilistico. I progetti più recenti di Pininfarina della divisione Architettura abbracciano località geografiche come la Turchia (la Nuova Torre di Controllo dell’aeroporto di Istanbul)\, gli Stati Uniti (il condominio di lusso 1100 Millecento a Miami)\, il Brasile (Cyrela\, Vitra e Yachthouse\, e le torri gemelle di Balneario Camboriu)\, l’Italia (Juventus Stadium a Torino\, The New Stauffer Center for Strings a Cremona\, Urban Lounge a Milano). Pininfarina Architettura ha inoltre vinto numerosi premi internazionali di architettura\, di recente il Green Good Design Award 2022 per Urban Lounge\, l’American Architecture Award 2020 con Yachthouse\, l’International Architecture Award 2020 per Sixty6 e il Red Dot Award 2019 per il City of Miami Bus Shelter Designs. Con sedi a Torino\, Milano\,. Miami\, New York e Shanghi\, Pininfarina Architecture lavora con un team di 80 professionisti formati presso le più importanti istituzioni accademiche e centri di ricerca del mondo e con background multidisciplinari tra cui architettura\, ingegneria\, scienze sociali e interaction design\, legati tra loro attraverso le esperienze professionali. Project team: Giovanni de Niederhausern\, Gianni Giuffrida\, Simona Penna\, Marco Caprani\, Giuseppe Conti\, Alessandro Mimiola\, Silvia Sereno Regis\, Giacomo Andreolli. \nPatrick Tuttofuoco (Milano\, 1974) Vive e lavora a Milano \nIl lavoro artistico di Patrick Tuttofuoco è concepito come un dialogo tra individui e la loro abilità a trasformare l’ambiente che abitano\, esplorando nozioni di comunità ed integrazione sociale al fine di combinare l’immediata attrazione sensoriale con il potere di innescare profonde risposte teoriche. Tuttofuoco mescola Modernismo e Pop; egli spinge il figurativo nell’astratto\, usando l’uomo come paradigma dell’esistenza\, come la matrice e l’unità di misura della realtà. Da questo processo interpretativo e cognitivo\, vengono prodotte infinite versioni dell’uomo e del contesto della sua esistenza\, dalle quali vengono generate forme in grado di animare le sculture. Patrick Tuttofuoco ha partecipato alla 50° Biennale di Venezia (2003)\, a Manifesta 5 (2004)\, alla 6° Biennale di Shanghai (2006) e alla 10° Biennale di Havana (2009). I suoi lavori sono stati esibiti in diverse istituzioni come la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo\, (Torino 2006)\, il Künstlerhaus Bethanien\, Berlino (2008) e Casa Italia\, Pyeongchang (2018). Nel 2017 è stato selezionato dal Consiglio italiano grazie al progetto ZERO presentato a Rimini\, Berlino e Bologna (2018). \nMaddalena d’Alfonso (1972) Vive e lavora a Milano. \nMaddalena d’Alfonso\, è architetto\, saggista e ricercatrice. Prende la qualifica di professore associato nel 2017 dopo il dottorato di ricerca in architettura degli interni e museografia nel 2004. Ha applicato la sua attitudine a coniugare l’attività di ricerca con la cultura museografica nell’ideazione e progettazione di mostre e programmi culturali per istituzioni pubbliche\, fondazioni e musei. D’Alfonso è membro del consiglio scientifico di ICAMT – l’International Commitee for Architecture and Museum Techniques dell’ICOM dal 2019. La mostra Il Paesaggio dei Diritti – Fotografare la Costituzione\, da lei ideata e curata per il Comune di Milano\, nel 2017 ha ricevuto la medaglia di rappresentanza del Presidente della Repubblica Italiana _e il suo libro Warm Modernity (Silvana 2016) ha ricevuto il Red Dot Award. Nel 2019 ha fondato l’agenzia Md’A Design Agency per offrire alla sua rete di lavoro servizi\, progettazione e attività interdisciplinari riunendo architettura\, curatela e gestione museale per implementare soluzioni sostenibili per l’architettura e la cultura sottolineando i temi relativi all’accessibilità e democraticità degli spazi pubblici e collettivi. \nPartner dell’installazione Materea per le lavorazioni computazionali e il servizio di produzione. www.materea.industries\nNieder\, per le lavorazioni e lo shipping e l’installazione www.nieder.it\nAlpewa e Prefa per la fornitura di lastre in alluminio naturale PREFA e dei rivetti www.alpewa.com – www.prefa.it\nErco Per la consulenza illuminotecnica e la fornitura dei corpi illuminanti. www.erco.com\nBrianza Plastica www.brianzaplastica.it \nProgetto finanziato nell’ambito dei fondi Pnrr per l’accessibilità \n  \n  \nFoto Allestimento: Alessandro Moni URL:https://www.museoman.it/event/il-resto-dellalba-pininfarina-architecture-e-patrick-tuttofuoco/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2023/11/Allestimento-Il-resto-dellalba_Ph-A.-Moni-3-scaled.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20231124 DTEND;VALUE=DATE:20240305 DTSTAMP:20240719T071159Z CREATED:20231130T100947Z LAST-MODIFIED:20240719T071159Z UID:376-1700787600-1709513999@www.museoman.it SUMMARY:Fancello Nivola Pintori DESCRIPTION:Il progetto vuole rendere omaggio alle figure dei tre artisti\, Costantino Nivola (Orani\, 1911 – Long Island\, 1988)\, Giovanni Pintori (Tresnuraghes\, 1912 – Milano\, 1999)\, Salvatore Fancello (Dorgali\, 1916 – Bregu Rapit\, 1941) all’indomani delle celebrazioni per i 100 anni dalla fondazione dell’I.S.I.A.\, attraverso un percorso espositivo che si articolerà nelle sedi del MAN e del Museo Civico Salvatore Fancello di Dorgali. \nLe due istituzioni\, in maniera sinergica e attraverso una importante collaborazione istituzionale\, predisporranno una serie di eventi collaterali volti alla valorizzazione delle opere dei tre ‘sardi dell’I.S.I.A.’ e del percorso formativo comune.\nIl progetto vanta\, come ulteriore obbiettivo\, quello di rafforzare il legame del MAN con le istituzioni locali\, in questo caso con Dorgali\, terra natia di Salvatore Fancello di cui il museo dorgalese conserva tra l’altro il celebre ‘Disegno interrotto’ del 1938\, donato dall’artista a Costantino Nivola in occasione del suo matrimonio.\nLa collezione permanente del MAN custodisce un prezioso nucleo delle opere più rappresentative dei tre artisti\, a partire dal comodato di Giovanni Pintori con 160 opere\, a cui segue il corpus delle opere di Salvatore Fancello\, tra cui le due sculture Figura femminile e Cinghiali. \nNel 1931 i tre artisti vinsero una borsa di studio della Camera di Commercio di Nuoro per la frequenza dei corsi presso l’I.S.I.A. (Istituto Superiore per le Industrie Artistiche)\, la famosa scuola creata a Monza su iniziativa dell’Umanitaria di Milano. L’istituto\, attivo dal 1922 al 1943\, già dai primi anni richiamò grandi personalità del mondo artistico a cui affidò gli insegnamenti di materie tecniche e creative. Per le sue aule passarono infatti architetti come Giuseppe Pagano e Edoardo Persoli\, gli scultori Marino Marini e Arturo Martini\, il pittore Pio Semeghini. Contestualmente la scuola si rivelò luogo di sperimentazione\, approfondimento\, crescita e innovazione. \nFancello\, Nivola e Pintori collaborano\, a partire dal 1936\, con l’Ufficio Tecnico di Pubblicità dell’Olivetti\, diretto da Renato Zveteremich\, un vero pioniere della grafica pubblicitaria. Pintori e Nivola\, a metà degli anni Trenta\, furono i progettisti di innovativi manifesti e di alcune pubblicazioni esemplari\, che segnarono il celebre “stile Olivetti”. Fancello\, pur frequentando gli uffici milanesi della società di Ivrea\, preferì dedicarsi alla ceramica.\nNivola e Pintori realizzano a quattro mani i manifesti per la prima Olivetti Studio Modello 42\, di cui la mostra documenta tutti i passaggi di produzione e promozione. I maestri sardi crearono insieme immagini poetiche ed efficaci\, fatte di simboli evocativi e di giochi visivi. Il loro talento contribuì a distinguere nel mondo la forte identità grafica dell’azienda italiana. Costantino Nivola\, ricordando il suo lavoro all’Ufficio Pubblicità in quegli anni\, scrisse “Adriano Olivetti esigeva che tutto l’aspetto visuale della Olivetti fosse fatto a livello artistico”.\nA corredo del percorso espositivo il progetto prevede inoltre l’approfondimento\, attraverso ricerche d’archivio\, di documenti e fotografie\, fra cui alcuni inediti emersi recentemente in collezioni private. La mostra è arricchita da un catalogo che documenta il sodalizio dei maestri sardi sulla scia dello spirito illuminato e avanguardista di una scuola che fece epoca. \n  \nFoto Allestimento: Alessandro Moni URL:https://www.museoman.it/event/fancello-nivola-pintori-tre-maestri-sardi-allisia-di-monza/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2023/11/invito-ISIA-web-esec-03.jpg END:VEVENT END:VCALENDAR