BEGIN:VCALENDAR VERSION:2.0 PRODID:-//MAN_Museo d'Arte della Provincia di Nuoro - ECPv6.16.3//NONSGML v1.0//EN CALSCALE:GREGORIAN METHOD:PUBLISH X-WR-CALNAME:MAN_Museo d'Arte della Provincia di Nuoro X-ORIGINAL-URL:https://www.museoman.it X-WR-CALDESC:Eventi per MAN_Museo d'Arte della Provincia di Nuoro REFRESH-INTERVAL;VALUE=DURATION:PT1H X-Robots-Tag:noindex X-PUBLISHED-TTL:PT1H BEGIN:VTIMEZONE TZID:Europe/Rome BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20170326T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20171029T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20180325T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20181028T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20190331T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20191027T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20200329T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20201025T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20210328T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20211031T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20220327T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20221030T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20230326T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20231029T010000 END:STANDARD BEGIN:DAYLIGHT TZOFFSETFROM:+0100 TZOFFSETTO:+0200 TZNAME:CEST DTSTART:20240331T010000 END:DAYLIGHT BEGIN:STANDARD TZOFFSETFROM:+0200 TZOFFSETTO:+0100 TZNAME:CET DTSTART:20241027T010000 END:STANDARD END:VTIMEZONE BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20231124T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20231124T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T143223Z LAST-MODIFIED:20250714T102732Z UID:3169-1700784000-1700784000@www.museoman.it SUMMARY:Cristian Chironi DESCRIPTION:  \nNell’ambito del programma annuale dedicato alla ricerca sui linguaggi del contemporaneo\, che ha visto il MAN di Nuoro presentare nei mesi scorsi artisti come Massimo Grimaldi\, Alice Guareschi\, Luca Spano oltre al piano speciale di residenze condiviso con la Fondazione Monte Verità di Ascona\, il museo annuncia una personale di Cristian Chironi (Nuoro 1974) a dieci anni esatti dal suo ultimo progetto per il MAN. Vincitore di Strategia Fotografia 2023\, bando del Ministero della Cultura che ha consentito l’acquisizione di nove opere della sua produzione giovanile\, Chironi svilupperà al MAN un percorso inedito intitolato Abitare è un linguaggio e dedicato all’“Arte dell’abitare”. \nInfatti\, da tempo la ricerca di Cristian Chironi si sviluppa attraverso progetti che prevedono che l’artista viva e lavori in case e residenze d’arte in varie parti del mondo. Il più noto è My house is a Le Corbusier\, in cui la vita di Chironi si intreccia alle architetture disegnate da Le Corbusier in 12 paesi. \nChironi è stato inoltre residente a Casa Wabi\, architettura progettata da Tadao Ando nelle vicinanze di Puerto Escondido a Oaxaca. Ha abitato la casa dell’architetto\, designer e urbanista Pierre Jeanneret a Chandigarh\, in India. Ha vissuto nella casa della scrittrice Victoria Ocampo a Buenos Aires\, disegnata dall’architetto Alejandro Bustillo e considerata la prima casa rappresentativa del movimento moderno in Argentina. Un progetto abitativo è anche quello ideato da Chironi per i grottini dei giardini pubblici di Cagliari\, luogo denso di storia che durante la Seconda Guerra Mondiale è stato rifugio antiaereo e persino ricovero per le opere d’arte. \nIn linea con questo percorso\, l’esplorazione di architetture d’autore\, storiche e importanti\, ha portato l’artista ad abitare anche una “Brownstone” del 1850\, architettura caratteristica situata a Brooklyn e oggi considerata tra gli esempi meglio conservati di design urbano del XIX secolo negli Stati Uniti. \nL’esperienza di Chironi in queste architetture è scandita da momenti di lavoro solitario e momenti di scambio con i visitatori\, in cui l’interpretazione dell’architettura è resa attraverso il racconto e la presa diretta della sua dimensione spazio temporale. In questi luoghi\, opere ed eventi sono realizzati sul momento\, con un profondo interesse per la commistione tra stili diversi e la sperimentazione di materiali inconsueti. Una ricerca coerente\, incentrata sul concetto di abitare esplorato secondo diverse prospettive. In questo modo\, le abitazioni diventano per l’artista un punto di osservazione privilegiato per comprendere il profondo significato dell’abitare\, per riflettere su questioni legate alla gentrificazione e ai cambiamenti urbani. Si stabilisce\, così\, un rapporto con il contesto\, sia umano che ambientale\, che porta l’artista a confrontarsi con culture e costumi sempre diversi. \nPer il MAN\, Chironi ha concepito il percorso espositivo Abitare è un linguaggio\, coordinato da Elisabetta Masala\, in cui ognuna delle otto sale del secondo piano del museo accoglie opere provenienti da diverse abitazioni precedentemente esplorate\, con lavori inediti realizzati per l’occasione. \nUna costola espositiva del progetto è inoltre visibile presso l’Autocarrozzeria Santino Angioi a Ottana\, paese poco distante da Nuoro\, dove Chironi da sempre personalizza la sua Fiat 127 Special\, seguendo gli accostamenti cromatici tipici delle case di Le Corbusier. Non a caso la storica automobile è stata ribattezzata “Camaleonte”\, proprio per la capacità di mutare il colore della carrozzeria a seconda dei luoghi in cui sosta. \nVenerdì 1° dicembre Camaleonte sarà al centro di in una nuova versione del progetto itinerante Drive\, che unisce l’artista e i partecipanti in un percorso di riflessione urbana e immaginazione sui temi del viaggio\, della mobilità\, delle trasformazioni sociali\, dell’abitazione e dell’attraversamento di confini. Insieme ai racconti di Chironi alla guida di Camaleonte\, si potranno ascoltare le composizioni sonore nate in collaborazione con diversi musicisti e sound-artist: Francesco Brasini\, Alessandro Bosetti\, Massimo Carozzi\, Daniela Cattivelli\, Coro di Radio France\, Paolo Fresu\, Stefano Pilia\, Francesco Serra\, Henrik Svedlund\, Dominique Vaccaro\, Sophie Vitelli\, e il contributo inedito del polistrumentista nuorese Gavino Murgia. \nLo slogan di Le Corbusier “una casa è una macchina per abitare” è reinterpretato così in Nuoro Drive\, dando vita ad un ambiente mobile che condensa segni di viaggio e transito\, in un remix di storie\, traiettorie e valori. \nLa parte editoriale del progetto vedrà la luce nel 2024\, con il contributo dell’artista statunitense Charles Ray\, con cui Chironi ha avviato una collaborazione per la realizzazione di un ponte per pecore e pastori da costruirsi in Sardegna. \n  \nColor keyboard – FIAT 127 Special (Camaleonte) \nAutocarrozzeria Santino Angioi \nzona P.i.p. Lotto 12\, 08020 Ottana (NU) \ndal lun. al ven. ore 09.00 > 18.00 \nT: +39.07841786478 \n  \n01.12.23 _ Nuoro Drive \nperformance itinerante in città. \nPartenza dal Museo MAN.  \nSono previsti cinque viaggi da 30 minuti \nOrari:15.30>16.00; 16.15>16.45; 17.00>17.30; 17.45>18.15; 18.30>19.00 \nColoro che desiderano partecipare ai viaggi di 30 minuti con l’artista possono inviare il proprio nome\, numero di telefono\, insieme alla fascia oraria specifica in cui desiderano partecipare\, all’e-mail info@museoman.it \n  \nRingraziamenti \nFondation Le Corbusier – Parigi \nFundación Casa – Città del Messico \nLacasapark Art Residency – New York \nLa Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes e BIENALSUR – Buenos Aires \nPierre Jeanneret Museum – Chandigarh \nIstituto di Cultura Italiano – Città del Messico \nCollezione Andrea Boghi – Brescia \nCollezione Anna e Francesco Tampieri – Nonantola \nOlnick Spanu Collection – New York \n  \nCristian Chironi è un artista multidisciplinare che vive tra Città del Messico e l’Italia. Usa diversi mezzi tra cui performance\, fotografia\, video\, architettura\, design\, creando spesso una sorta di interazione tra di loro. Tra le prossime mostre: Istituto Italiano di Cultura di Città del Messico; CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia\, Torino. Tra le prossime performance: Ivrea (Olivetti) Drive\, Ivrea. www.cristianchironi.it \n  URL:https://www.museoman.it/event/__trashed-25/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/grafico-vyyRBb.tmp_.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20231010 DTEND;VALUE=DATE:20231114 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20231130T103410Z LAST-MODIFIED:20240719T073014Z UID:393-1696903200-1699837199@www.museoman.it SUMMARY:Die Zauberberge - Le montagne incantate DESCRIPTION:6 ottobre – 12 novembre 2023\nInaugurazione venerdì 6 ottobre\, ore 18:30 \nTalk sabato 7 ottobre 2023\, ore 12\nIn occasione della Giornata del Contemporaneo\, AMACI – Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani \nNuoro e Monte Verità\, tutto è iniziato qui. In due isole ideali\, due terre di frontiera e\, insieme\, di appartenenza. Luoghi magnetici e ricchi di storia\, che lo scorso aprile hanno accolto i protagonisti della mostra collettiva Die Zauberberge_Le montagne incantate. Le residenze\, realizzate in collaborazione con la Fondazione Monte Verità di Ascona\, hanno coinvolto sei artisti\, tre sardi e tre svizzeri\, che durante il periodo di ricerca si sono confrontati su temi comuni. \nGli artisti di origine svizzera – Tonatiuh Ambrosetti\, Maya Hottarek\, Lisa Lurati – hanno svolto sul territorio sardo un’indagine sulla ricca identità locale. Parallelamente\, tre giovani artisti sardi – Giaime Meloni\, Elena Muresu\, Marco Useli – hanno abitato Monte Verità e gli spazi della celebre “collina dell’utopia”\, dove architettura\, arte e danza hanno sempre dialogato in modo virtuoso. Un paradiso anarchico che ha attratto pensatori\, pittori\, scrittori\, filosofi\, progettisti da ogni angolo d’Europa: dall’anarchico Kropotkin al coreografo ungherese Rudolf von Laban\, dal dadaista Hugo Ball all’architetto Walter Gropius\, dall’artista Hans Arp a Karl Gustav Jung\, fino al grande curatore Harald Szeemann. \nLe opere esposte in Die Zauberberge_Le montagne incantate rappresentano il risultato di queste ricerche\, uno sguardo contemporaneo su luoghi simbolo di componenti primigenie\, di spiritualismo e autarchia. Sono fotografie\, sculture\, grafiche\, installazioni\, lavori forgiati a partire da un’esperienza unica\, dal cammino e dall’isolamento\, dalla bellezza selvaggia e lussureggiante della natura\, dal respiro assoluto di boschi di arcaica memoria. \nArtisti in mostra \nTonatiuh Ambrosetti \nNato a Lugano nel 1980\, nel 2006 si diploma presso l’ECAL – École cantonale d’art de Lausanne\, dove nel 2012 ottiene una cattedra come professore. Nel 2006 fonda insieme a Daniela Droz lo studio fotografico Daniela et Tonatiuh. Nel suo lavoro sviluppa la relazione conflittuale tra uomo e natura\, portando avanti una ricerca su una fotografia non-oggettiva che va oltre i confini convenzionali dell’immagine includendo anche scultura\, incisione\, disegno e installazioni sonore e video. Le sue opere sono state esposte in festival\, gallerie e musei di rilevanza internazionale\, tra cui: la prima Edizione di Alt+1000 a Rossiniere (2008); il forum ETH Hönggerberg a Zurigo (2009); la Royal Danish Accademy of fine arts\, Copenhagen\, Danemark (2011); Bâtiment d’Art Contemporain\, Genève (2014); Le musée des Arts Décoratifs\, Paris\, Francia (2015); The PRINTSPACE\, Londres\, UK (2016); il Centre d’art Contemporain Yverdon-les-Bain (2016). \nMaya Hottarek \nNata nel 1990\, è un’artista che lavora con diversi materiali e in ambiti differenti\, dalla ceramica al cinema\, dal suono a oggetti di uso comune. Ha studiato arti visive all’Università delle Arti di Berna e all’Institut Kunst di Basilea. Uno dei suoi interessi principali è quello di articolare le complesse interazioni tra individuo\, società\, economia e natura. Tra le mostre principali\, si menzionano le esposizioni alla N/A/S/L di Città del Messico\, alla Liste Art Fair di Basilea e alla Kunsthaus di Appenzell. \nLisa Lurati \nNata a Lugano nel 1989\, si è formata presso la scuola di fotografia di Vevey e all’Institut Kunst di Basilea. Il suo lavoro oscilla tra una meditazione quasi decorativa e una celebrazione estetica che\, ad uno sguardo più attento\, svela un universo caleidoscopico di simboli e segni che non si spiega mai completamente ma che arriva\, tuttavia\, a sostenere una curiosa coerenza. Fra le mostre personali recenti si ricordano: In-between things\, Galleria Ann Mazzotti\, Basilea\, 2022; Raving Cosmo\, CACY\, Yverdon-les-Bains\, 2021; Nebulosa\, Galleria Forma\, Losanna\, 2020; Scherzo. Molto allegro\, quasi presto\, Photoforum Pasquart\, Biel\, 2018. \n  \nGiaime Meloni \nNato a Cagliari nel 1984\, è un fotografo con un dottorato di ricerca in architettura\, che attualmente vive fra due isole: Île-de-France e Sardegna. Il suo lavoro esplora in maniera empirica le modalità di riproduzione e invenzione dello spazio fisico. Le sue ricerche sono state presentate in pubblicazioni e conferenze internazionali (Canada\, Francia\, Italia\, Portogallo). Nel 2017 è stato nominato tra i finalisti per il Premio Graziadei con il suo progetto Das Unheimliche. Nel 2019 è stato selezionato da CAMERA – Centro Italiano per la fotografia – per prendere parte al programma FUTURES supportato dall’Unione Europea. Nello stesso anno è tra i finalisti del Premio Francesco Fabbri per la fotografia contemporanea. Dal 2022 è professore associato presso Ecole Nationale Supérieure d’Architecture de la Ville et du Territoire de Paris Est\, dove insegna le arti e le tecniche di rappresentazione dello spazio. \nElena Muresu \nFotografa\, artista visiva e performer\, nata ad Alghero nel 1990. Ha conseguito il Master in Management Culturale per la Valorizzazione del Territorio presso 24Ore Business School\, una laurea in Pittura all’Accademia di belle arti di Sassari e in Fotografia all’Accademia di belle arti di Brera. Sviluppa parallelamente due percorsi artistici e professionali: da una parte la fotografia e il video e dall’altra la cultura urbana\, che la spingono verso l’esplorazione di molteplici linguaggi per indagare la tematica del rapporto tra l’essere umano e il proprio territorio. Dal 2021 è fotografa e videomaker per Antonio Marras. Nel 2021 espone alla XVII Mostra Internazionale di Architettura di Venezia con il video documentario “Skatepark Italy” (finalista 2022 a Via dei Corti\, festival del Cinema Indipendente\, Catania). \nMarco Useli \nPittore e incisore\, nasce a Nuoro nel 1983. Laureato all’Accademia di belle arti di Firenze nel 2007\, dopo un biennio londinese frequenta il master in Progettazione contemporanea con la pietra del Politecnico di Milano. Dal 2012 fa parte della Milano Printmakers. Sviluppa ricerche nell’ambito della grafica d’arte tra Milano e la Sardegna\, dove nel 2017 apre uno studio artistico a Dorgali. Attualmente insegna Progettazione del Design presso il Liceo artistico Francesco Ciusa di Nuoro. \n  \nFoto allestimento: Alessandro Moni \n\n \n \n \n \n \n \n \n \n \n \n \n \n \n \n \n\n  URL:https://www.museoman.it/event/die-zauberberge-le-montagne-incantate/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2023/11/mostraMAN-2.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20231006 DTEND;VALUE=DATE:20231114 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20231130T103132Z LAST-MODIFIED:20231130T103132Z UID:389-1696557600-1699837199@www.museoman.it SUMMARY:Luca Spano - After the Last Image DESCRIPTION:a cura di Elisabetta Masala \nIl progetto è vincitore di Strategia Fotografia 2022\, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura  \nTra ciò che è visibilmente percettibile e ciò che i nostri sensi non riescono a cogliere esiste uno spazio liminale\, una trama di conflitti e potenzialità latenti. Una soglia sospesa\, che non è solo fisica ma anche mentale\, che stimola il passaggio verso nuovi livelli di conoscenza. \nIl progetto After the Last Image di Luca Spano esplora i limiti biologici e tecnologici del vedere\, indagando il rapporto tra visibile e invisibile e\, in particolare\, quella zona d’ombra compresa tra i due: l’ultimo punto conosciuto\, un’area di confine il cui mistero invita alla scoperta. \nI lavori fotografici e installativi che compongono After the Last Image\, progetto vincitore del bando Strategia Fotografia 2022\, esplorano i limiti della visione e i processi speculativi che conducono alla conoscenza del mondo. Le residenze di ricerca portate avanti durante il progetto\, parte fondamentale di ideazione\, hanno consentito di approfondire stimoli eterogenei provenienti da diverse discipline. Presso il Kunsthistorisches Institut in Florenz\, Spano ha esplorato quel filone accademico che ha come oggetto il visibile e le pratiche dello sguardo\, interrogandosi su cosa sia un’immagine e quale sia il suo ruolo nella società contemporanea. \nLe riflessioni sulle modalità con cui lo strumento visivo entra nello studio del reale ha poi portato l’artista ad associare la pratica fotografica alla geografia. Un periodo di residenza presso il Dipartimento Interateneo di Scienze\, Progetto e Politiche del Territorio (DIST) del Politecnico di Torino gli ha infatti permesso di approfondire la figura del geografo\, studioso che proprio a partire dalla vista crea quelle distorsioni dello spazio che comunemente chiamiamo “mappe”. \nDurante la residenza al Deutsches Optisches Museum di Jena\, in Germania\, Luca Spano si è soffermato su cosa significhi vedere in un processo che\, partendo dall’esperienza ottica\, arriva a considerare implicazioni culturali\, sociologiche e antropologiche. \nLa serie 12 hidden information riconsidera la centralità dell’occhio nel rapporto tra essere umano e realtà\, riprendendo una selezione di illustrazioni su problematiche della vista tratte dal manuale di oftalmologia di Theodor Axenfeld (1912)\, consultato dall’artista proprio nel Deutsches Optisches Museum. In un simile processo di decontestualizzazione\, le malattie dell’occhio vengono trattate come illustrazioni pure che\, una volta astratte\, si risolvono in forme mutevoli e affascinanti. Le pupille e le iridi diventano\, così\, pianeti di una costellazione della conoscenza. \nLe molteplici sfumature che compongono After the Last Image ci spingono ad ampliare le nostre prospettive stimolando nuove domande e nuove visioni. L’artista ci incoraggia a riflettere con maggiore consapevolezza sulla complessità dei fenomeni percettivi e sulle ambiguità che plasmano il nostro mondo. Crea un ponte tra il noto e l’ignoto e ci accompagna in un percorso di attraversamento del confine. Quell’intervallo liminale ricco di possibilità\, dove spostare i nostri limiti sempre un po’ più in là. \nBiografia \nLuca Spano (1982\, IT) è un artista multidisciplinare. Si è formato tra Europa e Stati Uniti\, con una laurea in Scienze della Comunicazione alla Sapienza di Roma\, un MA in fotografia alla London College of Communication a Londra e un MFA in arti visuali alla Cornell University a Ithaca (US). Il suo lavoro è stato esposto internazionalmente in musei\, gallerie e festival come: Triennale di Milano\, MACRO (Museo di Arte Contemporanea di Roma)\, BredaPhoto Festival (NL)\, Malta Festival (PL)\, Saavy Contemporary a Berlino (DE)\, Luis Adelantado Gallery (ES)\, Paolo Erbetta Gallery (IT)\, Caelum Gallery a New York\, Istituto di Cultura Italiana di Parigi\, Istituto di Cultura Italiana di Amburgo e l’Istituto Superiore Regionale Etnografico. \nLuca è stato artista in residenza alla Fundacion Botin (ES)\, a NoArte Paese Museo (IT)\, Künstlerischen Tatsache (DE)\, Kultur einer Digitalstadt (DE) e visiting artist a Arts Letters and Numbers Residency (US) ed altri. Il suo lavoro ha ricevuto premi e grants come la MEAD Fellowship (UK)\, CCA Grant e Einaudi research grant (US)\, The John Hartell Award (US)\, Graziadei Prize (IT)\, il Premio del Paesaggio Regione Sardegna (IT)\, New Work Prospect Art Grant (US)\, Strategia Fotografia 2022 MiBACT (IT). \nÈ stato uno dei direttori della agenzia fotografica OnOff Picture con sede a Roma\, co-direttore dell’organizzazione NYC Creative Salon a New York\, e ideatore di OCCHIO\, un laboratorio di ricerca e didattica sull’immagine con sede a Cagliari. \nIl suo lavoro è incluso in collezioni pubbliche e private come il Museo MAXXI di Roma\, la collezione di libri d’artista della Cornell University\, la collezione Graziadei e l’Istituto Superiore Regionale Etnografico Sardo. \nProgetto realizzato in collaborazione con\nDeutsches Optisches Museum\, Jena (DE)\nDipartimento Interateneo di Scienze\, Progetto e Politiche del Territorio (DIST) del Politecnico di Torino\, Torino (IT)\nKunsthistorisches Institut in Florenz\, Firenze (IT) \nCatalogo bilingue Mousse Publishing\nTesti critici di: Elisabetta Masala\, Giangavino Pazzola\, Anna Caterina Dalmasso\, Massimo Canevacci\, Luca Spano e Giovanna Corraine\, Franziska Perske e Maria Dienerowitz\, Ute Dercks\, Marco Santangelo \nUfficio Stampa\nSTUDIO ESSECI – Sergio Campagnolo\nVia San Mattia 16\, 35121 Padova\nTel. +39.049.663499\nreferente Simone Raddi\, simone@studioesseci.net\nwww.studioesseci.net URL:https://www.museoman.it/event/luca-spano-after-the-last-image/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2023/11/luca-spano.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20230714 DTEND;VALUE=DATE:20231114 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20231130T103254Z LAST-MODIFIED:20231130T103305Z UID:391-1689300000-1699837199@www.museoman.it SUMMARY:Matisse - Metamorfosi DESCRIPTION:a cura di Chiara Gatti da un progetto di Sandra Gianfreda\, curatrice al Kunsthaus Zürich con Claudine Grammont\, Cheffe du cabinet d’art graphique\, Centre Pompidou \nHenri Matisse è uno dei più grandi artisti  del Novecento\, ma di lui\, paradossalmente\, è ancora trascurata una parte importante di produzione. La figura di Matisse scultore non è\, infatti\, conosciuta nelle pieghe più sottili della sua ricerca. Sebbene la pittura sia sempre rimasta la sua modalità espressiva principale\, il “suo” linguaggio e la forma di indagine del visibile cui si dedicò per tutta la vita\, Matisse condusse in contemporanea una riflessione sulla scultura (e altresì sull’incisione) che fa di lui uno degli artisti più completi del secolo scorso. La sua versatilità ha esplorato varie tecniche simultaneamente\, con curiosità e acuta sperimentazione. Sullo sfondo di questa intelligenza poliedrica\, l’opera scultorea di Matisse rivela una vita parallela rispetto a quella del colorista\, una doppia anima votata alla materia\, al volume\, allo spazio\, che merita di essere posta in relazione – in quanto a processi e traguardi – con quella di altri grandi scultori del XX secolo\, eredi della lezione di Auguste Rodin e divenuti geni dell’avanguardia. Da Brancusi a Giacometti\, da Boccioni a Wotruba. \nPer la prima volta in Italia\, il Museo MAN dedica oggi una mostra alla scultura di Henri Matisse. Il progetto espositivo\, a cura di Chiara Gatti\, rilegge e adatta agli spazi del museo sardo\, il concept inedito e complesso della mostra Matisse Métamorphoses organizzata nel 2019 dalla Kunsthaus di Zurigo e dal Museo Matisse di Nizza. \nUn progetto destinato a ripensare Matisse\, a riconsiderare il ruolo della sua opera nel panorama dell’arte della prima metà del XX secolo\, alla luce di una più ampia ricerca estetica che vede proprio nella scultura il veicolo per nuove e rivoluzionarie soluzioni formali. In questo affondo necessario\, emerge come sia stata in particolare la figura umana il tema principe della sua tensione verso la sintesi. Dall’indagine sul corpo\, la postura\, il gesto o la fisionomia\, Matisse ha sviluppato un percorso di riduzione geometrica dell’immagine che lo ha portato verso un’astrazione ai limiti del radicale. \nCome l’artista stesso affermò nel 1908 nelle sue Notes d’un peintre: «ciò che mi interessa di più non è né la natura morta né il paesaggio\, è la figura». La figura\, non per il suo pathos\, il suo lirismo\, gli stati d’animo o la flessione esistenziale\, ma per il suo senso di presenza nello spazio e la sua ideale evoluzione nel tempo. Matisse ha interrogato infatti il corpo nella sua relazione con l’ambiente prossimo e con il mutare delle circostanze in un lasso di tempo dilatato. Ecco allora l’evoluzione di un dato naturalistico in una sintesi finale che sublima la contingenza in una dimensione di perfezione assoluta. Lo spazio condiziona\, a sua volta\, un sistema di relazioni sottili fra sostanza fisica e vuoto abitato\, fra i gesti e le linee dinamiche che essi disegnano nell’aria. \nLa mostra prende avvio\, dunque\, da una analisi del metodo di creazione dell’artista e dal suo lavoro di trasformazione della figura in variazioni seriali. Il percorso allinea sequenze di bronzi\, datate dai primi anni Dieci agli anni Trenta\, e soggetti presentati nei loro diversi stati successivi e accostati alle fonti di ispirazione dell’artista\, tra cui fotografie di nudi e modelle in posa\, oltre a una selezione essenziale di pochi dipinti in cui i motivi stessi svelano la doppia anima della sua ricerca parallela\, pittorica e scultorea\, in particolare nell’affrontare i temi dominanti del nudo\, della danza\, dell’odalisca. Attraverso circa 30 sculture e una ventina fra disegni\, incisioni\, oltre a fotografie d’epoca e pellicole originali\, la scultura di Matisse verrà posta in relazione con i soggetti di una vita\, le sue magnifiche ossessioni legate alle forme femminili\, alla ricerca fisiognomica sulle modelle\, alle attitudini e alla plasticità dei volumi. \nSullo sfondo di questa ricerca composita\, ecco allora molte figure uniche\, come Le tiaré\, di cui non esistono stadi differenti\, mentre altre si ripetono a intervalli diversi\, variando e trasformandosi\, come il celebre ciclo di Jeannette (I-V). Da qui l’artista sviluppa infatti un approccio concettuale che può essere descritto come una sorta di metodo di progressione formale. Come in una “metamorfosi”\, che ben spiega il titolo della mostra\, le sue figure evolvono da una trascrizione naturale a una sintesi radicale del dato visivo. \nAnche nella sua pittura – come è stato ampiamente studiato dalla critica in passato – è possibile rilevare tale processo di metamorfosi\, senza però giungere mai a considerare veri e propri cicli di opere come “serie”\, ma piuttosto come frutto di un lungo iter di elaborazione che trova nella scultura e nella grafica\, accostate alla pittura stessa\, strumenti di indagine connessi gli uni con gli altri\, nell’idea di un confine liquido fra tecniche. Ne è un esempio l‘Odalisca del Museo Novecento di Milano\, che trova corrispettivi e relazioni sottili e chirurgiche con disegni e bronzi coevi e di cui la mostra allineerà l’intera sequenza. \nLa mostra è realizzata in collaborazione con Manifesto Expo. \nclicca qui per ascoltare l’audioguida\nDettagli tecnici\nIn collaborazione con Kunsthaus Zürich\, Musée Matisse de Nice\nCatalogo bilingue ita/en: Sole24ore Cultura\nCoordinamento mostra a cura di Rita Moro\, Myrtille Montaud e Manifesto Expo\nTesti di Sandra Gianfreda\, Bärbel Küster\nCon la partecipazione del Museo Archeologico di Nuoro\nMedia Partnership : Radio Monte Carlo – www.radiomontecarlo.net \nUfficio Stampa\nSTUDIO ESSECI – Sergio Campagnolo Via San Mattia 16\, 35121 Padova Tel. +39.049.663499\nreferente Simone Raddi\, simone@studioesseci.net www.studioesseci.net URL:https://www.museoman.it/event/matisse-metamorfosi/ CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2023/11/Matisse17_Foto-Alessandro-Moni.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20230714 DTEND;VALUE=DATE:20230919 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20231130T104133Z LAST-MODIFIED:20231130T112931Z UID:396-1689300000-1695002399@www.museoman.it SUMMARY:Alice Guareschi - Je m’appelle Olympia DESCRIPTION:a cura di Chiara Gatti\ncoordinamento di Elisabetta Masala \nProgetto vincitore del PAC2021 – Piano per l’Arte Contemporanea promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura\nIl Museo MAN di Nuoro presenta per l’estate\, negli spazi della sua project room\, Je m’appelle Olympia\, progetto vincitore del PAC2021. \n Je m’appelle Olympia nasce da una “azione per luci di sala” eseguita da Alice Guareschi\, una volta sola\, per un pubblico scelto di invitati\, il 12 aprile 2012 all’Olympia Music Hall\, iconico e leggendario teatro parigino. Le 16 fotografie che compongono questa serie sono state scattate lo stesso giorno dell’azione\, subito dopo l’attivazione dal vivo della coreografia luminosa nello spazio vuoto del teatro\, che ha coinvolto tutte le tredici piste di luci colorate\, integrate in modo permanente nell’architettura. Con inquadratura fissa\, simile ma non identica\, seguendo la precisa partitura originale composta dall’artista\, le immagini restituiscono una sequenza di diversi movimenti di luce all’interno della sala. La serie fotografica diventa così una nuova sintesi dell’immagine-idea e dell’intenzione all’origine della performance: attivare un teatro senza alcuno spettacolo\, suonarlo dal vivo\, risvegliarne la memoria latente\, la vita segreta sottratta allo sguardo dello spettatore. Scomponendo la durata dell’azione in fotogrammi\, che possono essere visti sia singolarmente sia nel loro insieme\, la declinazione spaziale dell’opera permette ora di abbracciarne l’idea in un unico sguardo. \nL’allestimento site-specific\, studiato dall’artista per il MAN\, vede esposte tutte le fotografie della serie\, accanto allo spartito musicale punteggiato\, sui righi\, dai tempi dell’azione\, dove presenze o pause delle luci si sostituiscono alle note musicali in una complessa polifonia. Allo spazio –  concepito come un piccolo teatro – si approda varcando il tendaggio dell’ingresso\, evocazione dell’accesso a una platea\, ma anche confine\, limite che separa il luogo della vita dalla sua rappresentazione. Immerso nel silenzio\, lo spazio ideale del teatro\, sottratto a voci o suoni\, mette in scena se stesso; la luce lo abita\, svelandone l’indole e la fisionomia. \n«Il punto di partenza è un’immagine: quella di una coreografia luminosa che si attiva all’improvviso nello spazio vuoto della sala\, in un momento della giornata in cui non è previsto nessuno spettacolo e il teatro riposa disabitato e silenzioso. Come un’esplosione di energia accumulata nel corso degli anni\, come la rivelazione inaspettata di una vita segreta che riguarda soltanto l’edificio. Qualche mese fa\, quando mi sono ritrovata per la prima volta all’Olympia per un concerto\, sono rimasta profondamente colpita dalla meraviglia silenziosa delle luci in relazione alla monumentalità in qualche modo romantica\, segnata dal tempo e le sue storie\, del teatro. A un punto tale che la musica è diventata un elemento quasi superfluo per me. Senza averlo previsto\, ero diventata spettatrice di un altro spettacolo. A fine serata sono uscita dalla sala per ultima\, per poter approfittare fino in fondo dell’atmosfera così potente dello spazio rimasto vuoto dopo il concerto: la percezione della scala piccolissima del mio corpo in relazione alla maestosità spettacolare del teatro\, ancora più eclatante quando sulla scena non sta accadendo nulla\, ha prodotto anch’essa su di me un effetto davvero sorprendente. Nella sospensione narrativa di questo spazio-tempo presente\, il legame tra passato e futuro sembrava di colpo mostrarsi con la sua straordinaria carica di memoria e di possibile. “Questo è lo spazio che abitano le storie”\, ho pensato. Rimasta di nuovo sola con se stessa\, la sala sembrava vibrare segretamente». Alice Guareschi\, Parigi\, 12 aprile 2012 \nOpen call\nWorkshop per adulti – rivolto a studenti d’arte\, artisti\, ricercatori\, performer\, musicisti\nMi chiamo Olympia\nGiovedì 14 – sabato 16 settembre 2023 \nNel quadro del progetto Mi chiamo Olympia\, il workshop per adulti condotto da Alice Guareschi\, in collaborazione con il dipartimento educativo del MAN\, mira al coinvolgimento diretto dei partecipanti\, stimolando lo sviluppo del pensiero critico\, il confronto e la crescita delle capacità creative. Partendo da alcuni spunti di riflessione che l’opera solleva — quali\, ad esempio\, l’idea di “attivazione di uno spazio”\, di “memoria latente di un luogo” e di “vita segreta di un edificio in assenza di spettacolo” — il lavoro si articolerà in momenti e spazi diversi\, partendo dal MAN per arrivare a esplorare e coinvolgere anche altri punti importanti del tessuto sociale e culturale di Nuoro\, tra cui il teatro civico. L’obiettivo è di creare un legame diretto tra l’opera\, l’artista\, il museo e la città\, dove i partecipanti saranno figure attive\, che attraverso il proprio coinvolgimento\, teorico e pratico\, e la propria esperienza personale\, si faranno agenti portatori di uno sguardo nuovo. \nNota biografica \nAlice Guareschi (1976) è artista visiva e filmmaker\, vive e lavora a Milano. Laureata in filosofia con una tesi sul cinema sperimentale\, articola la sua ricerca tra video\, scrittura e la creazione di oggetti. È stata artista in residenza a Parigi al Pavillon du Palais de Tokyo e alla Cité Internationale des Arts\, a Triangle\, New York\, e a Kaus Australis\, Rotterdam. Nel 2008 ha vinto la Borsa per la Giovane Arte Italiana degli Amici del Castello di Rivoli Museo di Arte Contemporanea\, e nel 2022 ha vinto il bando di produzione PAC2021 promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura. Dal 2018 insegna Scrittura del progetto e Ricerca creativa allo IED di Milano\, e dal 2022 Visual Arts and Curatorial Studies I alla NABA. Ha partecipato a mostre collettive e festival in Italia e all’estero\, esponendo in istituzioni pubbliche e private tra cui: Fondazione Re Rebaudengo\, Torino; Palais de Tokyo\, Parigi; Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea\, Torino; PAC\, Milano; MAMbo\, Bologna; GAMeC\, Bergamo; Mart\, Rovereto; Palazzo delle Esposizioni\, Roma; Dunkers Kulturhus\, Helsingborg; Fondation d’Entreprise Ricard\, Parigi; Accademia di Spagna e Accademia Tedesca a Villa Massimo\, Roma; Villa Arson\, Nizza. Principali mostre personali: Galleria Alessandro De March\, Milano; Galleria Sonia Rosso\, Torino; Centre Culturel Français\, Milano; Castello di Rivoli\, Torino; Istituto Italiano di Cultura\, Parigi; Microscope Gallery\, Brooklyn; Galerie DREI\, Colonia; Joey Ramone Gallery\, Rotterdam. Film festivals e screenings: Filmmaker Doc Festival\, Milano; Impakt Festival\, Utrecht; Italian Cinema London Festival; Mostra del Nuovo Cinema di Pesaro; Milano Design Film Festival; La Fondazione\, Roma; Triennale di Milano; Macro\, Roma. \nUfficio Stampa\nSTUDIO ESSECI\nVia San Mattia 16\, Padova\nTel. +39.049.663499\nreferente Simone Raddi\nsimone@studioesseci.net\nwww.studioesseci.net URL:https://www.museoman.it/event/alice-guareschi-je-mappelle-olympia/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2023/11/Alice-Guareschi_Allestimento-Je-m-appelle-Olympia_Ph-Alessandro-Moni-41-scaled.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20230714T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20231112T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T143220Z LAST-MODIFIED:20250714T102733Z UID:3173-1689292800-1699747200@www.museoman.it SUMMARY:Matisse DESCRIPTION:  \na cura di Chiara Gatti da un progetto di Sandra Gianfreda\, curatrice al Kunsthaus Zürich con Claudine Grammont\, Cheffe du cabinet d’art graphique\, Centre Pompidou \n  \nHenri Matisse è uno dei più grandi artisti  del Novecento\, ma di lui\, paradossalmente\, è ancora trascurata una parte importante di produzione. La figura di Matisse scultore non è\, infatti\, conosciuta nelle pieghe più sottili della sua ricerca. Sebbene la pittura sia sempre rimasta la sua modalità espressiva principale\, il “suo” linguaggio e la forma di indagine del visibile cui si dedicò per tutta la vita\, Matisse condusse in contemporanea una riflessione sulla scultura (e altresì sull’incisione) che fa di lui uno degli artisti più completi del secolo scorso. La sua versatilità ha esplorato varie tecniche simultaneamente\, con curiosità e acuta sperimentazione. Sullo sfondo di questa intelligenza poliedrica\, l’opera scultorea di Matisse rivela una vita parallela rispetto a quella del colorista\, una doppia anima votata alla materia\, al volume\, allo spazio\, che merita di essere posta in relazione – in quanto a processi e traguardi – con quella di altri grandi scultori del XX secolo\, eredi della lezione di Auguste Rodin e divenuti geni dell’avanguardia. Da Brancusi a Giacometti\, da Boccioni a Wotruba. \nPer la prima volta in Italia\, il Museo MAN dedica oggi una mostra alla scultura di Henri Matisse. Il progetto espositivo\, a cura di Chiara Gatti\, rilegge e adatta agli spazi del museo sardo\, il concept inedito e complesso della mostra Matisse Métamorphoses organizzata nel 2019 dalla Kunsthaus di Zurigo e dal Museo Matisse di Nizza. \nUn progetto destinato a ripensare Matisse\, a riconsiderare il ruolo della sua opera nel panorama dell’arte della prima metà del XX secolo\, alla luce di una più ampia ricerca estetica che vede proprio nella scultura il veicolo per nuove e rivoluzionarie soluzioni formali. In questo affondo necessario\, emerge come sia stata in particolare la figura umana il tema principe della sua tensione verso la sintesi. Dall’indagine sul corpo\, la postura\, il gesto o la fisionomia\, Matisse ha sviluppato un percorso di riduzione geometrica dell’immagine che lo ha portato verso un’astrazione ai limiti del radicale. \nCome l’artista stesso affermò nel 1908 nelle sue Notes d’un peintre: «ciò che mi interessa di più non è né la natura morta né il paesaggio\, è la figura». La figura\, non per il suo pathos\, il suo lirismo\, gli stati d’animo o la flessione esistenziale\, ma per il suo senso di presenza nello spazio e la sua ideale evoluzione nel tempo. Matisse ha interrogato infatti il corpo nella sua relazione con l’ambiente prossimo e con il mutare delle circostanze in un lasso di tempo dilatato. Ecco allora l’evoluzione di un dato naturalistico in una sintesi finale che sublima la contingenza in una dimensione di perfezione assoluta. Lo spazio condiziona\, a sua volta\, un sistema di relazioni sottili fra sostanza fisica e vuoto abitato\, fra i gesti e le linee dinamiche che essi disegnano nell’aria. \nLa mostra prende avvio\, dunque\, da una analisi del metodo di creazione dell’artista e dal suo lavoro di trasformazione della figura in variazioni seriali. Il percorso allinea sequenze di bronzi\, datate dai primi anni Dieci agli anni Trenta\, e soggetti presentati nei loro diversi stati successivi e accostati alle fonti di ispirazione dell’artista\, tra cui fotografie di nudi e modelle in posa\, oltre a una selezione essenziale di pochi dipinti in cui i motivi stessi svelano la doppia anima della sua ricerca parallela\, pittorica e scultorea\, in particolare nell’affrontare i temi dominanti del nudo\, della danza\, dell’odalisca. Attraverso circa 30 sculture e una ventina fra disegni\, incisioni\, oltre a fotografie d’epoca e pellicole originali\, la scultura di Matisse verrà posta in relazione con i soggetti di una vita\, le sue magnifiche ossessioni legate alle forme femminili\, alla ricerca fisiognomica sulle modelle\, alle attitudini e alla plasticità dei volumi. \nSullo sfondo di questa ricerca composita\, ecco allora molte figure uniche\, come Le tiaré\, di cui non esistono stadi differenti\, mentre altre si ripetono a intervalli diversi\, variando e trasformandosi\, come il celebre ciclo di Jeannette (I-V). Da qui l’artista sviluppa infatti un approccio concettuale che può essere descritto come una sorta di metodo di progressione formale. Come in una “metamorfosi”\, che ben spiega il titolo della mostra\, le sue figure evolvono da una trascrizione naturale a una sintesi radicale del dato visivo. \nAnche nella sua pittura – come è stato ampiamente studiato dalla critica in passato – è possibile rilevare tale processo di metamorfosi\, senza però giungere mai a considerare veri e propri cicli di opere come “serie”\, ma piuttosto come frutto di un lungo iter di elaborazione che trova nella scultura e nella grafica\, accostate alla pittura stessa\, strumenti di indagine connessi gli uni con gli altri\, nell’idea di un confine liquido fra tecniche. Ne è un esempio l‘Odalisca del Museo Novecento di Milano\, che trova corrispettivi e relazioni sottili e chirurgiche con disegni e bronzi coevi e di cui la mostra allineerà l’intera sequenza. \nLa mostra è realizzata in collaborazione con Manifesto Expo. \nclicca qui per ascoltare l’audioguida\n  \nDettagli tecnici \nIn collaborazione con Kunsthaus Zürich\, Musée Matisse de Nice \nCatalogo bilingue ita/en: Sole24ore Cultura \nCoordinamento mostra a cura di Rita Moro\, Myrtille Montaud e Manifesto Expo \nTesti di Sandra Gianfreda\, Bärbel Küster \nCon la partecipazione del Museo Archeologico di Nuoro \nMedia Partnership : Radio Monte Carlo – www.radiomontecarlo.net \n  \nUfficio Stampa \nSTUDIO ESSECI – Sergio Campagnolo Via San Mattia 16\, 35121 Padova Tel. +39.049.663499 \nreferente Simone Raddi\, simone@studioesseci.net www.studioesseci.net \n  URL:https://www.museoman.it/event/__trashed-23/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/Matisse17_Foto-Alessandro-Moni-RA4sV8.tmp_-scaled.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;VALUE=DATE:20230714 DTEND;VALUE=DATE:20230918 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20250422T094327Z LAST-MODIFIED:20250422T094327Z UID:8896-1689292800-1694995199@www.museoman.it SUMMARY:Maria Lai e Jorge Eielson . 100mila stelle DESCRIPTION:a cura di Elisabetta Masala \nda un’idea di Marina Affanni e Chiara Gatti \nin collaborazione con \nArchivio Maria Lai\, Centro Studi Jorge Eielson Firenze\, Archivio Eielson Saronno \n  \nIl Museo MAN di Nuoro presenta la prima mostra istituzionale dedicata al profondo dialogo intellettuale e affettivo che legò Maria Lai (1919-2013) all’artista peruviano Jorge Eielson (1924-2006). \nSullo sfondo di una Sardegna rurale\, immersi nei luoghi remoti dell’Ogliastra\, due autori straordinari del Novecento intrecciano la loro storia privata con quella espressiva; condividono riflessioni sul mondo e sull’estetica\, siglano opere a quattro mani\, si dedicano vicendevolmente parole e immagini. Le poesie di Jorge suggeriscono a Maria nuove fiabe per i suoi fili. La Sardegna di Maria\, il suo passato arcaico\, le sue fate\, il Mediterraneo\, nutrono i versi di Jorge e quei nodi di stoffa retaggio di una cultura sudamericana che egli porta con sé sull’isola e cuce alle iconografie primigenie della sua terra d’adozione. \nEielson aveva abbandonato il Perù nel 1948 e aveva vissuto a Parigi e in Svizzera\, prima di stabilirsi in Italia nel 1951. A Bari Sardo\, la sua vita si sposa a quella di un altro autore locale\, Michele Mulas\, a sua volta artista e testimone di una amicizia creativa che si dipana fra gli anni Ottanta e Novanta\, tracciando un sentiero di pensieri condivisi su temi lirici e ricorrenti\, come la natura e il cosmo\, la parola e l’amore. \nScrive Elena Pontiggia: «i punti di contatto nel loro lavoro\, del resto\, non mancavano. Lai e Eielson dialogavano entrambi con quella direzione di ricerca dell’arte contemporanea che utilizza come materiale la tela del quadro\, anzi ne erano fra i protagonisti. È una direzione di ricerca che in Italia va dai Sacchi di Burri alle “bende “di Scarpitta\, dalle tele imbevute di caolino di Piero Manzoni a quelle sagomate di Castellani e Bonalumi\, fino ai Volumi di Dadamaino e ai lavori di Simeti\, Mario Surbone e altri ancora. Le sue origini risalgono dunque all’informale soprattutto degli anni Cinquanta e trovano una nuova declinazione alla fine del decennio col gruppo Azimut. Le due stagioni hanno però ideali antitetici: in Burri e in Scarpitta la tela è essenzialmente materia; in Manzoni e compagni è\, per così dire\, antimateria\, è un aspetto di quell’aspirazione al silenzio che percorre il loro lavoro e vuole superare la fisicità e il grido dell’informale. Anche Eielson si serve della tela\, ma con altri intenti ancora. Nelle sue opere ha un valore fondamentale il nodo\, o quipo\, l’antico segno degli Incas\, che simboleggia un centro di energia cosmica e insieme il nucleo primo\, quasi molecolare\, di ogni essere. Già negli Assemblages Eielson aveva usato i tessuti\, che gli suggerivano una riflessione esistenziale. “Mi venne spontaneo inserire [nell’opera] degli indumenti che […] possedevano una precisa realtà esistenziale. E ci sono serie intere di camicie\, blue-jeans\, giacche e pantaloni\, vestiti da donna\, abiti da sera\, scarpe\, calze\, cravatte\, accessori d’ogni genere. […] Trattai questi indumenti in tutte le maniere possibili: strappati\, bruciati\, tagliati\, attorcigliati e finalmente annodati” ha raccontato l’artista». \nIl progetto della mostra\, firmato da Elisabetta Masala\, curatrice del MAN\, contempla una ottantina di opere di Maria Lai e di Jorge Eielson\, alcune delle quali inedite e presentate al pubblico per la prima volta\, rinvenute in collezioni private ad oggi non ancora valorizzate\, oltre che dagli archivi storici di entrambi gli autori. Il percorso si snoda attraverso una narrazione a due voci che vede dipinti\, tele\, sculture e sperimentazioni tecniche di Lai e Eielson dipanarsi per sezioni\, il paesaggio\, la poesia\, le stelle\, le geografie\, nell’idea di restituite l’armonia di un sentire comune e piccoli “nodi” che collegano in sottotraccia le ragioni antropologiche del lavoro di entrambi\, fra il passato dell’isola a quello dei nativi peruviani. \nProiezione in mostra del film di Patricia Pereyra\, Eielson Des-Nudo \nCatalogo bilingue Nomos Edizioni \nTesti critici di Martha Canfield e Marco Benacci\, Elisabetta Masala\, Elena Pontiggia e Carlos Castro Sajami\, Luis Rebaza-Soraluz\, Mariana Rodríguez Barreno \n  URL:https://www.museoman.it/event/maria-lai-e-jorge-eielson-100mila-stelle/ CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2025/04/100mila-stelle_invito_ok_web.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20230303T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20230625T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140605Z LAST-MODIFIED:20240417T140605Z UID:3585-1677801600-1687651200@www.museoman.it SUMMARY:Studio Pratha DESCRIPTION:Studio Pratha è una fucina creativa sperimentale nata nel 2017 da un’intuizione di Graziella Carta\, fondatrice e direttrice creativa del gruppo. Accogliendo ispirazioni di designer visionarie e artiste eclettiche\, Studio Pratha reinterpreta in chiave contemporanea una raffinata tecnica di tessitura dalla storia millenaria\, ormai praticata solo nel borgo di Sarule. \nLa fase esecutiva degli arazzi resta saldamente ancorata al cuore della Barbagia\, dove le maestre tessitrici creano le opere Pratha utilizzando esclusivamente lana di pecora sarda e lavorando sul tradizionale telaio verticale\, totalmente manuale: fedeli a un disciplinare esecutivo estremamente complesso e prezioso\, realizzano solo pochi centimetri di manufatto al giorno\, lavorando a due o quattro mani. \nLa fase creativa varca invece i confini isolani e nazionali\, aprendosi a nuove collaborazioni che portano gli arazzi Studio Pratha in musei e gallerie internazionali. Pur spaziando tra vari stili e ispirazioni\, le opere Pratha si muovono prevalentemente nella dimensione dell’astrattismo con impronta concettuale\, ma non mancano le sperimentazioni in ambito figurativo\, tra cui il recente tributo a Guernica Tessere la Pace\, nato dalla collaborazione con il Museo MAN di Nuoro. \nOggi sui telai Studio Pratha si intrecciano design e alta artigianalità\, in una continua sperimentazione che si inserisce a pieno titolo nel panorama artistico contemporaneo. URL:https://www.museoman.it/event/studio-pratha/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/Allestimento-Studio-Pratha-5-aQs6r5.tmp_-scaled.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20230303T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20230625T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140603Z LAST-MODIFIED:20240417T140603Z UID:3584-1677801600-1687651200@www.museoman.it SUMMARY:Odessa Steps DESCRIPTION: a cura di Giovanni Francesco Tuzzolino e Federico Crimi \ncon il contributo di Paolo De Marco \n  \nin collaborazione con \nPolo Territoriale Universitario di Agrigento_Università degli Studi di Palermo\, \nNational University Lviv Polytechnic\, \nArchivio dello Stato della Regione di Odessa. \n  \nIl Museo MAN di Nuoro ospita\, dal prossimo 3 marzo\, una mostra inedita e importante dedicata alla storia e al mito della scalinata di Odessa\, rinominata dalla cultura popolare la “Scalinata Potëmkin” in seguito alla fortuna del celeberrimo film di Sergej Michajlovič Ėjzenštejn\, La corazzata Potëmkin del 1925. \nIl progetto originario della scala\, monumentale cerniera di congiunzione fra il mare e la città\, fu siglato\, negli anni trenta dell’Ottocento\, dall’architetto Francesco Carlo Boffo (1796-1867) la cui biografia è rimasta per decenni avvolta nel mistero\, in bilico fra una tradizione orale che lo legava alla Sardegna e nuovi tasselli documentari che la mostra oggi rivela lungo il percorso\, grazie a recenti scoperte d’archivio. \nDopo la mostra dedicata a Picasso e alla genesi di Guernica\, il Museo MAN torna a riflettere su un episodio storico che ha tuttavia una valenza di attualità\, nel contesto del tragico conflitto in Ucraina\, a un anno esatto dal suo inizio. Il gemellaggio con istituzioni ucraine assume\, in quest’ottica\, un valore di sostegno e vicinanza culturale e civile. \nQuella di Francesco Carlo Boffo è una figura di grande interesse\, sia per la sperimentazione architettonica di temi legati allo spazio urbano\, sia per il suo ruolo di interprete della cultura architettonica italiana\, già vivissima fra Russia e Ucraina sin dalla ricostruzione del Cremlino di Mosca nel Rinascimento\, e che ha conferito alla multiculturale Odessa\, crogiolo di varie culture e città cosmopolita oltre che porto franco\, quell’inconfondibile volto classico tradito altresì dalla scelta di un nome greco per la città. \nBoffo si presenta\, dunque\, come l’autore principale di molti spazi pubblici\, di architetture rappresentative e della stessa scalinata simbolo del luogo\, che congiunge la spianata del porto alla Piazza de Richelieu\, lungo un asse ideale che la mostra restituirà attraverso l’esposizione di disegni forniti eccezionalmente dall’Archivio di Odessa\, planimetrie originali in prestito da prestigiosi istituti italiani\, fra cui la Biblioteca Nazionale Centrale di Firenze e l’Archivio Storico di Torino\, oltre alla ricostruzione dei disegni e di un modello in scala realizzati grazie alla collaborazione con il Polo Territoriale Universitario di Agrigento dell’Università degli Studi di Palermo. \nIl MAN approfondirà per la prima volta l’opera dell’architetto\, sottolineando l’apporto offerto nella costruzione dell’identità architettonica e urbana di Odessa\, insieme all’affascinante vicenda umana e artistica sospesa fra la leggenda dei suoi natali sull’isola e le reali origini svizzero ticinesi\, terreno fecondo per molti architetti cresciuti poi in Italia e nei suoi centri di cultura accademica\, fortemente legati alla disciplina del progetto. \nMa la storia di Boffo e della “sua” scalinata non poteva non intrecciare quella di una pellicola che ha reso universalmente noto questo panorama agli occhi del pubblico del Novecento\, trasformando un capolavoro dell’architettura dell’Ottocento in un’icona del grande schermo\, complice il montaggio serrato\, violento e drammatico della famosa sequenza di Ėjzenštejn\, scolpita nell’immaginario comune. Nel testo a catalogo del critico cinematografico Roberto Nepoti si legge: «È un segno indiscutibile di iconicità il fatto che la sequenza sia in assoluto la più citata di tutta la storia del cinema\, sia in forma di omaggio sia in forma di parodia\, da parte di innumerevoli emuli del maestro russo. Tanto che\, alla fine degli anni Novanta\, il noto critico Roger Ebert scrisse: “… il famoso massacro sulla scalinata di Odessa è così citato\, che è probabile che molti spettatori abbiano visto la parodia prima dell’originale”». \nAd arricchire la mostra tocca a due dipinti romantici di notevole valore e qualità\, una marina in tempesta di Ivan Konstantinovič Ajvazovskij del 1897\, concessa dal Museo Nazionale di Varsavia\, e un grande porto di Odessa di Rufim Gavrilovitš Sudkovski del 1885\, in arrivo dal Kunstimuseum di Tallin\, in Estonia. Curiosa la presenza di alcuni rari ex voto con scene di brigantini sardi nella baia di Odessa\, prima e durante la guerra di Crimea. \nArchitettura e cinema si alternano lungo tutto il percorso\, ora affondando nell’analisi costruttiva della scalinata\, ora passando in rassegna i fotogrammi di un film che ha fatto scuola e che esalta\, nelle sue stesse riprese\, i dettagli formali della scenografica rampa. Panorami d’epoca e nuove vedute duettano con le soluzioni geniali della regia di Ėjzenštejn al centro della video installazione che ne racconta la genesi. \n  \nCoordinamento \nRita Moro ed Elisabetta Masala \nda un’idea di Tommaso Esca \n  \nCatalogo edizioni Libria\, testi di Viktor Proskuryakov\, Federico Crimi\, \nGiovanni Francesco Tuzzolino\, Paolo De Marco\, Roberto Nepoti \n  \nVideo installazioni a cura di Storyville \nin collaborazione con Cineteca Milano \n  \n  \nUfficio Stampa \nSTUDIO ESSECI – Sergio Campagnolo \nVia San Mattia 16\, 35121 Padova \nTel. +39.049.663499 \nreferente Simone Raddi\, simone@studioesseci.net \nwww.studioesseci.net \n  URL:https://www.museoman.it/event/odessa-steps-2/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/Odessa4-archivio-ETrkCP.tmp_.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20230303T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20230625T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140540Z LAST-MODIFIED:20240422T100212Z UID:3581-1677801600-1687651200@www.museoman.it SUMMARY:OLIVO BARBIERI DESCRIPTION:60 fotografie inedite a colori e un wallpaper di grandi dimensioni \nIl 3 Marzo la Fondazione di Sardegna\, in collaborazione con il Museo MAN\, inaugura la mostra Twelve ee h s nine – Dolmen e Menhir in Sardegna di Olivo Barbieri\, a cura di Marco Delogu e Chiara Gatti. \nLa serie inedita dell’artista conclude il suo lavoro nell’ambito della Commissione Sardegna\, un progetto che sostiene il percorso di produzione di opere d’arte contemporanea attraverso la piattaforma AR/S Arte Condivisa\, con lo scopo di aprire una finestra sul territorio\, la storia e le stratificazioni che caratterizzano l’isola\, per mezzo degli sguardi di curatrici e curatori\, artisti e artiste invitati a vivere esperienze di residenza e produzione in Sardegna. \nOlivo Barbieri\, uno dei maggiori artisti e fotografi italiani contemporanei\, è stato invitato dalla Fondazione di Sardegna a rivolgere il suo sguardo all’isola\, a intraprendere tre viaggi nell’arco di due anni\, decifrando una bolla spazio-temporale tra archeologia e immaginario contemporaneo. \nOggetto della ricerca è il patrimonio composto da numerosissimi megaliti\, dolmen e menhir disseminati sull’isola\, secondo logiche ancora non chiare agli studiosi\, osservati nella loro capacità di modificare lo spazio che li circonda. \nBarbieri\, che già negli anni ottanta aveva viaggiato lungamente in Bretagna e a Carnac\, attratto da questi monumenti megalitici\, dal mistero della loro genesi e della loro funzione\, anche se con anni di ritardo e con un certo senso di colpa per aver atteso tanto\, arriva in Sardegna per accostarsi a un patrimonio altrettanto unico\, poco divulgato\, addirittura per molti quasi sconosciuto. \nGuidato dalla sapiente disponibilità di studiosi come l’archeologo Riccardo Cicilloni\, dalle indicazioni degli abitanti del luogo\, da ricercatori e da memorie locali\, Barbieri in Twelve ee h s nine – Dolmen e Menhir in Sardegna restituisce una ricognizione\, una mappatura sensoriale libera e non scientifica dei megaliti\, ma soprattutto racconta come lo spazio intorno a questi sia cambiato\, come il mondo si sia modificato attraverso forme\, stratificazioni e passaggi logici inconsci. \nLe fotografie registrano autentiche situazioni di convivenza e compenetrazione tra passato arcaico\, costruito recente e paesaggio vegetale. \nL’artista ha allargato il suo sguardo dal singolo sito al paesaggio antropizzato\, verso contesti abitati che hanno assorbito i volumi e la storia di questi straordinari oggetti di resistenza\, in uno scenario nuovo\, modificato dal contesto dei reperti e dal loro ascendente\, ispirando nuove immagini e nuove architetture. \nOlivo Barbieri attraverso questa indagine sulla variazione\, con un processo di osservazione chiaro e privo di orpelli linguistici\, ma portando all’estremo le possibilità percettive del vedere\, traccia una geografia immaginaria della Sardegna profonda\, silente e diversa dalla nota bellezza della costa internazionalmente famosa. \nNei suoi viaggi da Dorgali a Laconi\, da Calangianus a Barrali\, esplora percorsi avventurosi fra campi coltivati\, pascoli e paesi alla ricerca di vestigia a volte inghiottite dalla vegetazione o dal cemento per restituirli al presente. \nNel dialogo con Chiara Gatti pubblicato in catalogo Olivo Barbieri dice: «Ho lavorato e riflettuto molto sulla modificazione dello spazio attorno a ogni reperto\, come le epoche siano trascorse sovrapponendo innesti\, strati\, passaggi. È un racconto temporale sincretico…» \nCome scrivono Marco Delogu e Franco Carta nel testo che accompagna la mostra: “le forme della pietra sono intrise dal tempo e Barbieri ne coglie il mistero\, racchiude nell’inquadratura il colore e la luce\, ne esalta la forza estetica\, ne interroga le suggestioni magiche e il valore simbolico-sacrale che da sempre dolmen e menhir evocano nella mente dell’osservatore\, sia esso uno studioso o un profano”. \nIl lavoro di Barbieri è coerente con le produzioni originali della Fondazione di Sardegna realizzate in questi anni\, produzioni il cui obiettivo è raccontare l’isola attraverso la visione dell’arte\, interpellando protagonisti di primaria levatura per restituire un’immagine dell’isola in dialogo con i contesti creativi nazionali e internazionali più dinamici. Da questo dialogo scaturiscono i segni di una Sardegna insolita che\, a volte\, stentiamo a riconoscere. \nAccompagna la mostra un catalogo con 105 fotografie edito da Punctum Press con testi di Andrea Cortellessa\, Riccardo Cicilloni\, Marco Delogu e Franco Carta e un dialogo tra Olivo Barbieri e Chiara Gatti. \nOLIVO BARBIERI \nTwelve ee h s nine – Dolmen e Menhir in Sardegna \nDal 4 marzo al 25 giugno 2023 \nOrario continuato: 10 – 19 | Lunedì chiuso \nUfficio Stampa: UC studio – press@ucstudio.it \nChiara Ciucci Giuliani chiara@ucstudio.it – mob +39 3929173661 \nRoberta Pucci roberta@ucstudio.it – mob +39 3408174090 URL:https://www.museoman.it/event/olivo-barbieri/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:Focus Sardegna,MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/MAN-Allestimento-Olivo-Barbieri-4-GQQAfc.tmp_-scaled.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20230303T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20230413T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140537Z LAST-MODIFIED:20240422T100537Z UID:3579-1677801600-1681344000@www.museoman.it SUMMARY:Fading in DESCRIPTION:Il MAN prosegue l’indagine sui linguaggi del XXI secolo inaugurando la prima di una serie di Project Room\, un nuovo concept espositivo incentrato sull’universo estetico della contemporaneità. Il piano terra del museo sarà concepito come uno spazio poliedrico\, capace di cambiare forma ad ogni progetto con l’obiettivo di farsi portavoce degli artisti di oggi e della loro visione del mondo. \nIl primo appuntamento vede protagonista Massimo Grimaldi con la mostra Fading in\, che propone una selezione di cinque reportage fotografici realizzati tra il 2010 e il 2021. \nLa poetica di Grimaldi si sviluppa in una costante tensione tra etica e estetica. L’artista ha elaborato una modalità di lavoro che prevede la collaborazione sistematica con EMERGENCY\, associazione umanitaria nata con lo scopo di offrire sostegno medico gratuito alle vittime civili delle guerre e della povertà. Dal 2007 l’artista ha partecipato a diversi concorsi con progetti che prevedevano\, in caso di vincita\, la donazione della somma a EMERGENCY e la realizzazione di reportage in luoghi dove l’ONG è attiva. Il caso più eclatante risale al 2009\, quando Grimaldi vince il concorso internazionale MAXXI 2per100 con un progetto che stabiliva di devolvere il 92% del premio di 700.000 euro a EMERGENCY per la costruzione del Centro Pediatrico di Port Sudan e di documentare l’attività dell’ospedale\, dalla sua costruzione fino alla piena operatività. Un approccio che testimonia come Grimaldi rifletta sulla società e intervenga su di essa\, ridiscutendo il ruolo dell’artista. \nIn Uganda è il lavoro principale presentato al MAN. La videoproiezione è frutto di un reportage\, realizzato ad inizio 2021\, che si muove su un doppio livello: da un lato descrive la vita all’interno del Children’s Surgical Hospital della città ugandese di Entebbe\, puntando l’obiettivo sullo staff di EMERGENCY e sui pazienti; dall’altra\, mostra la bellezza umana e paesaggistica di Entebbe\, la penisola che si allunga sulla costa settentrionale del Lago Vittoria\, su cui sorge l’ospedale. Man mano che le immagini scorrono in dissolvenza\, ci si accorge che parlare di reportage è piuttosto riduttivo. Nelle opere di Grimaldi l’aspetto documentativo resta in secondo piano rispetto alla componente affettiva\, che risulta dominante. In questo modo\, i suoi lavori tracciano un filo rosso tra due mondi: a un’estremità c’è il museo in cui le opere vengono fruite\, mentre all’altro capo si trova una realtà che a molti può apparire distante\, ma non per questo è meno vera. \nImmagini di progetti portati avanti in Sudan\, Sierra Leone\, Afghanistan\, nella Repubblica Centrafricana\, si susseguono in mostra sugli schermi di iPad Pro di ultima generazione con una dissolvenza (appunto un “fade in”)\, da cui deriva il titolo della mostra. Come rileva il critico Luca Cerizza “la melanconia che pervade senza tregua il lavoro di Grimaldi nasce da quella dicotomia che l’artista mostra come mai riconciliata\, tra dimensione etica ed estetica dell’arte e\, ancora più specificatamente nel suo caso\, di un’attrazione sensuale verso un mondo di forme e immagini perfette\, iper-definite\, per lo più astratte\, e la consapevolezza che ogni opera d’arte\, rischi di essere schiacciata da un processo di obsolescenza per il quale viene superata – come ogni altro prodotto – da una successiva proposta linguistica\, da un nuovo stile\, dal soddisfacimento\, insomma\, di un nuovo desiderio”. \nL’utilizzo sistematico degli ultimi modelli Apple su cui scorre una sequenza in loop è una prassi consolidata della poetica di Grimaldi. In questo modo\, venendo meno la possibilità (autoimposta) di decidere l’apparenza esteriore delle opere\, è l’artista in prima persona a mettere in discussione il proprio status\, allineandosi all’evoluzione tecnologica e alle sue contraddizioni. Crolla\, così\, l’assunto dell’arte per l’eternità. Il risultato è un lavoro dal destino ineluttabile\, opere che diventano obsolete nel giro di pochi anni\, asservite a una corsa per un progresso tecnico sempre più incalzante. \nFading in è l’occasione per l’uscita di una nuova edizione de I quaderni del MAN\, con un affondo critico di Luca Cerizza che percorre l’evoluzione del lavoro di Massimo Grimaldi dall’inizio della sua ricerca ad oggi. \n\n\n\nBiografia\n\n\nMassimo Grimaldi (Taranto\, 1974) è un artista italiano che vive e lavora a Milano. La sua pratica indaga la natura di ciò che convenzionalmente chiamiamo “arte”\, il modo con cui essa viene percepita\, valutata e capita. La sua ricerca è una continua interrogazione sui criteri della produzione e della circolazione delle immagini\, sul potere e i limiti della speculazione estetica\, sulla possibilità di una sua ridefinizione etica. L’artista ha avuto mostre personali al Castello di Rivoli\, Torino (2009); Museo di Villa Croce\, Genova (2012); Team Gallery\, New York (2011/2013); West\, The Hague (2014); ZERO…\, Milano (2006/2010/2013/2017/2019/2022). Le sue opere sono state presentate anche in numerose mostre collettive\, fra cui Italics a Palazzo Grassi\, Venezia e MCA\, Chicago (2008-2009) e la 50ma Biennale di Venezia (2003). Nel 2009 Grimaldi ha vinto il concorso internazionale MAXXI 2per100\, utilizzando il premio per la costruzione del Centro Pediatrico di EMERGENCY a Port Sudan. URL:https://www.museoman.it/event/fading-in/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:Focus Sardegna,MAN ATTACH;FMTTYPE=image/png:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/grimaldi-Auwz5i.tmp_.png END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20221118T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20230219T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140619Z LAST-MODIFIED:20240417T140619Z UID:3588-1668729600-1676764800@www.museoman.it SUMMARY:APPARTENENZE DESCRIPTION:L’importante ingresso in collezione dell’opera Madre che cuce di Mario Sironi\, 1905-1906\, frutto di un recente acquisto da parte del museo MAN presso una collezione privata milanese\, rappresenta l’occasione per una presentazione al pubblico delle ultime acquisizioni pervenute sotto forma di acquisto\, comodato o donazione. La mostra allinea le opere all’interno di un percorso che presenta\, per ciascuna di esse\, un approfondimento storico e tematico\, una narrazione che le colloca sullo sfondo della collezione permanente spiegandone il valore e il ruolo all’interno dell’identità stessa della raccolta. \nL’opera di Sironi (1885-1961)\, in particolare\, è accompagnata da un affondo critico a cura di Elena Pontiggia\, massima esperta italiana del maestro\, raccolto fra le pagine di una piccola pubblicazione dossier destinata a inaugurare la nuova collana editoriale del museo\, I quaderni del MAN. \n«Sironi non cerca una scena intimista – scrive Pontiggia – anzi avrebbe potuto sottoscrivere il Manifesto di Saint Cloud di Munch (1899)\, che proclamava: “Non dipingeremo più interni […]\, donne che lavorano a maglia”. Certo\, il suo è un interno\, ma quello che gli interessa è la costruzione volumetrica: la solida figura femminile\, la sedia ben piantata sul pavimento\, i blocchi di colore del tavolo e dei mobili. Semmai si può avvertire un filo di malinconia nella solitudine della madre\, tutta sola nel silenzio della casa. Tuttavia la scena comunica anche il suo senso di dignità e quasi la sua intima approvazione per il dovere compiuto: quella approvazione interiore che\, come Thomas Mann fa dire a Johann Buddenbrook\, “è la felicità più certa che si possa raggiungere sulla terra”. \nLa madre che cuce ha una fortuna critica relativamente recente perché Sironi\, per il suo successivo rifiuto del divisionismo (condiviso da tanta critica negli anni fra le due guerre)\, non la espone mai in vita. La troviamo per la prima volta in una mostra solo nel 1969\, otto anni dopo la sua scomparsa. Il primo a parlarne però è Costantini\, amico di giovinezza e poi parente dell’artista perché ne aveva sposato la sorella Marta. Nel suo Pittura italiana contemporanea\, uscito nel 1934\, il critico ricorda espressamente la Madre che cuce “fra le opere di intensa colorazione”. L’aggettivo può stupire\, perché l’insieme di verdi e di azzurri del quadro si può definire “intenso” per la sua raffinatezza\, ma non certo non per la sua accensione. Sironi non adotta il divisionismo per accentuare gli effetti luministici della composizione\, e non sfrutta il contrasto dei complementari. È vero però che\, rispetto alla sua tavolozza scura degli anni Venti\, La madre che cuce si distingue per una gamma cromatica ben più viva e naturalistica». \nFra gli altri protagonisti della mostra spicca poi Costantino Nivola (1911-1988)\, con una nuova opera Times Square\, datata 1946\, che si unisce a fondi già custoditi dal MAN e che approda in collezione all’indomani di un restauro significativo (a cura di Maria Albai) e che viene ora valorizzata come un unicum nella produzione del maestro\, per le dimensioni monumentali della tela e per la complessità del soggetto newyorchese\, che si allinea alla sua produzione più celebre\, con alcune varianti degne di essere indagate. \nSignificativa la presenza\, lungo il percorso\, di un dialogo fra Maria Lai (1919-2013) e Jorge Eielson (1924-2006)\, in vista di una mostra futura che il MAN dedicherà il prossimo anno al rapporto fraterno instaurato nel tempo fra due grandi nomi del secondo Novecento\, stretto all’epoca del soggiorno in Sardegna dell’artista peruviano. Per l’occasione entrano in collezione due libri cuciti di Maria Lai\, uno distinto dalle sue famose “geografie”\, e un piccolo breviario dal titolo Sono qui\, concessi in comodato dagli eredi. L’archivio Eielson concede invece un grande nodo\, del ciclo Amazzonia\, che rimanda alla simbologia arcaica del “quipu” nell’impero Inca\, il nodo come lingua\, metodo di scrittura e contabilità\, per misurare il tempo nei calendari\, stilare censimenti. \nFrutto di mostre recenti e recenti donazioni\, ecco ancora opere di Edina Altara (1898-1983)\, Vittorio Accornero (1896-1982)\, Salvatore Fancello (1916-1941) e Anna Marongiu (1907-1941)\, oltre alle splendide fotografie dedicate alla Sardegna di Lisetta Carmi (1924-2022)\, accanto a figure di spicco del contemporaneo  come Martí Guixé (classe 1964)\, con le sue opere tessili\, grandi arazzi ispirati alla tradizione e applicati a sedute di design\, Christian Niccoli (classe 1976) con il video ZWEI (Due) prodotto nell’ambito dell’Italian Council\, e Paolo Cavinato (classe 1975)\, reduce dalla mostra Sensorama dove le sue prospettive chirurgiche hanno aperto varchi in uno spazio che non c’è. \nUna sezione a parte\, una mostra nella mostra\, è riservata all’intervento site specific di Giovanni Campus (classe 1929)\, il grande artista sardo\, milanese d’adozione\, che dipanerà negli ambienti del MAN le sue scatole euclidee fatte di composizioni in divenire nel tempo. Camminando fra le sue geometrie\, si percepiscono spazi abitati da grafici irregolari\, quadranti analitici\, piani cartesiani dove rette e segmenti corrono paralleli e si incrociano all’infinito. \nCampus orchestra linee\, ritmi\, perimetri\, spigoli\, misure\, regole ed eccezioni per erigere steccati minimali\, paesaggi sintetici\, un dominio di segni che si inseguono sulle pareti fino a disegnare luoghi tridimensionali dentro i quali lo spettatore si muove come in un quadro astratto\, in un confine liquido fra pittura e architettura. \nLa componente “tempo” è determinante e dà titolo al ciclo di opere Tempo in processo. Fin dagli anni Settanta\, in epoca di concettualismi\, l’artista ha lavorato sull’unità dell’allestimento\, con tavole collegate fra loro in sequenza\, dimostrando così la trasformazione degli elementi modulari – tracce fatte di corda o metallo – nell’arco di una durata prestabilita. L’effetto è completo quando pittura e scultura si integrano creando scenari avvolgenti\, superfici piane proiettate nella terza dimensione. Costruire lo spazio attraverso il disegno\, nel tempo della pratica e del metodo\, è la ricerca che scorre in sottotraccia a tutta la riflessione del maestro fatta di rigore e lirismo. Per Campus la matematica è poesia. \nIl prezioso intervento di Giovanni Campus sarà accompagnato da un dossier della nuova collana editoriale I quaderni del MAN\, con un testo critico a cura di Chiara Gatti. URL:https://www.museoman.it/event/appartenenze/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/madre-che-cuce_900-NEPPTQ.tmp_-scaled.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20221118T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20221118T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140607Z LAST-MODIFIED:20240417T140607Z UID:3586-1668729600-1668729600@www.museoman.it SUMMARY:Picasso e Guernica DESCRIPTION:a cura di Michele Tavola \nDal 23 settembre al 31 dicembre del 1953 Guernica venne esposta nella Sala delle Cariatidi del Palazzo Reale di Milano\, insieme a più di trecento altre opere del maestro spagnolo\, dando forma alla più grande retrospettiva di Picasso mai tenuta in Italia. Successivamente la mostra venne spostata a Roma\, ma in formato ridotto e soprattutto senza Guernica\, che da allora non fece mai più ingresso nel nostro Paese. La Sala delle Cariatidi\, che al momento di accogliere il capolavoro picassiano presentava ancora i segni dei bombardamenti della Seconda Guerra Mondiale\, amplificando così il significato dell’opera\, in quell’occasione ospitò anche altre drammatiche composizioni di esplicita denuncia dei disastri della guerra quali il Massacro in Corea e Carnaio. \nOggi Guernica non viaggia più\, non lascia mai la Spagna e la sua sala al Museo Reina Sofía di Madrid. Non tornerà più a Parigi\, dove è stata creata\, commissionata dal governo repubblicano spagnolo per l’Esposizione Universale del 1937\, non tornerà più al MoMa di New York\, dove ha passato buona parte del suo esilio prima di tornare in patria\, e sicuramente non tornerà più in Italia. Settant’anni dopo la storica esposizione al Palazzo Reale di Milano\, il MAN di Nuoro celebra il passaggio italiano di Guernica\, simbolicamente e artisticamente fondamentale per una generazione di artisti\, di critici d’arte e di cittadini italiani. \nL’omaggio nuorese si suddivide in due sezioni principali: l’eco di Guernica nella produzione artistica di Picasso e il racconto della genesi dell’opera attraverso il racconto visivo di Dora Maar\, fotografa e all’epoca compagna dell’artista spagnolo. \nLa prima sezione trova il suo fulcro principale nello straordinario dittico di incisioni intitolato Sueño y mentira de Franco\, vero e proprio contraltare grafico del grande dipinto. Picasso iniziò a incidere la prima lastra nel gennaio del 1937 ma abbandonò presto il lavoro. Nel mese di maggio\, appena dopo il tragico bombardamento della cittadina basca\, portò a termine entrambe le matrici proprio mentre stava eseguendo la monumentale tela\, utilizzando gli stessi studi e le stesse idee. Non si tratta affatto\, però di una versione in formato ridotto del quadro\, ma di un’invenzione originale\, a sé stante\, che prende le mosse dallo stesso pensiero e dallo stesso impeto creativo. Attorno a Sueño y mentira de Franco si raccoglierà una piccola ma significativa serie di incisioni\, disegni e dipinti che afferiscono direttamente alla gestazione di Guernica o che\, per essere stati realizzate nello stesso periodo\, richiamano da vicino stile e temi del celebre dipinto. \nLa seconda anima della mostra ruoterebbe attorno alla straordinaria testimonianza di Dora Maar\, che documentò giorno per giorno\, con le proprie fotografie\, il lavoro di Picasso. Si tratta di una serie di scatti al contempo commoventi e fondamentali per la ricostruzione filologica della creazione di Guernica. Non mancheranno nemmeno immagini scattate nel 1953 da Mario Perroti in occasione della rassegna milanese\, nell’allestimento toccante della Sala delle Cariatidi segnata dai bombardamenti\, situazione tragica che convinse Picasso a esporre il suo capolavoro in quel contesto così affine all’anima del dipinto. \nIl progetto ideale della mostra contemplerà anche una sezione documentale che renderà il percorso di altissima qualità\, completando la narrazione in una ricorrenza che l’Italia è chiamata a celebrare e di cui il Museo MAN di Nuoro si farebbe capofila. URL:https://www.museoman.it/event/picasso-e-guernica/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/Picasso-1-0pIg1c.tmp_.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20220708T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20221030T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140616Z LAST-MODIFIED:20240417T140616Z UID:3587-1657238400-1667088000@www.museoman.it SUMMARY:SENSORAMA DESCRIPTION:Lo sguardo\, le cose\, gli inganni\nda Magritte alla realtà aumentata\n \ninaugurazione venerdì 8 luglio ore 18.30 \na cura di Chiara Gatti e Tiziana Cipelletti \ncon il contributo scientifico di Baingio Pinna del Dipartimento di Scienze Biomediche dell’Università di Sassari\, autore del libro La percezione visiva\, il Mulino\, 2021 \nProgetto di allestimento a cura di Denis Santachiara \nCoordinamento di Rita Moro ed Elisabetta Masala \nVideo installazioni a cura di Storyville \n  \nSENSORAMA adotta in modo colto e originale il modello del Museo delle illusioni e affida alle opere di artisti e videomaker contemporanei l’esplorazione della relazione tra Visione e Percezione con l’obiettivo di mostrare la complessità dei fenomeni cognitivi e il “piacere” di essere ingannati. \nL’illusione è la nostra realtà. Perché del mondo\, là fuori\, vediamo il poco che i nostri occhi sono in grado di vedere. “How your eyes trick your mind”\, come gli occhi ingannano la mente\, dicono gli inglesi. Il risultato è una rappresentazione delle cose che non è reale per niente. Tocca al nostro cervello orientarsi fra apparenze ed enigmi. \nChi si occupa di percezione parte da queste premesse\, ma sa di avere alle spalle secoli di discussione filosofica\, da Platone in avanti. La domanda “vediamo davvero la realtà?” è un antico dilemma. Oggi però le neuroscienze possono cominciare a dare una risposta\, studiando gli organi di senso e analizzando la capacità del cervello di interpretare i segnali che questi gli inviano. \nIl museo MAN di Nuoro\, che da sempre si dedica alla ricerca e ai diversi linguaggi del contemporaneo\, inaugura una nuova stagione espositiva che mira a riflettere su alcuni temi sollecitati dal dramma della pandemia e della reclusione: la comunicazione interrotta\, lo sguardo velato dal diaframma di uno schermo\, la lettura delle immagini sottratte alla vista e restituite in una realtà virtuale. Tornare a guardare\, ad allenare gli occhi e a porsi interrogativi sulla verità (o meno) della visione è lo scopo di una mostra che\, partendo da antecedenti storici\, dai padri nobili di una pittura di verità e d’inganno\, come René Magritte e Giorgio de Chirico\, apre lo spettro alle indagini estetiche più recenti in fatto di percezione e autenticità. Ecco allora le fotografie allo specchio di Florence Henri o le tavole ottico-cinetiche di Alberto Biasi\, gli ambienti avvolgenti e conturbanti di Peter Kogler o Marina Apollonio; e ancora\, le sculture anamorfiche di Marc Didou o le performance intese come veri e propri trompe-l’œil umani di Liu Bolin\, l’uomo invisibile. \nIl titolo della mostra SENSORAMA è ispirato al nome di una macchina ideata nel 1957 dal regista statunitense Morton Heilig per testare esperienza sinestetiche nel suo cinema d’esperienza\, al fine di amplificare impressioni\, oltre che sonore con audio stereofonico\, persino tattili\, dinamiche e olfattive. Per vedere la musica è il nome di una sezione riservata a scoprire proprio la sinestesia\, l’automatismo psichico che consiste nell’associare in un’unica immagine due contenuti riferiti a due sfere sensoriali diverse. \nSENSORAMA è tanto cinema\, arte d’artificio per eccellenza\, “fabbrica delle illusioni” fin dal suo esordio e terreno di sperimentazioni visive delle avanguardie. Il percorso della mostra contempla la cinematografia fantastica di George Méliès basata sulla sparizione degli oggetti ottenuta con uno primitivo stop frame e la levitazione di cose e persone con la ripresa a passo uno\, per arrivare alle fantasmagoriche interazioni tra avanguardie artistiche (Léger\, Man Ray\, Picabia\, Cocteau\, Duchamp…) e cinema. Cinema sperimentale appunto che\, facendo suo lo statuto della magia e giocando con inganni e deformazioni percettive\, butta all’aria la nostra “consueta” esperienza del reale. \nI meravigliosi paradossi dell’era digitale. Con l’installazione in realtà aumentata la “non realtà” esce dai suoi confini\, allaga la nostra percezione e dà un accesso a nuovi significati in una visione/versione multilayer. Senza l’impiego di device\, ma grazie all’utilizzo del proprio telefonino (Bring Your Own Device)\, si potrà vivere la fascinazione “intelligente e complessa” di un contenuto a più strati\, indispensabile completamento della visione di un mondo in transizione. \nIl progetto si arricchisce di installazioni site specific\, nel caso per esempio degli interventi studiati ad hoc per il MAN da parte di artisti come Felice Varini\, autore di disegni nello spazio\, monumentali quanto effimeri\, oltre a una stanza magica progetta dal designer Denis Santachiara e una grotta di libri scavati come rocce da impronte di corpi impalpabili realizzata da Marco Cordero. \nSENSORAMA vuole rappresentare insomma il grado zero della percezione\, utile per ripulire lo sguardo\, per tornare a stupirci di fronte ai paradossi della vista\, per ricominciare a osservare le opere con sguardo indagatore\, per avvicinarci alle immagini consapevoli di un limite fluido fra reale e virtuale\, ma pronti ad aguzzare gli occhi per svelare i meccanismi che orchestrano il processo stesso della visione. Un invito a imparare a guardare. Ma\, soprattutto\, a dubitare. \nArtisti \nRené Magritte\, Giorgio de Chirico\, Florence Henri\, Alberto Biasi\, Luigi Mazzarelli\, Peter Kogler\, Felice Varini\, Marina Apollonio\, Denis Santachiara\, Marc Didou\, Peter Miller\, Liu Bolin\, Marco Cordero\, Humans since 1982\, Ole Martin Lund Bø\, Paolo Cavinato\, Cinzia Fiorese\, Marco Di Giovanni\, Kensuke Koike. \nCatalogo Electa con testi di Baingio Pinna\, Chiara Gatti e Tiziana Cipelletti \n  \n  \nUfficio Stampa \nStudio ESSECI di Sergio Campagnolo \ntel. 049.66.34.99 \nReferente Simone Raddi: simone@studioesseci.net \n  \n  URL:https://www.museoman.it/event/sensorama/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/Apollonio-3-CpSr6Q.tmp_.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20220211T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20220619T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140621Z LAST-MODIFIED:20240417T140621Z UID:3589-1644537600-1655596800@www.museoman.it SUMMARY:CARLO LEVI DESCRIPTION:CARLO LEVI: TUTTO IL MIELE È FINITO. LA SARDEGNA\, LA PITTURA \na cura di Giorgina Bertolino  \ne il progetto speciale di residenza produttiva di \nVITTORIA SODDU \nOGNI ANDARE È UN RITORNARE \nrealizzato con la Fondazione Sardegna Film Commission \n  \nopen day: venerdì 11 febbraio 2022\, h. 10 – 19 \napertura: 11 febbraio – 19 giugno 2022 \nIl MAN Museo d’Arte Provincia di Nuoro presenta da venerdì 11 febbraio a domenica 19 giugno 2022 la grande antologica di Carlo Levi (Torino 1902 – Roma 1975) che rende omaggio al pittore-scrittore nei 120 dalla nascita\, in occasione degli anniversari dei suoi due viaggi in Sardegna\, compiuti nel maggio 1952 e nel dicembre 1962. La mostra documenta l’intero arco della sua ricerca con 89 opere tra dipinti\, disegni e incisioni\, datate dal 1925 ai primi anni settanta. Si avvale della collaborazione della Fondazione Carlo Levi di Roma e dei prestiti di musei\, collezioni pubbliche e private. È arricchita dal progetto speciale di residenza produttiva che ha visto coinvolta l’artista Vittoria Soddu (Sassari 1986) con un triplice intervento realizzato con la produzione di Fondazione Sardegna Film Commission\, concepito appositamente per il percorso espositivo. \nLa mostra trae il titolo da Tutto il miele è finito\, il libro di Carlo Levi sulla Sardegna edito da Einaudi nel 1964. Il libro è il racconto dei viaggi del 1952 e 1962\, ed è un palinsesto di paesaggi naturali\, culturali\, poetici e politici. La mostra del MAN ricostruisce l’incontro fra l’artista e l’isola\, offrendo l’occasione per immergersi nella sua pittura\, dagli esordi alla maturità. Carlo Levi: tutto il miele è finito. La Sardegna\, la pittura è\, insieme\, una mostra monografica e un’ampia antologica\, articolata sui tre piani del Museo. Dedicata a un protagonista della storia e della cultura italiana del Novecento\, è un invito a ripensarne l’eredità nel presente. \n“La mostra che il MAN di Nuoro ha dedicato a Carlo Levi nel centoventesimo anniversario della nascita indaga aspetti meno conosciuti della sua storia artistica e intellettuale\, in linea con una volontà di ricerca che il museo ha dedicato negli ultimi anni alla riscoperta del proprio territorio – il mondo insulare del mediterraneo italiano – mediante i contributi di artisti e artiste di diversa provenienza e nazionalità che hanno dedicato parte significativa delle loro ricerche alla Sardegna\, in un percorso che dal recente passato arriva sino al lavoro delle più giovani generazioni”\, spiega Luigi Fassi nell’introduzione al catalogo della mostra. \nLa Sardegna \nLe prime sale al piano terra del Museo introducono l’artista con tre autoritratti (fra i quali il celebre Autoritratto con la mano gialla del 1930) e raccontano i suoi viaggi in Sardegna. Carlo Levi arriva per la prima volta nell’isola nel maggio 1952 e vi ritornerà nel dicembre di dieci anni dopo. I suoi resoconti sono pubblicati a puntate su “L’Illustrazione Italiana” e su “La Stampa”\, quindi raccolti in Tutto il miele è finito nel 1964. Le parole si intrecciano alle immagini\, richiamate in mostra da oltre 30 fotografie che ricompongono i paesaggi della Sardegna degli anni cinquanta. Sguardi e obiettivi diversi\, tra istantanee amatoriali e fotografie d’autore\, riconsegnano il fascino dell’isola\, delle sue città\, delle persone\, della natura e della sua storia\, oltre gli itinerari più consueti. \nViene esposto per la prima volta un nucleo di 10 fotografie dell’inedito Album di viaggio di Carlo Levi del 1952. Conservate nel Fondo fotografico della Fondazione Levi di Roma\, le piccole stampe in bianco e nero dell’Album hanno costituito il punto di partenza della ricerca alla base della mostra. A questi materiali preziosi\, disposti in bacheca insieme a libri e documenti\, si affiancano a parete le campagne fotografiche di due celebri autori: 16 fotografie di Federico Patellani (Monza 1911 – Milano 1977)\, scattate in Sardegna nel 1950 – in prestito dal Museo di Fotografia Contemporanea di Milano-Cinisello Balsamo – in parte pubblicate a corredo di Viaggio in Sardegna\, il primo articolo di Levi apparso su “L’Illustrazione Italiana” del giugno 1952; 10 fotografie dell’ungherese János Reismann (Szombathely 1905 – Budapest 1976) del 1959 – in prestito dall’Hungarian Museum of Photography di Kecskemèt – pubblicate nella versione tedesca diTutto il miele è finito (Aller Honig geht zu Ende. Tagebuch aus Sardinien) edita nel 1965. \nIntroducendo Tutto il miele è finito nel 1964\, Carlo Levi paragonava il suo libro a un ritratto: “Così\, questo scritto\, che non è né un saggio\, né un’inchiesta\, né un romanzo\, ma un semplice\, laterale capitolo di quella storia presente che tutti viviamo\, o scriviamo\, in noi e fuori di noi\, mi sembra possa assomigliarsi piuttosto a un ritratto\, a un tentativo\, soltanto accennato e parziale\, di ritratto di una persona conosciuta nel tempo\, il cui viso racconta e comprende\, oggi\, i diversi momenti della sua storia. È\, questa persona\, soltanto la Sardegna?”.  \nCome spiega la curatrice\, Giorgina Bertolino “il progetto della mostra inizia dalla rilettura di Tutto il miele è finito\, un paesaggio-scritto che coinvolge e implica il corpo dell’artista\, l’esperienza fisica sul terreno\, il contatto con un passato amalgamato al suolo del presente\, l’ascolto dei suoni\, dei canti e delle voci delle persone. Tutto il miele è finito è un libro-paesaggio\, della specie di quelle letture che oggi raccogliamo intorno alle nozioni capienti di antropologia del paesaggio e di ecologia della cultura. Oltre l’idea di un paesaggio pacificato\, cristallizzato dalle retoriche della bellezza\, i paesaggi sardi di Carlo Levi conservano intatta la loro capacità dinamica\, cognitiva\, politica”. \n  \nLa pittura \nL’antologica ripercorre le stagioni della pittura di Carlo Levi\, a cominciare dagli esordi. Al primo piano\, i dipinti datati dal 1925 al 1930 mostrano le città del giovane Levi: Torino\, dove è nato\, Parigi e Alassio\, in Liguria\, dove la sua famiglia possiede una casa sulla collina: qui è ambientato Aria\, un dipinto del 1929 appartenente alle collezioni della GAM\, Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino. I quadri documentano la sua formazione di artista europeo e l’intenso dialogo con l’arte francese; ricompongono la cerchia familiare (con Padre a tavola del 1926\, Figura estrusca del 1929 e Due signore del 1930\, in prestito dalla Fondazione Levi) e l’ambito delle amicizie. \nLe opere al secondo piano ripercorrono le stagioni successive\, dai primi anni trenta agli anni settanta\, seguendo l’evoluzione della “grafia ondosa”\, l’inconfondibile cifra stilistica che anima gli autoritratti e i ritratti (è il caso di Leone Ginzburg del 1933)\, i paesaggi (il Paesaggio di Alassio del Museo Novecento di Firenze) e le nature morte (Natura morta con pane francese del Patrimonio artistico del Gruppo Unipol). \nLa pittura di Carlo Levi è un diario\, una biografia: le sue opere parlano del confino in Lucania (con La strada alle grotte del 1935\, La fossa del Bersagliere e La Santarcangelese del 1936\, in prestito dal Museo Nazionale di Matera\, Palazzo Lanfranchi); raccontano della guerra\, della Liberazione (con l’Autoritratto del 1945 della Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma) e così degli incontri\, delle persone amate (Ritratto di Linuccia Saba\, 1944-1945\, Collezione RAI\, Sede regionale Friuli Venezia-Giulia di Trieste) dei luoghi\, le case\, i giardini\, gli alberi\, raffigurati nel ciclo dei Carrubi dei primi anni settanta. Tutto per Carlo Levi è ritratto: il genere canonico della storia dell’arte è per lui uno strumento di conoscenza\, affettivo ed empatico. \nLa sala che chiude l’antologica presenta\, per la prima volta in Italia\, 12 carte appartenenti al ciclo della cecità\, un nucleo di disegni del 1973 realizzati in parallelo alla scrittura del Quaderno a cancelli\, pubblicato dopo la scomparsa. In questi disegni nati dal buio\, mentre è convalescente da un’operazione agli occhi\, Carlo Levi si immerge nelle profondità dell’inconscio e della memoria\, esplorando il proprio immaginario. \n  \nVittoria Soddu: ogni andare è un ritornare \nIl progetto speciale di Vittoria Soddu (Sassari 1986) è una rilettura nel presente di Tutto il miele è finite\, una pratica contemplativa del paesaggio ispirata dalla narrazione di Carlo Levi. Trae il titolo da una frase in apertura del libro: “Qui nella contemporaneità si sono mescolate le carte; qui nell’isola dei sardi ogni andare è un ritornare”. \nIl progetto è composto da tre lavori concepiti appositamente per la mostra. Il percorso inizia dal tratto dell’acquerello che anima la metamorfosi della donna in cornacchia nell’installazione video Back to back. Il video\, in una delle sale del piano terra\, anticipa l’eco del racconto suggerito nella traccia sonora Orune al secondo piano\, una rielaborazione di materiali d’archivio con la voce di Levi stesso e field recordings. Al terzo piano\, il lavoro più corale: Ogni andare è un ritornare restituisce in una forma filmica\, dalla forte matrice performativa\, la lettura dell’opera di Levi in dialogo con il territorio e la sua comunità oggi. \nIl libro di Carlo Levi\, racconta Vittoria Soddu\,“Invita a percorrere dei centri concentrici accompagnandoci da un capo all’altro dell’isola\, a volte sovrapponendo accadimenti e sensazioni. È un testo che porta a non ricercare una rigida consequenzialità degli eventi; per accedere alla sua essenza labirintica è necessario accogliere questa impossibilità di tracciare una narrazione logica\, con una sua cronologia cristallina”. \n“La scelta di Vittoria Soddu\, artista che lavora nel campo ibrido fra performance\, moving image e sound sculpture è guidata da un approccio più sperimentale di raccordo con il pubblico. Il nostro team di produzione si è messo al servizio del percorso creativo di un’artista così innovativa secondo un principio di accostamento\, sovrapposizione e contaminazione di linguaggi diversi. Una sfida per i futuri format\, da sperimentare con i nuovi spettatori e le nuove piattaforme\, creando insieme una nuova visione di Sardegna”\, spiega Gianluca Aste\, presidente di Fondazione Sardegna Film Commission. \nLa mostra è accompagnata da un importante catalogo edito dal MAN con la Società Editrice Allemandi. Introdotto da Luigi Fassi\, il volume propone un ampio corredo iconografico con le tavole a colori delle 89 opere esposte in mostra\, le fotografie dell’Album di viaggio di Carlo Levi\, i bianchi e neri di Federico Patellani e János Reismann e documenti d’epoca. La ricca sezione dei testi approfondisce il rapporto tra Levi e la Sardegna\, con una antologia selezionata dei suoi primi articoli e attraverso i saggi critici di Giorgina Bertolino\, Francesca Congiu\, Valeria Deplano\, Elisabetta Masala e la conversazione tra Vittoria Soddu e Nevina Satta\, Micaela Deiana\, Marco Piredda della Fondazione Sardegna Film Commission. \n  \nCONTATTI PER LA STAMPA \ninfo@museoman.it \n+39.0784.252110 \nhttps://drive.google.com/drive/folders/1gQ9Kr2SgfglQfmGE8IkOfuUkMwSNNDjd?usp=sharing \n  URL:https://www.museoman.it/event/carlo-levi/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/banner-sito3-naKFTX.tmp_.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20210710T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20211124T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140625Z LAST-MODIFIED:20240417T140625Z UID:3593-1625875200-1637712000@www.museoman.it SUMMARY:Sonia Leimer DESCRIPTION:Il progetto Via San Gennaro è vincitore della quarta edizione dell’Italian Council (2018)\, concorso ideato dalla Direzione Generale Arte e Architettura contemporanee e Periferie urbane (DGAAP) del MiC-Ministero della Cultura per promuovere l’arte contemporanea italiana nel mondo\, finanziando nuove opere di alcuni dei più significativi artisti italiani in collaborazione strategica con istituzioni museali italiane e internazionali. In questa occasione il MAN ha sviluppato un percorso di sostegno a Sonia Leimer in partnership con l’International Studio & Curatorial Program (ISCP) di New York – uno dei più affermati incubatori di produzioni innovative di arte contemporanea a livello globale – dove il progetto è stato presentato in anteprima dal settembre 2019 al gennaio 2020 a cura di Kari Conte e Luigi Fassi.  \nVia San Gennaro è l’esito di una residenza intensiva di diversi mesi dell’artista a New York. Nel corso del soggiorno Sonia Leimer ha condotto una ricerca sulle memorie italiane di Little Italy a Manhattan\, quartiere newyorchese simbolo della storia della migrazione italiana negli Stati Uniti\, in particolare dalle regioni meridionali e mediterranee\, crocevia di destini individuali e collettivi tra il Novecento e il nuovo millennio. \nArticolata in opere scultoree\, video e disegni\, la mostra è una ricognizione di un insieme di tracce\, fenomeni e sedimenti urbani capaci di raccontare le trasformazioni di Little Italy assieme all’inesorabile sparizione delle memorie italiane. La mostra prende titolo dalla celebrazione della Festa di San Gennaro che ha luogo ogni anno a settembre a Little Italy dal 1924. \nLa mostra è accompagnata da un ampio catalogo edito con ISCP e Mousse Publishing e corredato da saggi critici di Alessandra Cianchetta\, Kari Conte e Luigi Fassi. URL:https://www.museoman.it/event/sonia-leimer/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/Sonia-Leimer_Via-San-Gennaro_ph-Studiovetroblu-29-vofUcL.tmp_.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20210710T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20220109T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140623Z LAST-MODIFIED:20240417T140623Z UID:3592-1625875200-1641686400@www.museoman.it SUMMARY:Vittorio Accornero – Edina Altara DESCRIPTION:Gruppo di famiglia con immagini\, mostra curata da Luca Scarlini e dedicata a Vittorio Accornero de Testa (Casale Monferrato\, 1896 – Milano\, 1982) e Edina Altara (Sassari\, 1898 – Lanusei\, 1983) vuole riportare l’attenzione sull’operato dei due artisti e illustratori\, indagando le complesse vicende biografiche e creative che li hanno visti uniti a partire dalle loro prime opere individuali degli anni Venti sino agli anni Ottanta del Novecento. \nIn questa occasione e con il contributo importante di un gruppo di scenografi attivi con il Teatro di Sardegna – Loïc Hamelin\, Sabrina Cuccu e Sergio Mancosu – il MAN si trasforma in un libro di fiabe\, un caleidoscopio di immagini d’eleganza novecentesca. Va in scena la fiaba di due artisti sospesi tra la Sardegna\, l’Italia continentale e il mondo. La mostra è un racconto della fiaba di Edina e Ninon scandito in capitoli nelle sale della mostra\, tra i territori della grafica – come nel caso delle immagini per il transatlantico Rex\, e l’invenzione di oggetti tra design e architettura – gli specchi di Edina e le rivisitazioni architettoniche neo-rococò di Accornero in Piemonte. \nLa mostra è accompagnata da un importante catalogo edito dal MAN con Silvana Editoriale e corredato da saggi critici di Luigi Fassi\, Luca Scarlini\, Pompeo Vagliani\, Silvia Mira\, Lauretta Colonnelli\, Aurora Fiorentini\, Giorgia Toso e Federico Spano. URL:https://www.museoman.it/event/vittorio-accornero-edina-altara/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/DSC7030MAN-Altara-Accornero-DswNgS.tmp_.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20210119T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20210620T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140634Z LAST-MODIFIED:20240417T140634Z UID:3594-1611014400-1624147200@www.museoman.it SUMMARY:Lisetta Carmi DESCRIPTION:Il MAN Museo d’Arte Provincia di Nuoro presenta una grande antologica dedicata a Lisetta Carmi (Genova\, 1924)\, tra le più significative protagoniste della fotografia italiana del secondo dopoguerra.La mostra “Lisetta Carmi. Voci allegre nel buio. Fotografie in Sardegna 1962-1976” è curata da Luigi Fassi e Giovanni Battista Martini e si inserisce nell’ambito della ricerca condotta dal MAN sulla relazione tra i grandi fotografi italiani e la Sardegna; un dialogo estetico che vede nella retrospettiva dell’anno scorso sull’opera di Guido Guidi il suo precedente interlocutore.La rassegna porta alla luce un capitolo inedito della fotografia di Lisetta Carmi\, quello dedicato alla Sardegna\, riunendo centinaia di scatti in bianco e nero realizzati tra il 1962 e il 1976 durante numerosi e ripetuti soggiorni nell’isola.Completa il percorso espositivo una serie inedita di diapositive a colori che ritraggono i paesaggi dell’entroterra sardo\, con boschi\, fiumi e laghi colti nella loro dimensione più arcana ed evocativa.Due sezioni della mostra sono poi dedicate alla serie de I Travestiti (1965-1971) e agli operai di Genova – porto (1964).La prima è l’esito degli anni di frequentazione dedicati da Lisetta Carmi alla comunità dei travestiti di Genova\, relegata ai margini della società\, condividendo con empatia un quotidiano che contrappone alla marginalizzazione sociale momenti di vita in comune.La seconda è l’esito di un servizio fotografico del 1964 sui lavoratori del porto del capoluogo ligure\, realizzato con l’obiettivo di denunciare le durissime condizioni del lavoro.La mostra è accompagnata da un ampio catalogo monografico edito da Marsilio e corredato da saggi critici di Etienne Bernard\, Nicoletta Leonardi\, Giovanni Battista Martini e Luigi Fassi.Da martedì 19 gennaio 2021 a domenica 20 giugno 2021\, il MAN di Nuoro presenta inoltre il progetto espositivo D’oro e verderame\, una selezione di opere tratte dalla collezione permanente del museo. \n  URL:https://www.museoman.it/event/lisetta-carmi/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/Nuoro-funerali-del-carabiniere-1962-woTtGK.tmp_.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20200529T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20201115T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140636Z LAST-MODIFIED:20240417T140636Z UID:3595-1590710400-1605398400@www.museoman.it SUMMARY:Il regno segreto DESCRIPTION:Il Museo MAN di Nuoro riapre al pubblico\, dopo aver disposto tutte le misure necessarie a garantire la sicurezza sanitaria dei visitatori e dello staff dell’Istituzione.\n\nLa mostra Il regno segreto. Sardegna-Piemonte: una visione postcoloniale\, a cura di Luca Scarlini\, che avrebbe dovuto inaugurare lo scorso 13 marzo\, è pronta ad accogliere i visitatori da venerdì 29 maggio e sarà visitabile sino a domenica 15 novembre 2020. \nAttraverso il lavoro di artisti\, musicisti e intellettuali\, la rassegna rappresenta un’ampia e articolata indagine storiografica e culturale che rivela la relazione tra Sardegna e Piemonte\, dal 1720 agli anni Sessanta del Novecento\, raccogliendo una varietà di opere d’arte\, documenti\, manufatti\, testi letterari\, illustrazioni\, ceramiche\, fotografie e spartiti musicali\, provenienti da prestigiose istituzioni italiane.Completa la mostra una sezione dedicata all’animazione curata da Fondazione Sardegna Film Commission che\, in collaborazione con il MAN\, ha sviluppato quattro format sperimentali di corti d’animazione dedicati agli illustratori sardi attivi in Piemonte nel Novecento.La mostra svela un volto inedito del Regno di Sardegna\, un regno segreto\, ricco di storie non ancora esplorate e fatto di prolifici incontri e grande mobilità\, narrato per lo più in termini polemici dalla storiografia sarda e con numerosi equivoci da quella piemontese.La relazione tra le due regioni iniziò infatti nel 1720\, quando l’isola divenne sabauda\, e da allora gli scambi e le transazioni culturali tra i due territori si intensificarono sempre più\, determinando un’epoca di movimenti di persone\, oggetti e idee che cambiò profondamente il destino di Sardegna e Piemonte e avrebbe contribuito alla costituzione del Regno d’Italia e allo sviluppo di una cultura nazionale.  \nLa mostra è corredata da un ampio catalogo monografico edito da Ilisso che raccoglie saggi inediti appositamente commissionati a importanti autori e scrittori sardi e piemontesi quali Marcello Fois\, scrittore\, commediografo e sceneggiatore\, Gianni Farinetti\, scrittore\, sceneggiatore e regista\, Maria Paola Dettori\, storica dell’arte\, Luciano Marrocu\, storico e scrittore\, e Luigi Fassi\, direttore del MAN. URL:https://www.museoman.it/event/il-regno-segreto/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/Vittorio-Accornero-Ricordo-di-un-ballo-1942_Courtesy-F.Spano-Archivio-Altara-Accornero-peu2qP.tmp_-scaled.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20200131T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20200301T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140641Z LAST-MODIFIED:20240417T140641Z UID:3598-1580428800-1583020800@www.museoman.it SUMMARY:Kiluanji Kia Henda DESCRIPTION:Il MAN Museo d’Arte Provincia di Nuoro presenta\, da venerdì 31 gennaio a domenica 1 marzo 2020\, la prima grande mostra personale in un museo europeo dedicata a Kiluanji Kia Henda (Luanda\, Angola\, 1979)\, uno dei più significativi artisti e attivisti di origine africana nello scenario dell’arte contemporanea.Something Happened on the Way to Heaven è una mostra curata da Luigi Fassi\, direttore del MAN\, prodotta ad hoc per il museo di Nuoro che in collaborazione con la Fondazione Sardegna Film Commission ha invitato l’artista a soggiornare sull’isola e a offrire il proprio sguardo estetico sulla Sardegna. Il progetto ripropone una modalità di invito-residenza già attivato lo scorso anno con l’artista franco-ivoriano François-Xavier Gbré e prosegue una linea di ricerca avviata dal MAN sulla scena artistica africana contemporanea. \nSomething Happened on the Way to Heaven presenta una serie di opere scultoree e installative realizzate ex-novo da Kiluanji Kia Henda durante il soggiorno sull’isola\, accanto a lavori fotografici precedentemente prodotti. Nelle opere di nuova produzione le bellezze paesaggistiche della terra sarda si fondono con le tracce architettoniche della Guerra Fredda e delle basi militari ancora presenti sull’isola. \nIl progetto espositivo sarà poi presentato dal MAN all’interno degli spazi espositivi della Galerias Municipais di Lisbona nel mese di ottobre 2020. \n  \n  URL:https://www.museoman.it/event/kiluanji-kia-henda/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/The-Geometric-Ballad-of-Fear-dTCFp8.tmp_.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20191108T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20200301T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140637Z LAST-MODIFIED:20240417T140637Z UID:3596-1573171200-1583020800@www.museoman.it SUMMARY:Anna Marongiu DESCRIPTION:Da venerdì 8 novembre 2019 a domenica 1 marzo 2020 il Museo MAN di Nuoro presenta\, la prima retrospettiva museale di Anna Marongiu (Cagliari 1907 – Ostia 1941)\, curata da Luigi Fassi. \nLa mostra rappresenta un’importante tappa della ricerca del MAN sull’arte del Novecento sardo e italiano. \nIl percorso espositivo si sviluppa attorno tre cicli di illustrazioni dedicati a capolavori della letteratura realizzati da Marongiu tra il 1926 e il 1930: la serie completa delle tavole di Sogno di una notte di mezza estate di William Shakespeare (1930)\, le illustrazioni de I Promessi Sposi di Alessandro Manzoni (1926) e le tavole de Il Circolo Pickwick di Charles Dickens (1929). Quest’ultimo lavoro\, composto da 262 tavole realizzate a inchiostro e acquerello\, costituisce il cuore della retrospettiva: in prestito dal Charles Dickens Museum di Londra è oggi\, a novant’anni dalla sua realizzazione\, per la prima volta visibile in un museo. \nAnna Marongiu\, prematuramente scomparsa in un incidente aviatorio a Ostia\, è una delle figure più originali e al tempo stesso dimenticate della scena artistica sarda della prima metà del Novecento. Dopo gli studi a Roma e la frequentazione dell’Accademia Inglese nella capitale\, Marongiu intraprese un percorso artistico che ha attraversato con grande capacità di sperimentazione molteplici tecniche come il disegno\, la penna\, l’acquaforte\, l’olio\, il bulino. Il suo registro linguistico\, caratterizzato da una forte espressività del segno\, si muove tra l’umoristico e il drammatico\, il comico e il mitologico\, trovando originalità e vigore in tutte le tecniche da lei adoperate. L’esposizione dedicatale nel 1938 dalla Galleria Palladino di Cagliari fu una delle prime mostre personali di un’artista donna in Sardegna e contribuì all’ulteriore affermazione dell’artista sulla scena nazionale\, che nel 1940 parteciperà alla Mostra dell’incisione italiana moderna a Roma. \nLa mostra è arricchita da un breve film sull’artista\, realizzato da MAN e Film Commission Sardegna in collaborazione con il Charles Dickens Museum con la regia di Gemma Lynch. \nAccompagnerà la mostra un catalogo edito da Marsilio Editore. \n  \n  URL:https://www.museoman.it/event/anna-marongiu/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/AnnA-Marongiu-Il-circolo-Pickwick-Courtesy-Museo-Dickens-Londra-z3Zx3E.tmp_.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20191108T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20200112T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140538Z LAST-MODIFIED:20240422T100545Z UID:3580-1573171200-1578787200@www.museoman.it SUMMARY:L'ombra del mare sulla collina DESCRIPTION:Da venerdì 8 novembre 2019 a domenica 12 gennaio 2020\, il MAN di Nuoro presenta\, in parallelo con la retrospettiva di Anna Marongiu\, la mostra L’ombra del mare sulla collina\, una preziosa selezione di opere tratte dalla collezione permanente del museo\, a cura di Luigi Fassi ed Emanuela Manca. \nL’esposizione offre un’inedita lettura della collezione del MAN\, raccontando in modo nuovo più di un secolo di arte in Sardegna attraverso un variegato corpus di disegni\, pitture e sculture. Il percorso ricostruisce le vicende artistiche del Novecento sardo attraverso alcune delle opere più rappresentative della collezione e prosegue fino al presente instaurando uno stretto dialogo con diversi autori contemporanei. \nÈ un’opera di Mauro Manca a dare il titolo alla mostra\, scelta in ragione del netto spartiacque che essa segna tra le esperienze figurative e quelle astratte: unanimemente ritenuta il passaggio cruciale per l’apertura\, nel secondo dopoguerra\, degli orizzonti dell’arte moderna in Sardegna\, L’ombra del mare sulla collina dell’artista sassarese è lo snodo intorno a cui ruota l’intero progetto espositivo. \nLa mostra racconta l’eterogeneità della storia artistica sarda\, innesta tra loro mondi e stili diversi\, tradizioni e sperimentazioni\, e svela le nuove acquisizioni di Aldo Contini e Mario Paglietti.\n \nTra gli artisti in mostra si annoverano alcune delle figure chiave per l’elaborazione dei diversi canoni espressivi che hanno caratterizzato la scena artistica sarda dal Novecento a oggi: Edina Altara\, Antonio Ballero\, Alessandro Biggio\, Giuseppe Biasi\, Giovanni Campus\, Teodorico Cavallazzi\, Cristian Chironi\, Francesco Ciusa\, Giovanni Ciusa Romagna\, Aldo Contini\, Mario Delitala\, Francesca Devoto\, Salvatore Fancello\, Dino Fantini\, Gino Frogheri\, Vincenzo Grosso\, Caterina Lai\, Maria Lai\, Mauro Manca\, Melkiorre Melis\, Wanda Nazzari\, Costantino Nivola\, Mario Paglietti\, Bernardino Palazzi\, Rosanna Rossi\, Giacinto Satta\, Vincenzo Satta\, Tona Scano\, Antonio Secci.\n  \n  \n  URL:https://www.museoman.it/event/lombra-del-mare-sulla-collina/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:Focus Sardegna,MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/Mauro-Manca-Lombra-del-mare-sulla-collina-1957-olio-su-tela_-foto-Donato-Tore-Courtesy-MAN-LfPtLl.tmp_.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20190621T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20191027T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140640Z LAST-MODIFIED:20240417T140640Z UID:3597-1561075200-1572134400@www.museoman.it SUMMARY:Guido Guidi In Sardegna: 1974\, 2011 DESCRIPTION:Il MAN Museo d’Arte Provincia di Nuoro ospita\, da venerdì 21 giugno a domenica 20 ottobre 2019\, la prima grande mostra in un museo italiano dedicata a Guido Guidi (Cesena\, 1941)\, uno dei più significativi protagonisti della fotografia italiana del secondo dopoguerra. Guido Guidi – IN SARDEGNA: 1974\, 2011 è una mostra curata da Irina Zucca Alessandrelli e coprodotta dal MAN in collaborazione con ISRE\, Istituto Superiore Regionale Etnografico della Sardegna. La mostra presenta 232 fotografie inedite che testimoniano la relazione di Guido Guidi con il territorio sardo\, ripreso una prima volta nel 1974 e successivamente nel 2011\, anno di una importante committenza da parte dell’ISRE.L’esposizione costituisce a un tempo un racconto antropologico e paesaggistico dei cambiamenti occorsi nell’isola nel corso di quattro decenni e un percorso di ricerca sul medium della fotografia che pone in dialogo immagini in bianco e nero degli anni Settanta e opere a colori degli anni Duemila.Le opere esposte\, ristampate dall’artista in occasione della mostra\, sono documentate in un catalogo in tre volumi in cofanetto pubblicato da MACK Books\, editore londinese di fotografia contemporanea d’autore. URL:https://www.museoman.it/event/guido-guidi-in-sardegna-1974-2011/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/BN_8-YcYucZ.tmp_.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20190616T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20190707T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140334Z LAST-MODIFIED:20240422T094446Z UID:3574-1560643200-1562457600@www.museoman.it SUMMARY:Sweets of Sin - Le dolcezze del peccato DESCRIPTION:  \nGavoi\, Museo del Fiore Sardo \n  \nNell’ambito del Preludio del Festival Letterario “Isola delle Storie” \nOpening domenica 16 giugno 2019\, h. 19.00 \nFino al 7 luglio 2019 \n  \nIn occasione della 16esima edizione del “Festival Letterario Isola delle Storie” di Gavoi\, il MAN è lieto di presentare la mostra Sweets of Sin – Le dolcezze del peccato di Miroslaw Balka\, a cura di Luigi Fassi. \nUna delle figure più note della scena artistica europea e internazionale\, l’artista polacco Miroslaw Balka ha posto al centro del prorio lavoro temi storici e sociali in rapporto della memoria collettiva\, con una particolare attenzione alle vicende europee e ad eventi autobiografici. Le sue opere indagano il ruolo della figura umana mediante sculture e create con materiali comuni che ne evocano la presenza in forma simbolica\, rappresentando stanze\, fontane\, letti\, sedute.    \nNell’opera scultorea del 2004 intitolata 250 x 280 x 120 (Sweets of Sin) – una fontana di whiskey –  Balka mette in scena una riflessione sulla figura di James Joyce (1882-1941)\, rivoluzionario scrittore irlandese del XX secolo\, con il quale l’artista polacco si è a lungo confrontato negli anni\, alla ricerca delle ragioni del reciproco fare artistico e di somiglianze biografiche\, quali ad esempio una matrice culturale segnata per entrambi da un’educazione fortemente cattolica. \nNella sua capacità di unire tra loro elementi alti (il fluire del liquido come immagine del flusso di coscienza\, tecnica narrativa principale della letteratura di Joyce) e bassi (il corpo\, il suo stordimento alcolico e le sue secrezioni)\, 250 x 280 x 120 (Sweets of Sin) commenta e interpreta l’opera di Joyce mediante una sua evocazione sovversiva\, umoristica e quasi astratta. Miroslaw Balka ha creato con quest’opera un omaggio non solo all’immortale figura letteraria di Joyce ma anche ai paradossi dell’esistenza\, alle cadute e alle rinascite che caratterizzano la vita di ogni ciascuno nel mondo\, affidando così all’arte un messaggio di empatia e redenzione universale. URL:https://www.museoman.it/event/sweets-of-sin-le-dolcezze-del-peccato/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:Extramuros,MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/MG_2573-H1yTXg.tmp_.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20190315T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20190609T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140652Z LAST-MODIFIED:20240417T140652Z UID:3600-1552608000-1560038400@www.museoman.it SUMMARY:Allori senza fronde DESCRIPTION:  \nA cura di Aberto Salvadori e Luigi Fassi \nIn due intensi decenni di mostre e progetti artistici\, il punto di forza del MAN è stato quello di aver saputo proporre al proprio pubblico un programma espositivo variegato\, imprevedibile e sempre mutevole. Se l’attenzione alla ricerca artistica contemporanea rimane uno snodo centrale dell’attività dell’istituzione\, il MAN negli anni ha tuttavia indagato con attenzione e originalità i percorsi e gli sviluppi dell’arte moderna occidentale. L’intenzione del museo è infatti accompagnare i visitatori in un viaggio di conoscenza dove emerga con forza la continuità che lega tra loro le diverse esperienze artistiche succedutesi nei secoli che hanno scritto la storia dell’arte moderna e contemporanea. \nAllori senza fronde presenta per la prima volta al pubblico italiano un affascinante esplorazione del laboratorio artistico di Pierre Puvis de Chavannes\, artista protagonista dell’arte francese tra Otto e Novecento e la cui attività ha influenzato con forza lo sviluppo artistico delle generazioni che lo hanno seguito\, come testimonia la continua ammirazione tributatagli da Paul Cézanne\, Paul Gauguin\, Vincent Van Gogh\, George Seurat e Henry Matisse. \nComposta da prestiti provenienti da collezioni private e pubbliche\, la mostra presenta una selezione di opere su carta e dipinti di un artista fondamentale della fine del XIX secolo. \nPierre Puvis de Chavannes nacque a Lione\, in Francia\, nel 1824\, il più giovane di quattro figli di una famiglia discendente dalla nobiltà della Borgogna. Interrotti gli studi in ingegneria in seguito alla morte della madre e a una lunga malattia\, Puvis trascorse un lungo soggiorno in Italia per ritrovare la salute. \nQuest’esperienza italiana\, assieme all’incontro con le opere di Giotto e Piero della Francesca\, ebbe una profonda impressione su Puvis\, che decise di dedicarsi interamente all’arte dopo il suo ritorno a Parigi nel 1848. Puvis cominciò a lavorare negli studi di Henri Scheffer\, Eugène Delacroix e Thomas Couture\, rifuggendo la formazione artistica convenzionale e dipingendo da solo nel suo studio. Il suo interesse per i grandi temi eroici e l’immaginario classico portò Puvis a intraprendere la pittura murale\, considerata a quel tempo la suprema ambizione per tutti i pittori realisti più ambiziosi. \nDurante la sua carriera di quattro decenni\, Puvis cercò costantemente di perfezionare un’estetica classica e altamente decorativa. L’artista francese sviluppò un’originale palette di tonalità opache e sbiancate\, dipinte in modo da infondere alle sue figure solidità e carattere. La sua padronanza emerge in composizioni finemente calibrate che accrescono ulteriormente il suo realismo etereo e prestano alle sue figure una solitudine essenziale. Svincolato da movimenti e categorie condivise\, Puvis\, come emerge dalla mostra\, si muove tra simbolismo e verismo\, disegni e olii su tela\, schizzi e bozzetti\, alla ricerca di un riscatto della dignità umana che affonda le sue radici nella cultura umanistica del Rinascimento italiano. È proprio a partire da quello straordinario capitolo della storia italiana che meglio si può comprendere l’opera di Puvis de Chavannes\, un artista che ci invita a guardare al nostro tempo attraverso il filtro della lenta sedimentazione della cultura nei secoli. \nLa mostra è accompagnata da un catalogo edito da Marsilio con testi di Louise D’Argencourt (storica dell’arte\, ex curatrice National Gallery of Canada\, Ottawa)\, Bertrand Puvis de Chavannes (storico dell’arte\, presidente del Comité Puvis de Chavannes) e dei curatori. \n  URL:https://www.museoman.it/event/allori-senza-fronde/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/PC-5-Etude-pour-Vision-Antique-0zgS9Z.tmp_-scaled.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20190315T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20190609T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140649Z LAST-MODIFIED:20240417T140649Z UID:3599-1552608000-1560038400@www.museoman.it SUMMARY:Personnages DESCRIPTION:  \na cura di Luigi Fassi  \n“Personnages” è la prima retrospettiva museale dedicata all’ artista franco – palestinese Maliheh Afnan (Haifa\, 1935 – Londra\, 2016). Figura ancora poco noto al pubblico dell’arte\, in cinque decenni di intensa attività Afnan è stata diasporica testimone degli sconvolgimenti e dei destini che hanno caratterizzato il mondo del Medioriente mediterraneo. \nIl titolo della mostra prende ispirazione dalla un’evocativa serie di disegni\, Personnages\, realizzati nel corso di diversi anni ed eseguiti da Afnan in tecnica mista\, in cui compaiono una successione di volti e di figure umane. \nLe rappresentazioni all’interno delle opere simulano una folla di presenze fantasmatiche attraverso cui l’artista restituisce frammenti della propria esperienza nel travagliato percorso degli eventi mediorientali novecenteschi. Ogni opera racconta un volto\, una possibile memoria e una storia dimenticata\, alludendo allo sradicamento dalla propria cultura e identità come dimensione non solo storica ma anche esistenziale del destino umano.  \nIl percorso espositivo presentato al MAN è caratterizzato da una serie di lavori dal carattere enigmatico eseguiti dall’artista su tipologie di supporti diversi e mediante differenti tecniche tra cui velature\, combustioni e rilievi in gesso. \nIn mostra sono inoltre presenti anche due opere degli anni settanta\, cartoni soggetti a un processo di combustione che allud al coevo dramma della Guerra civile in Libano\, e un’installazione\, costruita servendosi di antichi libri Bahá’í\, culto religioso fondata da Bahá’u’lláh nel XIX secolo e alveo culturale di appartenenza della famiglia di Afnan. \nConclude il percorso una vetrina che presenta una selezione di sketch e disegni in piccolo formato. \nDa questi bozzetti emerge un aspetto che percorre sottotraccia tutto il lavoro dell’artista\, la percezione del tragico come indissolubile dalla dimensione dello humour e dell’ironia. \nNata in Palestina da genitori persiani di tradizione religiosa Bahá’í\, Afnan ha trascorso un’esistenza diasporica\, dalle sponde mediterranee della Palestina e del Libano agli Stati Uniti\, dal Kuwait alla Francia e all’Inghilterra. \nSono proprio gli avvenimenti storici e sociali dagli anni quaranta in poi in Medio Oriente a caratterizzare il percorso artistico dell’artista\, testimone degli eventi traumatici di quei decenni\, come le devastazioni della Guerra civile in Libano. \nL’intero progetto è accompagnato da un catalogo monografico edito da Arkadia di Cagliari\, con testi di Sussan Babaie (docente di storia dell’arte dell’Iran e dell’Islam presso il Courtauld Institute of Art di Londra)\, Rose Issa (storica dell’arte mediorientale\, Londra) e Luigi Fassi. \n  URL:https://www.museoman.it/event/personnages/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/thescribe-afnan-xkxpFz.tmp_-scaled.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20190315T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20190609T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140601Z LAST-MODIFIED:20240422T100543Z UID:3582-1552608000-1560038400@www.museoman.it SUMMARY:Il segno e l’idea DESCRIPTION:  \nA cura di Emanuela Manca e Luigi Fassi  \nIn sintonia con l’intero progetto curatoriale e le tematiche affrontate con “Personnages” e “Allori senza fronde” il MAN propone circa venti opere appartenenti alla collezione permanente del museo tra cui disegni\, sculture e dipinti. \nTra gli artisti in mostra\, Antonio Ballero\, Giuseppe Biasi\, Salvatore Fancello\, Francesco Ciusa\, Francesca Devoto\, Bernardino Palazzi e Giacinto Satta\, figure chiave per l’elaborazione di nuovi canoni espressivi nella scena artistica sarda. \nIl corpus espositivo è una straordinaria occasione per vedere non solo opere finite ma anche bozzetti e studi anatomici\, che rivelano al contempo l’attenzione verso i classici – rielaborandone il pensiero alla luce della propria cultura – e l’indagine sulla fisiognomica che impegna la scienza di fine Ottocento influenzando profondamente la storia culturale della Sardegna. \nNelle opere è la rappresentazione della figura umana nella sua dimensione simbolica a prevalere\, tra dettagli di volti e volumetrie di corpi\, sempre in stretto rapporto con il mondo della Sardegna del XX secolo e la cultura mediterranea insulare.  URL:https://www.museoman.it/event/il-segno-e-lidea/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:Focus Sardegna,MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/Corriga-Antonio-Bambina-di-Desulo-con-cuffietta-1962-HxuAa7.tmp_-scaled.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20181109T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20190303T000000 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Africa e scrive a un amico ormai lontano nelle latitudini europee. La solitudine emotiva del dislocamento geografico\, lo sfruttamento dei territori\, e il rapporto tra ciò che viene classificato come sud e ciò che è definito nord\, sono le tematiche che trapelano da questi lavori.  La mostra vuole portare alla luce la difficile situazione identitaria nell’Africa occidentale contemporanea\, divisa tra le conseguenze della guerra fredda\, la migrazione del popolo e l’ascesa di una occupazione economica guidata dalla Cina.  \nGbré ha sviluppato un diario di appunti fotografici sui paesaggi del territorio interno dell’isola\, seguendo le tracce di edifici dismessi\, antichi insediamenti industriali\, siti archeologici\, infrastrutture abbandonate e scenari naturali circostanti. Oggetto di indagine\, infatti\, sono le strutture civiche e l’architettura pubblica (piscine\, stadi sportivi) e luoghi storici come monumenti e elementi decorativi (murales) osservati come simboli futuristici del progresso e allo stesso tempo luoghi di esclusione e selezione sociale. \nIl viaggio dell’artista in Sardegna si trasforma in un percorso culturale e sociale seguendo le tracce stratificate di insediamenti e memorie\, identità d’oltremare di epoca coloniale\, vittorie e sconfitte. \nIn mostra è presente anche un’antica carta geografica settecentesca che rivela l’immagine di “un’altra Sardegna” dove i consueti codici cartografici sono irriconoscibili. Se nelle immagini di Gbré l’Africa non si distingue più dall’Europa e il Mali dalla Sardegna è perchè il mondo del Mediterraneo insulare\, immerso in una falda di storia lenta come ha scritto lo storico Fernand Braudel\, omette le prospettive e sommerge il presente con l’enigma della propria storia\, tra incroci e ibridazioni\, lingue e paesaggi\, lutti e rinascite. Osservata dall’Africa\, la Sardegna che Gbré racconta è così un universo sfuggente e inafferrabile\, in cui altre culture\, altri popoli e altri mondi hanno precedentemente coabitato. \nLa ricerca di François-Xavier Gbré è un’investigazione fotografica della modernità africana\, un’ininterrotta osservazione di luoghi rurali e scenari urbani che contribuisce a ripensare la storia recente del continente attraverso uno strumento di confessione intimo e privato.  \nSi ringraziano gli enti che sostengono l’attività del MAN: Regione Sardegna\, Provincia di Nuoro\, Fondazione di Sardegna. URL:https://www.museoman.it/event/sogno-doltremare/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/18-10-Sardegna-56-2-T0TUqm.tmp_.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20181109T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20190303T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140657Z LAST-MODIFIED:20240417T140657Z UID:3602-1541721600-1551571200@www.museoman.it SUMMARY:O Youth and Beauty! DESCRIPTION:  \na cura di Luigi Fassi \ndal 9 novembre 2018 al 3 marzo 2019 \n“O Youth and Beauty!” prende titolo dall’omonimo racconto di John Cheever\, in cui lo scrittore americano crea una rappresentazione della quotidianità sospesa tra bellezza e rimpianto\, e dove l’ambientazione tra i sobborghi e le aree suburbane delinea l’immagine del conformismo americano post bellico. Allo stesso modo le opere di Anna Bjerger (Svezia 1973)\, Louis Fratino (Stati Uniti 1994) e Waldemar Zimbelmann (Kazakistan 1984)\, accomunate da un uso intimistico della pittura figurative\, tentano di delineare un ritratto dell’identità culturale di questi autori attraverso una stratificazione di elementi realistici e finzione. Frammenti di quotidianità\, mediante l’utilizzo della pittura figurativa\, divengono lo strumento per dare forma al proprio vissuto in cui dominano le tonalità della malinconia e di un’identità culturale che appare incerta e sfuggente. \nI dipinti di Anna Bjerger si rifanno reciprocamente a fotografie che ritraggono personaggi anonimi per tracciare figure indefinibili in scenari non determinati. I soggetti\, colti un attimo prima di rivelare la propria identità\, vengono rappresentati tra ambienti domestici e paesaggi naturali; l’artista non fornisce ulteriori indizi narrativi e la contrazione delle scene rimane irrisolta\, tra tagli di prospettive\, dettagli in primo piano e sfocature lontane. \nLouis Fratino autore di un raffinato corpus di opere ispirate alla storia dell’arte classica e moderna\, attraverso il medium del disegno e dell’olio su tela\, compone un inno alla quotidianità. Giovani uomini rappresentati in tranquille scene di vita\, ma anche amanti avvolti nella passione sono i protagonisti delle raffigurazioni\, dove il registro meditativo si alterna a quello melanconico\, passando dalla solitudine all’euforia della socialità. Le sue opere si mostrano come un omaggio agli amici\, al desiderio e al rimpianto di momenti fugaci della vita metropolitana. \nSoggetti animati come animali\, bambini\, figure femminili sovrapposti a paesaggi naturali e interni domestici caratterizzano le illustrazioni di ispirazione anni Sessanta e Settanta di Waldemar Zimbelmann. I personaggi raffiguranti rivelano le influenze culturali che caratterizzano la vita dell’artista\, nato in una regione rurale del Kazakistan da una famiglia della minoranza tedesca e successivamente riemigrata in Germania negli anni della sua infanzia. Zimbelmann fornisce alle sue opere un duplice approccio: \nletterario\, poichè sembrano ispirate a un’iconografia non lontana dalla dimensione del mito e della fiaba; materico\, attraverso l’utilizzo e l’introduzione di materiali riciclati che interagiscono\, tramite un sentimento di percezione tattile della materia\, con lo spettatore.  \nLa mostra individua nel confronto tra tre diverse espressioni pittoriche figurative un’ipotesi di racconto\, trasfigurando gesti e situazioni in una soffusa\, inquieta malinconia. \nSi ringraziano gli enti che sostengono l’attività del MAN: Regione Sardegna\, Provincia di Nuoro\, Fondazione di Sardegna. URL:https://www.museoman.it/event/o-youth-and-beauty/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/Anna-Bjerger_Louis-Fratino_Waldemar-Zimbelmann-h2mzxE.tmp_.jpg END:VEVENT BEGIN:VEVENT DTSTART;TZID=Europe/Rome:20181109T000000 DTEND;TZID=Europe/Rome:20190303T000000 DTSTAMP:20260610T103854 CREATED:20240417T140654Z LAST-MODIFIED:20240417T140654Z UID:3601-1541721600-1551571200@www.museoman.it SUMMARY:Sabir DESCRIPTION:  \na cura di Luigi Fassi \ndal 9 novembre 2018 al 3 marzo 2019 \nIl percorso espositivo immaginato da Dor Guez con “Sabir”\, comprende una collezione di documenti d’archivio\, due lavori video e una nuova installazione sonora\, prodotta e commissionata per l’occasione dal MAN. \nL’artista attiva una riflessione di ampio raggio sul senso di appartenenza a una comunità\, in rapporto alla grande storia e ai suoi stravolgimenti: cresciuto in Israele in una famiglia in cui s’intrecciano elementi cristiani\, arabi\, ebraici e palestinesi\, Guez appartiene a una minoranza nella minoranza nello stato di Israele\, quella della comunità palestinese di fede cristiana. Ed è a partire da qui che l’artista offre il proprio sguardo sul Mediterraneo\, proposto nelle sale del museo Man. \nLa mostra prende il nome dal titolo di uno dei due video presentati\, “Sabir”: termine arabo\, dalla radice latina della parola sapere. Si riferisce a un linguaggio spurio\, condiviso da popoli con lingue diverse\, fatto di reinvenzioni per trovare una forma di comunicazione comune. Il video inizia con il primo piano del tramonto che scende sulle spiagge di Jaffa in Israele ed è accompagnato dalla voce di Samira\, nonna dell’artista\, che dipana il racconto della sua vita. Senza mostrare la protagonista\, e alternando l’Arabo all’Ebraico\, il monologo si articola dal racconto felice di un’infanzia mediterranea a Jaffa\, passando per le violente espulsioni israeliane del ’48\, alla dispersione di una famiglia nei Paesi mediorientali e poi in Europa per arrivare all’istituzione della nuova società israeliana. \nIl titolo del secondo video in mostra riprende il nome della protagonista “Sa(mira)” (2009)\, voce narrante dell’opera\, che racconta questa volta il conflitto interiore e sociale di una vita con doppia identità in Israele\, come cittadina israeliana di origine araba. \nIl percorso espositivo immaginato dall’artista continua con una preziosa istallazione sonora ambientale\, Two Lines and a Yard\, prodotta dal MAN appositamente per la mostra. Qui l’artista frammenta e distorce il rumore delle onde del mare che si infrangono a Jaffa assieme alla registrazione audio dell’abbattimento della casa della famiglia di sua nonna a opera delle autorità israeliane. Distruzione morte e rinascita si alternano nella traccia sonora\, evidenziando un percorso simbolico che racchiude in sè il senso dell’intera mostra.   \nConclude il percorso “The Christian Palestinian Archive”(CPA)\, work in progress che riunisce documenti e fotografie che testimoniano la storia e la vita della comunità cristiano-palestinese dalla prima metà del XX secolo all’esodo forzato successivo alla fondazione dello stato di Israele. Il CPA è stato creato dall’artista nel 2009 ed è costituito da migliaia di immagini raccolte mediante il coinvolgimento diretto di alcune famiglie che hanno vissuto la diaspora cristiano-palestinese. Mediante un processo di riproduzione Guez rivitalizza le fotografie rendendole scanogrammi\, immagini analogiche ottenute eseguendo una scansione che le trasforma in nuovi e unici documenti visivi. \nGli “Scanograms” si impongono come una riflessione sul rapporto tra qualità estetiche e culturali dei documenti storici e sul valore civico della testimonianza ai fini della costruzione di una storia condivisa. \nPer questa mostra Guez presenta “Scanogram # 1 and Scanogram # 2” (2010)\, due capitoli dell’archivio che presentano un’ampia quantità di immagini datate 1938-1958\, raffiguranti una donna\, Samira (nonna dell’artista) e la sua famiglia. \nLa ricerca artistica che caratterizza le opere di Guez manifesta\, attraverso molteplici e differenti modalità e forme di rappresentazione\, il rapporto tra l’identità personale\, la memoria e la continuità del passato negli eventi del presente con l’obiettivo di ripercorrere la complessità della storia israeliana. Momenti intimi e personali servono a ricostruire una vicenda collettiva restituendo voce e testimonianza agli accadimenti politici e sociali che hanno interessato il popolo palestinese e israeliano. \nSi ringraziano gli enti che sostengono l’attività del MAN: Regione Sardegna\, Provincia di Nuoro\, Fondazione di Sardegna. \nLa mostra è supportata da  Artis Grant Program \n  URL:https://www.museoman.it/event/sabir/ LOCATION:MAN\, Via Sebastiano Satta 27\, Nuoro\, NU\, 08100\, Italia CATEGORIES:MAN ATTACH;FMTTYPE=image/jpeg:https://www.museoman.it/wp-content/uploads/2024/04/Dor-Guez_Samira-Lod-Ghetto-1948-Courtesy-the-artist-and-Dvir-Gallery-Tel-AVIV___-a4put0.tmp_.jpg END:VEVENT END:VCALENDAR