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SUMMARY:(IN)VISIBILE (IN)CORPOREO
DESCRIPTION:(IN)VISIBILE (IN)CORPOREO ha l’ambizione di tracciare una mappa\, per quanto parziale\, ma non meno pertinente\, dell’area operativa più recente in cui si manifestano le concezioni parallele e integrate dell’invisibile nel visibile e dell’incorporeo nel corporeo. Il progetto mira a presentare una varietà di approcci e di esiti molto diversificati tra loro\, in un percorso e in un racconto per opere che su queste assunzioni iniziali\, la presenza dell’invisibile nel visibile e l’evidenza dell’incorporeo nel corporeo\, così come la tensione del visibile verso l’invisibile e del corporeo verso l’incorporeo\, sono in varia maniera impostate. Se gli strumenti non possono essere che quelli dell’arte\, nel caso specifico di una manifestazione artistica\, i due assiomi oppositivi e interconnessi si estendono oltre l’ambito strettamente artistico per collocarsi in un’area di interesse più vasta che abbraccia il senso stesso della cultura nell’epoca che stiamo vivendo. \nL’incipit del percorso/racconto è dato da una splendida ed emblematica Cosmogonie di Yves Klein (Nizza 1928 – Parigi 1962)\, in cui l’impronta di un corpo è restituita nel pigmento blu\, cifra essenziale di tutta la sua opera. È di fatto l’artista francese a sollevare in modo perentorio il problema di un’arte immateriale. Se questo è l’inizio\, successivamente il percorso si snoda in fasi ed episodi molteplici e lontani da quella affermazione originaria. Sensualità estetica e culto della bellezza elevano corpi e figure nell’immaterialità sia pure illusoria delle loro apparizioni nell’opera di Ettore Spalletti (Cappelle sul Tavo 1940\, vive a Spoltore). Parallelamente\, e nella stessa temperie culturale che aveva caratterizzato gli Anni Ottanta\, si accende il richiamo a una spiritualità che si manifesta altrettanto ingannevolmente nelle materie e nelle costruzioni di Anish Kapoor (Bombay 1954\, vive a Londra). \nLa tensione di un desiderio senza nome\, come una passione senza oggetto che non sia meno della totalità di senso della vita e dell’essere\, trasfigura l’opera di Marisa Merz (vive a Milano e Torino) in indice e annuncio di un qualcosa che supera la trivialità di ogni apparenza. L’annullamento dell’immagine nell’opera di Hiroshi Sugimoto (Tokyo 1948\, vive a New York e Tokyo) fa sì che lo sguardo torni su se stesso e sulla propria solitudine. \nIl segno/gesto che marca il vuoto nella pittura di Lee U Fan (Gyeongnam\, Corea\, 1936\, vive a Kamakura)\, così come il dissolversi della forma nella scultura di Medardo Rosso (Torino 1858 – Milano 1928)  accostati oltre il tempo in cui hanno fatto la loro comparsa le rispettive opere che indicano la continua emersione dell’invisibile nel visibile e dell’incorporeo nel corporeo. Addo Lodovico Trinci (Pistoia 1956\, vive a Pistoia)\, che segna secondo i principi della dottrina cinese del Feng Shui le polarità dell’energia dell’universo\, e Salis-Vitangeli (Giovanna Salis\, Sassari 1970\, Massimo Vitangeli\, Perugia 1950\, vivono a Polverigi)\, che nella loro rappresentazione di un ambiente sacro fanno trascorrere come ombre fatue delle figure umane\, rendono visibile quel che resta invisibile e sottraggono ai corpi la loro potenzialità  di rappresentazione. \nIl cinema di Mark Lewis (Hamilton\, Ontario\, 1957\, vive a Londra) nella propria evidenza filmica esibisce quel che non appare non sottraendo nulla a quel che è visibile. Gli interventi di Koo Jeong-a (Seoul\, 1967\, vive a Parigi) sono sempre site specific e rivelano\, pur nella discrezione della loro costruzione\, un’essenza sottile che trafigge corpi\, sostanze e figure\, come un filo di brezza che si leva e penetra nella giornata più calda\, facendo riemergere il nascosto e il sopito. \nGiovanni Ozzola (Firenze 1982\, vive a Firenze) opera nelle sue fotografie e nei suoi video su una sostanza aurorale dove cose\, sentimenti e forme vengono in superficie dall’invisibilità  che le avvolge e si convertono in forme diafane o in massicce apparizioni in cui qualcosa viene occultato o rimosso. Il video di Sabrina Mezzaqui (Bologna 1964\, vive a Marzabotto) è di pari evidenza e non concede alcun accesso se non come mobile cortina che blocca ogni ulteriore visione possibile. Giandomenico Sozzi (Solaro 1960\, vive a Milano e Noto) presenta un percorso di monocromi che si apre con foto trovate e si conclude in una mini scultura di assoluta sacralità \, che non racconta nient’altro che la propria imperscrutabile storia.\nE’ del filmmaker Francesco Dal Bosco (Trento 1952\, vive a Trento) uno spassionato apologo sulla cecità : due momenti di silenzio che sospendono la parola. \nRobert Vincent (entità di lavoro formatasi nel 2004) propone un ambiente abbacinante intorno a un oggetto di elaborate e successive costruzioni\, che è indice di un’assenza fondamentale. Davide Rivalta (Bologna 1974\, vive a Bologna) recupera con il disegnare sul muro la più antica tecnica di rappresentazione della storia e la destina alla raffigurazione di animali\, come nelle caverne dell’origine dell’arte\, non più oggetto di caccia per il sostentamento\, ma creature a noi prossime e ormai dimenticate se non come sostanze nutritive senza identità \, strumenti di laboratorio e di spettacolo\, paria della vita sulla terra. Anche Giuseppe Caccavale (Afragola 1960\, vive a Bari e Marsiglia) recupera antichi modi della cultura mediterranea\, che attraverso la decorazione e le simbologie desuete esprimono il senso del mistero e l’aspirazione alla bellezza.\nLa mostra termina con le immagini cosmiche di Rotraut (Uecker Klein-Moquay) a cui fa da pendant le petit prince rustico di Pastorello (Sassari 1967\, vive a Sassari)\, figura di fantasia\, personificazione di un’eterna infanzia\, che tocca con il pennello della pittura una stella. \nSe la mostra dentro il museo qui si conclude\, continua oltre le mura di quello e oltre l’evento della sua inaugurazione\, nel contesto della città  e del suo territorio con interventi segreti (Pawel Althamer\, Varsavia 1967\, vive nel quartiere di Brodno della stessa città ) e occasionali (Piotr Uklanski\, Varsavia 1968\, vive a Parigi) per concludersi nello spettacolo effimero e conclusivo di Cai Guo Qiang (Quangzhou\, provincia di Fujian\, Cina\, 1957\, vive a New York). Se è così\, è perchè ben si addice a ciò che resta invisibile nel visibile e a ciò che di incorporeo prende corpo in corso d’opera. \nA cura di Pier Luigi Tazzi\, critico e curatore indipendente \nGli artisti _ Intra moenia: Yves Klein\, Ettore Spalletti\, Anish Kapoor\, Marisa Merz\, Hiroshi Sugimoto\, Lee U Fan\, Medardo Rosso\, Addo Lodovico Trinci\, Salis-Vitangeli\, Mark Lewis\, Koo Jeong-a\, Giovanni Ozzola\, Sabrina Mezzaqui\, Giandomenico Sozzi\, Francesco Dal Bosco\, Robert Vincent\, Davide Rivalta\, Giuseppe Caccavale\, Rotraut\, Pastorello. Extra moenia: Cai Guo Qiang\, Pawel Althamer\, Piotr Uklanski.
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SUMMARY:'50 '60
DESCRIPTION:Il MAN presenta un evento straordinario\, unico e irripetibile. Infatti\, i quaranta capolavori che costituiscono questa mostra\, appartenenti alle collezioni della Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma\, sono di norma esposte al pubblico del Museo romano nel settore del secondo Novecento della Galleria e ne costituiscono uno dei nuclei più importanti. \nEsse offrono\, infatti\, un’eccezionale testimonianza delle espressioni artistiche che hanno caratterizzato la cultura italiana degli anni Cinquanta e Sessanta\, quando\, ormai superata in nome di un nuovo astrattismo la contrapposizione tra figurazione – realismo e astrazione – cuboespressionismo\, le poetiche figurative incarnano il desiderio di creare un nuovo linguaggio completamente svincolato dalla tradizione\, libero di esprimere la realtà del segno\, la realtà del gesto\, la realtà della materia. \nIl termine “informale”\, utilizzato dalla critica per quasi tutti gli artisti che qui figurano\, e in realtà calzante solo per alcuni di essi\, sta tuttavia a indicare la distanza ormai presa anche dai non proprio giovani rispetto alla forma artistica comunemente intesa. Forma che comprende spazio\, linea\, colore e l’approdo a linguaggi personali\, privati\, in cui le più profonde necessità dello spirito e dell’intelletto ricercano il medium espressivo più immediato in materie nuove o nuovamente intese: nascono così i buchi e poi i tagli di Fontana\, i sacchi\, i ferri e le plastiche di Burri\, gli assemblaggi di elementi metallici di Colla\, la sigla a “forchetta” di Capogrossi\, l’azione dipinta di Vedova\, tanto per citare solo alcuni dei nomi più noti. Si tratta dei frutti di un’intensa stagione di esperienze e di dibattiti critici che vede coinvolti non solo gli artisti qui presenti\, ma anche una critica militante appassionata come Lionello Venturi\, Nello Ponente\, Emilio Villa\, Giovanni Testori e altri. \nL’arte italiana\, mossa da una reale esigenza di rottura con il passato e volta alla conquista di un nuovo e diversificato universo di rappresentazione\, arriva a dar vita a uno dei periodi migliori e meno provinciali\, rispetto all’Europa e agli Stati Uniti d’America\, della cultura artistica della seconda metà del XX secolo. Più che una mostra\, questa esposizione si potrebbe definire una fetta di Museo messa a disposizione di un altro Museo pubblico\, che una straordinaria circostanza\, come l’ospitalità che quest’anno la Galleria Nazionale dà alla XIV edizione della Quadriennale di Roma\, ha reso possibile. \nQuesta è un’operazione culturale di grande rilievo per la Galleria Nazionale\, che riesce in tal modo\, con la piena collaborazione del MAN di Nuoro\, a far conoscere anche “fuori le mura”\, e secondo una modalità  che ha ormai una tradizione consolidata\, porzioni del patrimonio di opere d’arte che essa tutela e gestisce a nome dello Stato e che per questo appartiene a tutti. \nLa mostra\, concessa con entusiasmo dalla Soprintendente alla Galleria Nazionale Maria Vittoria Marini Clarelli\, è curata da Mariastella Margozzi con Maura Picciau. Il catalogo contiene saggi introduttivi delle curatrici sul periodo storico presentato\, sui movimenti e gli artisti\, sulla storia delle opere e degli autori intrecciatasi con le vicende della Galleria Nazionale. \nGli artisti: Carla Accardi\, Afro\, Alberto Burri\, Giuseppe Capogrossi\, Ettore Colla\, Pietro Consagra\, Piero Dorazio\, Lucio Fontana\, Gastone Novelli\, Achille Perilli\, Arnaldo Pomodoro\, Antonio Sanfilippo\, Toti Scialoja\, Tancredi (Parmeggiani)\, Giulio Turcato\, Cy Twombly\, Emilio Vedova. \n  \nA cura di Mariastella Margozzi con Maura Picciau.
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SUMMARY:Dna: Dal novecento ad oggi
DESCRIPTION:La mostra e il catalogo DNA: Dal novecento ad oggi. La collezione del MAN sono la fotografia non solo della nostra collezione ma anche del museo come istituzione\, una delle testimonianze più importanti della sua crescita\, della sua evoluzione e del suo costante lavoro. Dimostra che crediamo che una delle missioni del museo sia di ricercare\, acquisire\, conservare ed esporre le opere della propria raccolta\, un lavoro complesso e difficile\, fatto di accelerazioni\, stasi e nuovi slanci che definiscono un percorso perpetuo iniziato nel 1999 con le nostre prime centotrenta opere\, nucleo iniziale della collezione al momento dell’apertura del museo. Nel frattempo abbiamo cercato di colmare le lacune\, arricchendo con acquisti\, donazioni e comodati una raccolta che illustriamo oggi nella sua totalità\, facendo il punto\, descrivendo il qui e ora perché una collezione è sempre in evoluzione\, sempre in crescita per diventare più ricca e importante\, anche per questo abbiamo pensato a una nuova definizione\, non più Un percorso dell’arte in Sardegna nel XX secolo ma Dal Novecento Ad oggi. La Collezione del MAN\, con un acronimo DNA\, che ci sembra una splendida sintesi di quello che rappresenta: le nostre radici\, la nostra essenza e il nostro futuro\, ciò che ci rende unici\, differenti\, speciali\, la nostra mappa genetica dove si trovano in nuce le potenzialità dell’avvenire. Il futuro ci chiede di preparargli la strada\, e noi prepariamo nuove mostre coltivando con abnegazione i visitatori di domani attraverso un sempre più accurato e incisivo dipartimento Educazione e sezione Didattica\, con il preciso intento di azzerare le distanze tra le persone e il museo. \nLa mostra ha visto l’esposizione\, in una nuova veste allestitiva\, di oltre 200 opere attraverso un percorso cronologico ricco di spunti tematici (le donne\, il paesaggio\, la natura morta)\, piccoli camei dedicati a singoli artisti (Biasi\, Ballero\, Ciusa\, Delitala\, Nivola\, Pintori\, per citarne alcuni)\, la più grande raccolta pubblica di disegni di Salvatore Fancello\, fino a Antonio Secci\, Gino Frogheri\, Rosanna Rossi\, Maria Lai e altri.
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SUMMARY:Italia Quotidiana
DESCRIPTION:La mostra ”Italia Quotidiana” si compone di sessantacinque opere\, tra dipinti (45) e sculture (20)\, appartenenti alle collezioni della Galleria Nazionale d’Arte Moderna; esse non fanno parte del percorso espositivo riordinato recentemente\, ma si conservano da anni\, a volte da decenni\, nei suoi Depositi. Si tratta di un’esposizione di eccezionale valore\, che porta a conoscenza del grande pubblico opere di artisti italiani importanti e significativi\, che per motivi sia di spazio sia di reiterazione delle tematiche non hanno trovato posto nelle sale dell’edificio di viale delle Belle Arti.  \nRealizzate da oltre quaranta artisti\, esse si collocano cronologicamente in un arco temporale che va dagli anni Venti agli anni Quaranta inoltrati ed evidenziano il percorso dell’arte italiana dal momento di rielaborazione di temi e cifre stilistiche di derivazione classica al periodo di maturazione del linguaggio figurativo ”moderno” degli anni Trenta\, spesso identificatosi con i canoni estetici del Novecento\, giungendo al contrasto più o meno evidente con questi e quindi all’apertura verso altre ricerche\, volte all’espressività del contenuto e della forma.  \nLa pittura è presentata per sezioni e tipologie quali La Natura Morta\, La Figura\, Il Paesaggio e Il Ritratto. Il filo conduttore è il sentimento del quotidiano nel panorama artistico del periodo che emerge dalla scelta di opere antiretoriche e antieroiche che interpretano\, in tutte le sfaccettature dell’ambiente artistico dagli anni Venti alla fine degli anni Quaranta\, la vita e la realtà dell’Italia dell’epoca.  \nL’ultima sezione dedicata alla Scultura come realtà e come trasformazione\, presenta una serie di opere davvero straordinarie e poco conosciute che ripercorrono le fasi salienti dell’arte del periodo tra ritorno all’ordine\, forme manieriste\, novecentismo e antinovecentismo.  \nDa Giacomo Balla a Filippo De Pisis\, da Libero Andreotti a Nino Franchina passando a Giorgio de Chirico\, Mario Mafai\, Pericle Fazzini\, Giacomo Manzù\, Marino Mazzacurati\, Fausto Pirandello e Antonietta Raphaël Mafai attraverso queste opere si snoda la storia della cultura figurativa di un’epoca che ha voluto ritrarre la vita e la realtà di tutti i giorni con attenzione e garbo\, registrando quei valori familiari e sociali di dedizione e sentimento che si ritenevano parte integrante dell’italianità di quel periodo.  \nTale panoramica\, inoltre\, offre l’occasione per riflettere sulle motivazioni e le modalità di acquisizione delle opere da parte della più importante istituzione museale italiana preposta all’arte contemporanea\, la Galleria Nazionale di Roma. Esse propongono in gran parte i valori stilistici e di contenuto che lo Stato voleva proporre al pubblico godimento per indirizzarne il gusto. Rappresentano\, pertanto\, un’interessante scelta spesso all’interno di eventi espositivi di rilievo\, quali le Biennali veneziane e le Quadriennali di Roma\, e registrano anche il passaggio epocale tra la direzione della Galleria di Roberto Papini\, coincidente con gli anni del fascismo e della guerra\, e quella\, dal 1941 in avanti\, di Palma Bucarelli.  \nNella rassegna sono rappresentati anche artisti di minore fama\, ma non di minor calibro\, che contribuiscono in modo notevole ad una più approfondita conoscenza del vivacissimo panorama artistico che caratterizza questi due decenni di vita italiana; tra loro: Antonio Biggi\, Quirino Ruggeri\, Amedeo Bocchi\, Alfredo Biagini\, Pasquarosa Bertoletti\, Bruno Saetti\, Emilio Sobrero\, Alberto Salietti. Tra le opere anche\, tra le quali quattro De Chirico mai esposte prima.  \nTra le opere più significative si segnalano Le amiche e Ritratto di Isa di Giorgio De Chirico\, La fila per l’agnello e Noi quattro allo specchio di Giacomo Balla\, Brandano il pescatore e Il perdono di Libero Andreotti\, Natura morta con pipa e libri e Fiori di Filippo De Pisis\, Uomo seduto di Pericle Fazzini\, Asparagi di Achille Funi\, Fiori secchi di Mario Mafai\, Donna che si pettina di Giacomo Manzù\, Ritratto di Alfonso Gatto di Marino Mazzacurati\, Oggetti e Tetti di Fausto Pirandello\, Bacco all’osteria di Gregorio Sciltian.  \nA cura di Mariastella Margozzi\, responsabile delle collezioni del XX secolo della GNAM\, Roma  \nLa mostra è posta sotto l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica e ha ricevuto il patrocinio del Presidente della Camera dei Deputati.
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SUMMARY:UGO MULAS
DESCRIPTION:Ugo Mulas\, nasce il 28 agosto del 1928 a Pozzolengo\, vicino a Desenzano del Garda (Brescia)\, dove il padre si era trasferito dalla Sardegna. Compie gli studi e la maturità classica a Desenzano. Nel 1948-52 a Milano\, si iscrive agli studi di giurisprudenza\, ma li abbandona prima della laurea per seguire dei corsi all’Accademia delle Belle Arti di Brera. Frequenta il bar Giamaica\, luogo di incontro di artisti ed intellettuali. Comincia a interessarsi di fotografia. Tra il 1954-58 inizia la sua attività professionale di fotografo alla Biennale di Venezia. Fotografa in questo periodo le bidonvilles\, la stazione e i sobborghi di Milano. Si guadagna da vivere realizzando fotografie di pubblicità\, di moda\, di reportage\, per diverse riviste e giornali\, ma il suo interesse principale è per il mondo dell’arte. Fotografa fino al 1972 la Biennale di Venezia\, cogliendone i più importanti avvenimenti. Inizia la sua collaborazione con Giorgio Strehler del Piccolo Teatro di Milano. Nel 1960 compie numerosi reportages in Europa per l’Illustrazione Italiana con Giorgio Zampa\, per Settimo Giorno\, per la Rivista Pirelli\, per Novità (Vogue)\, Domus\, Du. Collabora con gli uffici pubblicitari della Pirelli e della Olivetti. Del 1962-64 sono le fotografie della mostra all’aperto di scultura a Spoleto (1962) di David Smith nel suo atelier a Voltri (1962)\, di Alexander Calder a Spoleto e a Saché in Touraine nel 1962\, e nel 1964 nel suo atelier a Roxbury nel Massachusetts\, le fotografie per le poesie di Eugenio Montale Ossi di Seppia. In questi anni incontra Alan Solomon\, Leo Castelli\, e numerosi artisti americani alla Biennale del 1964. Viaggia a New York nel 1964\, nel 1965 e nel 1967\, anni in cui realizza una documentazione eccezionale della scena artistica newyorchese. La collaborazione tra Giorgio Strehler e Ugo Mulas da inizio ad un modello di fotografia del teatro secondo i principi brechtiani dello straniamento. La messa in scena di La vita di Galileo nel 1964 ne è una testimonianza. Nel 1969 scatta una serie di fotografie per le scenografie dell’opera di Benjamin Britten The turn of the screw (Giro di vite)\, dal romanzo di Henry James\, per la regia di Puecher alla Piccola Scala di Milano (1969) e per l’opera di Alban Berg  Woyzeck\, dal dramma di Georg Büchner\, regia di Puecher\, al Teatro Comunale di Bologna.  \nTra 1970-72 si ammala gravemente. Inizia la serie di fotografie Le verifiche: dodici fotografie\, ognuna accompagnata da un testo nel quale ripercorre il suo essere fotografo ed il suo mestiere di uomo. Muore a Milano il 2 marzo 1973.  \nUgo Mulas non è solo il testimone fotografico della Milano\, artistica ma non solo\, degli anni ’50 e ’60\, della Biennale di Venezia degli stessi anni\, dell’arte americana vissuta in prima persona degli sviluppi dell’Espressionismo Astratto e della Pop Art\, l’amico di Calder e di tanti artisti. È anche e soprattutto un protagonista di quegli anni\, colui che ha cambiato la fotografia non solo italiana. Le sue famose Verifiche\, ultima serie realizzata prima che la morte lo cogliesse prematuramente\, non è solo l’esito conclusivo della sua ricerca e la definizione con cui è classificata come fotografia concettuale non basta a esaurirne il significato. Mulas è un fotografo che ha fin dall’inizio nell’occhio l’analisi del mezzo fotografico\, che scruta\, mentre ritrae\, le condizioni della creatività degli artisti\, che cambia le modalità convenzionali dei generi fotografici cui si dedica\, dal ritratto alla fotografia di teatro\, dalla moda alla scenografia; è un attento ricercatore che comprende subito che l’arte sta cambiando e parte subito per recarsi là dove\, a New York\, capisce che accade ciò che lo interessa; è il reporter dell’arte che comprende l’importanza del processo nella creazione artistica\, altrui e propria; è il fotografo che fa il salto nell’arte\, che lo fa fare alla fotografia italiana e non solo. Mulas è il fotografo più influente dell’arte italiana. La sua opera\, merita una rivisitazione che ne mostri questi aspetti: verifica delle verifiche\, verifica della sua opera alla luce delle sue Verifiche\, un percorso coerente come pochi\, che ha aperto tra i primi l’arte italiana alla concettualità\, mostrando da subito come la consapevolezza del medium è indispensabile all’arte tanto quanto l’arte alla consapevolezza del mezzo\, che il concetto non va senza la creazione e la ricerca senza la sensibilità.  \nLa mostra proporrà una selezione di circa 110 fotografie\, non senza inediti e immagini poco note\, ricostruendo per intero il percorso artistico di Mulas\, incentrato sulle sequenze e sui contatti\, mostrando la personale riflessione artistica di Mulas. \nSi insisterà sulla figura di Mulas come artista (non come fotografo di documentazione)\, e il percorso cronologico sarà all’inversa: dalle Verifiche (12) al suo lavoro per le scenografie (10 dal Wozzeck e 10 dal Giro di vite)\, alle sequenze (6 Ossi di seppia\, 10 Duchamp\, 6 Fontana + una sequenza su Giacometti)\, per poi passare attraverso il lavoro sull’arte (gli artisti) (3 grandi provini completi: Johns\, Lichtenstein\, Noland\, 25 ritratti + 1 Campo urbano) e tornare a quello su Milano (15 Milano anni 50\, 5 Milano anni 60 + 3 colore)\, ma non in senso documentativo\, bensì come ricerca personale\, e per questo\, in quest’ultima sezione si mescoleranno le immagini dal punto di vista cronologico\, proprio per mostrare la continuità del progetto d’artista. \n A cura di Elio Grazioli\, critico d’arte contemporanea   
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SUMMARY:Lo sguardo ostinato
DESCRIPTION:In contemporanea con la mostra su Ugo Mulas\, il MAN propone una importante rassegna video che si configura come una sorta di ricognizione sul video italiano degli ultimi anni. Gli artisti invitati\, tutti italiani di ultima generazione (tra i 20 e i 40 anni)\, propongono attraverso i loro lavori\, una riflessione sulla realtà e sul nostro tempo\, secondo quella speciale declinazione del linguaggio visivo proprio dello strumento artistico più attuale e contemporaneo.  \nI video proposti\, circa 15 in tutto\, presenteranno uno o più lavori degli artisti selezionati\, intendendo dare non solo uno stato della ricerca italiana ma anche un breve percorso cronologico dell’indagine personale degli artisti più affermati\, insieme a opere prime di esordienti che si contraddistinguono per la forza e l’abilità tecnica del medium.  \nLa tematica\, a cui fa riferimento il titolo\, si incentra sull’idea di video come sguardo che indugia\, che va a fondo intensamente attraverso una sorta di sospensione del tempo e del giudizio sulle cose registrate dalla telecamera.  \nLa mostra viene incontro al pubblico sempre più affezionato e incuriosito da una forma d’arte non facilmente accessibile e attraente per il suo fascino che si colloca a metà tra cinema e televisione. Ma proprio per questa finta familiarità il pubblico rimane spesso contraddetto e sedotto dalla sorpresa che le opere video normalmente producono.  \nA cura di Elio Grazioli\, critico d’arte contemporanea
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SUMMARY:ALIGI SASSU
DESCRIPTION:Il MAN presenta per la prima volta in Sardegna un’importante mostra dedicata alla figura di Aligi Sassu. Un percorso antologico che\, dagli anni Venti\, scandisce le tappe più rilevanti e significative della sua traiettoria artistica attraverso circa novanta opere provenienti da prestigiose collezioni pubbliche e private: il Museo di Lugano\, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma\, il Museo d’Arte Moderna di Genova\, il Museo di Udine\, la Galleria Comunale di Cagliari\, la Fondazione Aligi Sassu e Helenita de Olivares di Lugano.  \nLe sezioni della mostra comprendono lavori riguardanti il Futurismo\, il Primitivismo\, la serie degli Uomini Rossi\, temi storici\, religiosi\, mitologici\, sociali\, i Caffè\, le Maison Tellier\, l’Hispanidad e i Paesaggi maiorchini.  \nAligi Sassu ha affrontato da protagonista la complessa e intricata scena artistica delle avanguardie senza mai perdere di vista\, pur nell’evolversi e nel rinnovarsi del proprio linguaggio\, l’obiettivo primario e imprescindibile del confronto diretto con la realtà. Vista nella prospettiva che il nuovo secolo e la scomparsa alcuni anni or sono dell’artista ormai consentono\, la pittura di Sassu appare come un grande atto di libertà individuale assolutamente moderno\, e questo non soltanto in termini di moralità e qualità espressiva ma anche nel suo intimo radicarsi dentro l’arte del nostro tempo. Sassu ha rivendicato\, praticato e mantenuto il suo universo poetico nello scorrere quotidiano dell’esistenza come nella dimensione storica degli snodi cruciali dell’epoca cui è stato confrontato. […] Egli ha percorso i suoi singolarissimi sentieri attraverso slanci entusiastici\, periodi di riflessione\, necessari ritorni e improvvise accensioni\, per affrancarsi di volta in volta da quei filtri estetici che ne avrebbero potuto condizionare oltre misura l’immersione spontaneamente entusiastica nella spirale della vita\, nella dimensione dilatata della memoria e della coscienza.  \nAligi Sassu nasce a Milano il 17 luglio 1912. Tra il 1926 e il 1927 conosce Bruno Munari\, si iscrive ai corsi serali dell’Accademia di Brera\, si presenta all’incontro con gli artisti indetto da Filippo Tommaso Marinetti\, che nel 1928 lo invita ad esporre alla XVI Esposizione Internazionale d’Arte di Venezia. Nel 1929 si allontana progressivamente dal movimento futurista\, avvicinandosi al primitivismo. Tra il 1930 e il 1933 avvia la serie degli Uomini rossi. La dominante del rosso che caratterizza il ciclo rappresenta una svolta significativa per la pittura italiana degli anni Trenta. Nel 1933 realizza la serie degli Argonauti e inizia quella dei Caffè. Tra il 1934-1940 si reca a Parigi. Di ritorno in Italia si confronta con il dibattito sul ruolo dell’artista\, cui Sassu rivendica una soluzione sociale; nello stesso periodo inizia l’attività clandestina insieme a De Grada\, Grosso e Guttuso. Nel 1935 realizza la Fucilazione nelle Asturie\, sorta di manifesto dell’opposizione europea al fascismo\, e compie il secondo viaggio a Parigi. L’anno successivo espone alla Biennale veneziana. \nNel 1937 prende parte all’Esposizione d’Arte Italiana a New York. Il 6 aprile dello stesso anno viene arrestato dalla polizia dell’OVRA (Opera di Vigilanza e Repressione Antifascista). Aligi Sassu accusato di complotto\, è processato e condannato a dieci anni di reclusione. Nel luglio del 1938 il re Vittorio Emanuele III gli concede la grazia. Continua a dipingere opere di opposizione in cui la metafora politica emerge chiaramente. Partecipa all’attività di Corrente. Nel 1942 inizia la serie dei Concili. Lavora intorno alla Deposizione che termina l’anno seguente. Soggiorna ad Albissola dedicandosi all’attività di ceramista. Nel 1944 si dedica al ciclo Maison Tellier ispirato da una novella di Guy De Maupassant. Scosso dall’episodio della fucilazione dei martiri di Piazzale Loreto\, di cui è testimone\, dipinge in soli due giorni l’opera omonima. Nel dopoguerra è attiva e continua la sua presenza nelle mostre più importanti in Italia e all’estero. Partecipa alla Biennale di Venezia nel 1948\, nel 1952 e nel 1954. Ad Albissola conosce la cantante lirica colombiana Helenita Olivares che sposerà nel 1972. Nel 1963 apre un atelier a Cala San Vicente (Maiorca). \nNasce la serie delle Tauromachie. Nel 1965 è nominato membro del comitato italiano dell’UNESCO per le arti plastiche. La Galleria d’Arte Moderna in Vaticano nel 1973 gli dedica una sala. Importanti musei e gallerie di livello internazionale allestiscono rassegne sull’opera di Aligi Sassu. È nominato cittadino onorario di Palma di Maiorca nel 1987; nello stesso anno alla Staatsgalerie Moderner Kunst di Monaco di Baviera si allestisce una grande antologica con lavori realizzati dal 1927 al 1985. Festeggia i sessant’anni di lavoro con una grande esposizione al Castello di Rivoli. A Firenze\, nel 1990\, gli viene conferito il premio Lorenzo il Magnifico. Nel 1992\, in occasione dei suoi ottant’anni\, ottanta opere realizzate tra il 1927 e il 1990 sono ospitate da diversi musei sudamericani. Nel 1993\, dopo due anni di lavoro\, porta a termine il grande murale in ceramica intitolato I miti del Mediterraneo per la nuova sede del Parlamento Europeo di Bruxelles. Nel 1995 presso la Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo\, si apre la mostra Aligi Sassu dal 1930 a Corrente. Lo stesso anno\, unitamente alla moglie Helenita Olivares\, Aligi Sassu dona alla città di Lugano 362 opere realizzate tra il 1927 e il 1996; nel 1997 viene costituita a Lugano la Fondazione Aligi Sassu e Helenita Olivares\, con lo scopo di valorizzare l’opera dell’artista e di diffondere la sua arte a livello internazionale. A marzo del 2000 nasce la Fondazione Aligi Sassu e Helenita Olivares di Maiorca. \nAligi Sassu si spegne a Pollensa (Maiorca) nel 2000\, il giorno del suo ottantottesimo compleanno. \nA cura di Rudy Chiappini\, direttore Musei Città di Lugano.
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SUMMARY:CATASTROFI MINIME
DESCRIPTION:Il Man presenta Catastrofi Minime\, una mostra che nell’impostazione teorica\, tende a trasformare la catastrofe da oggetto a soggetto dell’opera\, indagando più che l’aspetto documentario\, sociologico e\, in un certo senso\, spettacolare\, (decisamente depotenziato\, come indica il titolo) quella che Blanchot ha definito la scrittura del disastro. Le opere in mostra non si limitano a registrare una catastrofe ma tendono a configurarsi esse stesse come incidenti o come catastrofi del visibile. Un’opera in qualche modo non può che essere la scrittura di un disastro del senso\, un disastro minimo\, in fondo\, a meno che\, con Stockhausen non si pensi agli attentati dell’11 settembre come alla più grande opera d’arte mai realizzata.  \nPunto di partenza è la teoria di Thom sul concetto di catastrofe (semplificato nella famosa frase: una farfalla che batte le ali nella foresta amazzonica può generare una perturbazione meteorologica a Londra) percorrendo un itinerario tragicomico sulle diverse esperienze di catastrofe\, intese non solo come negatività ma viste anche come accadimento ironico\, come burla\, fatalità che ci lascia più perplessi che distrutti.  \nLa parola catastrofe e la parola apocalisse hanno condiviso un comune destino di stravolgimento del loro senso etimologico per tingersi di note negative e per evocare solo lutti e distruzioni. Ma per catastrofe si intende anche una variazione continua\, graduale\, minima nelle condizioni di un fenomeno ma in grado di produrre un grande effetto e un grande mutamento. La mostra non vuole essere un racconto cupo che vede solo l’accezione negativa del termine\, ma vuole anche esplorare aspetti diversi che comportano una visione più analitica senza arrivare a essere cinica\, attraverso un linguaggio talvolta ironico e dissacrante.  \nNon si ha intenzione di mostrare una serie di catastrofi reali o simulate\, compito già perfettamente assolto dalla TV e dal cinema. La catastrofe sarà intesa piuttosto come punto di rottura\, come concatenazione degli eventi\, come inizio inarrestabile di accadimenti incontrollati\, come punto di svolta o di crisi\, come nuovo incipit. Si giocherà con le immagini della catastrofe in contrapposizione ai disastri dell’immagine\, le immagini della violenza e la violenza delle immagini. Si punterà l’obiettivo sulle catastrofi individuali\, quotidiane e ambientali sempre cercando di piegare il termine catastrofe a una riflessione concreta\, togliendogli quella valenza spettacolare che rischia sempre e solo di farci sorprendere. \nA cura di Fernando Castro Florez\, Saretto Cincinelli\, Cristiana Collu  \nArtisti: Ángeles Agrela\, Lara Almarcegui\, John Baldessari\, Isabel Banal\, Massimo Bartolini\, Christian Boltansky\, Sergey Bratkov\, Alberto Burri\, Carlos Capelan\, Loris Cecchini\, Sarah Ciracì\, Gordon Matta-Clark\, Berlinde De Bruyckere\, Fischli&Weiss\, Florentino Díaz\, Patrick Jolley\, Lucio Fontana\, Carlos Garaicoa\, Jonathan Hernández\, Cisco Jiménez\, Mike Kelley\, Abraham Lacalle\, Peter Land\, Armin Linke\, Fabian Marcaccio\, Armando Mariño\, Mateo Maté\, Isaac Montoya\, Pedro Mora\, Adrian Paci\, José Alvaro Perdices\, Claudio Perna\, Reynold Reynolds\, Osvaldo Salerno\, Fernando Sánchez Castillo\, Allan Sekula\, Ane-Liise Semper\, Paul Smith\, Robert Smithson\, Frank Thiel\, Isidoro Valcárcel Medina\, Eulalia Valldosera\, Javier Vallhonrat\, Erwin Wurm\, Chen Zhen.
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SUMMARY:PINTORI
DESCRIPTION:Il Man presenta la più ampia ed esaustiva antologica mai organizzata sulla figura e sul lavoro di questo straordinario protagonista della storia della grafica in Italia\, celebrato e riconosciuto internazionalmente. Il racconto del suo percorso parte dalla fine degli anni trenta sino agli anni ’90 attraverso un corpus di oltre 130 opere\, raccolte secondo una interpretazione che ne evidenzia la modernità progettuale a sottolineare l’importanza e il significato delle sue scelte e l’unicità della sua figura all’interno del panorama della grafica internazionale.  \nPintori è stato un personaggio estremamente lucido e consapevole dei meccanismi e delle problematiche connesse alla professione del grafico nella scelta degli apparati compositivi\, iconografici e simbolici impiegati. La sua competenza\, la sua professionalità e la sua cultura\, insieme alla fantasia e creatività\, traspaiono da tutti i suoi lavori e ci fanno comprendere la sua rilevanza nella pratica e nell’estetica del design contemporaneo\, dall’ipotesi di un originale stile d’impresa a un modo di pensare prima che di comporre. \nGiovanni Pintori nasce nel 1912 a Tresnuraghes (Oristano)\, da genitori originari di Nuoro\, cittadina dove la famiglia fa ritorno nel 1918. Dopo aver frequentato l’ISIA di Monza\, nel ’36 inizia la collaborazione con l’Ufficio Tecnico Pubblicità Olivetti\, del quale diventa responsabile nel ‘40\, legando il suo nome all’ascesa della azienda di Ivrea in una serie lunghissima e fortunata di manifesti\, pagine pubblicitarie\, insegne esterne\, stand. Nel 1950 ottiene il primo di una lunga serie di riconoscimenti: la Palma d’Oro della Federazione Italiana Pubblicità. Nel 1952 il MoMA di New York organizza la mostra Olivetti: Design in Industry. Nel 1953 entra a far parte dell’AGI (Alliance Graphique Internazionale)\, che nel 1955\, durante l’esposizione al Louvre di Parigi\, dedica al lavoro di Pintori per Olivetti un’intera sala. Sempre nel ’55 gli viene conferito il Certificate of Excellence of Graphic Arts dell’AIGA (l’Associazione dei graphic designer statunitensi) e\, l’anno dopo\, la Medaglia d’Oro e il Diploma di Primo Premio di Linea Grafica e della Fiera di Milano. Nel 1957 ottiene il Diploma di Gran Premio all’XI Triennale di Milano e partecipa all’annuale mostra dell’AGI a Londra. Le sue immagini accompagnano numerosi articoli sull’azienda Olivetti\, il suo design e la sua comunicazione fanno il giro del mondo comparendo in testate come Fortune (USA\, 1953\, 1957)\, Graphic Design (Giappone\, 1967)\, Horizon (USA\, 1969).Nel 1960 scompare Adriano Olivetti. Nel 1962 Pintori ottiene un altro prestigioso riconoscimento internazionale: il Typographic Excellence Award del Type Directors Club di New York\, seguito nel 1964 dal Certificate of Merit dell’Art Directors Club di New York. Nel 1966 gli viene dedicata una grande mostra personale a Tokyo.  \nDopo il 1967\, lasciata l’Olivetti per dedicarsi alla libera professione\, collabora\, fra gli altri\, a progetti per Pirelli\, Gabbianelli\, Ambrosetti e Parchi Liguria. Nel 1981 inizia una collaborazione con l’azienda di trasporti Merzario\, per la quale realizza la grafica dei bilanci annuali e delle pagine pubblicitarie. Dopo questa esperienza lascia la professione di grafico e si dedica completamente alla pittura. Giovanni Pintori muore a Milano il 15 novembre del 1999. \n  \nA cura di Carlo Branzaglia
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SUMMARY:ERWIN OLAF
DESCRIPTION:Nato in Olanda nel 1959 Erwin Olaf è uno degli artisti più innovativi che attualmente lavorano nel campo della fotografia. Ha tenuto importanti mostre personali allo Stedelijk Museum di Amsterdam\, al Groninger Museum in Olanda\, al Frankfurter Kunsteverein e al Ludwig Museum in Germania\, al Paris Photo\, alla Flatland Gallery di Utrecht\, alla Wessel O’Connor di New York\, all’Espacio Minimo di Madrid e numerose altre. Nel 1988 ha vinto il premio Giovani Fotografi Europei in Germania\, nel 1998 il Leone d’argento a Cannes per la campagna pubblicitaria della Diesel e di nuovo nel 2001 per la campagna pubblicitaria della Heineken. Una sua foto è stata scelta come manifesto della Biennale di Valencia 2001. Il prossimo settembre 2003 il Groninger Museum\, inaugurerà una grande retrospettiva sui 25 anni della sua opera. Il Man presenta le serie complete di: Paradise The Club\, Paradise Portrait\, Mature\, Royal Blood\, una selezione da Fashion Victims\, Blacks e Body Parts per un totale di 48 fotografie oltre ai video Tadzio\, Millennium e Clowns\, grazie allo Studio Erwin Olaf\, alla Galleria Espacio Minimo e alla galleria B&D.  \nLe opere di Olaf sono caratterizzate dal senso dell’humour e dalla costante allusione a immagini del mondo dell’arte e della sottocultura\, dal riferimento all’impostazione della fotografia pornografica\, della pubblicità e della moda alle quali conferisce un’impronta conturbante e accattivante. Nelle sue ultime serie\, Olaf si spinge nel cuore e nell’anima della bellezza\, ridicolizza il punto di vista contemporaneo sull’erotismo e analizza molte scomode idee quali la pornografia come folklore\, il sesso acrobatico come una comica liberazione e lo stupro come intrattenimento familiare e piacere malizioso.  \nLa serie Royal Blood presenta la storia come un fatto di cronaca nera. Nella sua ricerca storica Olaf seleziona nove stars del melodramma violento. In questi ritratti i personaggi con i loro occhi cerchiati di rosso\, fissano lo spettatore con una maledetta espressione di accusa e condanna. Lady D\, con sul braccio lo stemma della Mercedes\, Poppea uccisa dal parto\, la principessa Sissi\, il figlio Ludwig\, la zarina Alessandra\, Cesare\, Maria Antonietta. \nNella serie Mature Olaf svela l’imperfetta bellezza di pensionate sexy come pin-up prendendosi gioco delle loro giovani omologhe. In Fashion Victims i modelli sono essenzialmente oggetti sessuali. Dice Olaf: “Ho sempre cercato di fare dell’ironia sulla bellezza per cercare di offrire una nuova prospettiva sull’intera stupida\, ipervalutata industria della moda”. Nella serie Blacks\, ritratti classici rivisitati in nero\, Olaf sperimenta la monocromia con modelle nere (dipinte) su sfondi completamenti neri.  \nOlaf per la serie Paradise si basa sia sul Ratto di Ippodamia di Rubens\, un’inquietante scena di violenza e lascivia\, sia “sull’orrore e la decadenza della vita notturna dei party del night club Paradise in Amsterdam”. In questa serie\, diabolici clowns sono gli attori emozionalmente corrotti di una scena apparentemente fantastica. Olaf definiscequesta serie come “Un terribile incubo dove i clowns sono i cattivi. Tutti\, sia che essi siano passivi\, violenti o beffardi\, sono colpevoli”\, le loro figure pure caricature\, lucide allegorie che “rappresentano l’anonimato e la rabbia e anche se vogliono far divertire i bambini\, fanno paura”. Le immagini fanno riferimento al cosiddetto caso del clown\, un episodio accaduto in Olanda nei tardi anni Ottanta. Molti bambini locali sostennero improvvisamente di essere stati molestati da un clown. La polizia interrogò centinaia di persone\, ma nulla fu mai confermato. Nessun clown sospetto fu trovato. Diversi psicologi ritennero di trovarsi di fronte a un intrigante caso di isteria giovanile di massa\, ma non è mai stato stabilito se si fosse effettivamente trattato di un caso di abuso.  \nIn Booby-trap\, una mostra che è una sorta di trappola che coglie lo spettatore di sorpresa\, l’esercizio dell’ironia di Erwin Olaf apparentemente dice meno di quello che pensa\, mentre smaschera idee infondate e si spinge nella critica di coloro che pensano che “il mondo sia diventato favola”. \n A cura di Francesca Alfano Miglietti_Cristiana Collu 
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SUMMARY:PICASSO
DESCRIPTION:La Suite Vollard è considerata l’opera più importante nella storia dell’incisione del Novecento. Raramente è stata esposta completa e lo sarà per la prima volta in Italia al museo MAN\, grazie al prestito concesso dal prestigioso museo d’arte moderna e contemporanea MNCARS\, Museo Centro de Arte Reina Sofía di Madrid\, uno dei più importanti musei europei e internazionali. \nCostituita da 100 incisioni realizzate da Picasso tra il 1930 e il 1937\, la Suite Vollard comprende 27 incisioni con temi diversi e 73 con cinque temi specifici: La batalla del amor\, El taller del escultor\, Rembrandt\, El Minotauro e Il Minotauro ciego e 3 ritratti di Ambrosie Vollard\, nei quali Picasso ricrea la complessa personalità del mercante. A prima vista\, la varietà dell’iconografia potrebbe suggerire una certa incoerenza\, ma considerate nel loro insieme\, le incisioni mostrano una grande unità concettuale e formale.  \nIl lavoro più intenso è quello della serie El taller del escultor frutto di uno di quei frenetici momenti creativi che hanno caratterizzato la vita di Picasso. Infatti\, nonostante l’artista abbia lavorato per quasi sette anni alla Suite\, 40 di quelle 46 incisioni furono realizzate in soli 3 mesi\, tra marzo e maggio del 1933. Il mondo della creazione\, l’atmosfera e la tensione tra il modello e l’opera del El taller del escultor è interessante soprattutto per il fatto che quelle incisioni sono la diretta conseguenza dell’opera scultorea realizzata da Picasso tra la fine degli anni Venti e il principio degli anni Trenta. Le sculture prodotte in quel periodo suscitarono una accesa polemica. Alcuni critici e artisti credettero di vedervi\, per il recupero del mondo classico\, una specie di tradimento dell’avanguardia artistica che Picasso aveva incarnato sin dal principio del secolo. Picasso era entrato in contatto con l’arte classica e antica un anno prima\, in Italia\, durante i suoi viaggi a Firenze\, Napoli e Pompei. Il lavoro iniziato nelle sculture continua in gran parte della Suite Vollard\, e proprio le incisioni de El taller del escultor diedero origine alla domanda\, malevola secondo Breton\, che gli specialisti si fecero riguardo la rinuncia di Picasso e il suo “ritorno all’ordine”\, sorpresi per l’apparente sovversione dei vecchi valori compiuta dall’artista malagueño.  \nLa tensione\, la malinconia\, l’erotismo\, la ricerca della forma che si osserva nelle cento incisioni della Suite Vollard\, sono in stretta relazione con la vita di Picasso in quegli anni. Picasso aveva compiuto 50 anni nel 1931\, divorziato da Olga Koklova\, aveva una relazione con Marie Thérèse Walter e nello stesso tempo iniziava la sua nuova e conflittuale relazione con Dora Maar. È anche il periodo della guerra civile spagnola che scosse profondamente l’artista. In alcune delle incisioni che fanno parte della Suite Vollard\, si possono ritrovare chiarissimi antecedenti di quello che è ritenuto il capolavoro di Picasso: Guernica. \nLa Suite si può considerare come il punto più alto del rapporto tra Picasso e Ambroise Vollard\, lo storico gallerista ed editore che nel 1901 realizzò la sua prima mostra intuendone la genialità. In quest’opera Picasso utilizza tutte le tecniche dell’incisione: la punta secca\, il bulino\, l’acquaforte e l’acquatinta\, offrendo straordinari e magistrali esempi di invenzione artistica e versatilità tecnica incomparabili.
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SUMMARY:QUATTRO SECOLI DI PITTURA ANDALUSA
DESCRIPTION:Un percorso nella pittura andalusa dal Barocco sino alla metà del Novecento\, quattro secoli per raccontare una straordinaria storia della pittura attraverso una ricca iconografia e 70 capolavori dei più prestigiosi maestri spagnoli. Dal Barocco sino alla sua persistenza nella prima parte del secolo dell’Illuminismo\, dal primo romanticismo sino alla famosa pittura regionalista andalusa della fine del XIX e al realismo sociale delle prime decadi del XX secolo. Dal El Greco\, Francisco Pacheco e Juan de Roelas\, i maestri che aprirono il cammino agli artisti barocchi come Francisco de Zurbarán\, Bartolomé Esteban Murillo e Juan de Valdés Leal\, a cui farà seguito una vera e propria legione di discepoli e seguaci come Juan de Zurbarán\, Lucas Valdés e Domingo Martínez\, i pittori della prima metà del XVIII secolo.  \nDiverso si presenta il panorama della pittura andalusa del XIX secolo\, quando la luce italiana attrae gli artisti spagnoli. I contatti con l’Italia\, sono sempre stati frequenti e assai importanti le influenze\, tanto che artisti come El Greco o Roelas\, risiedettero in Italia e conobbero le opere dei grandi maestri italiani. Gli artisti andalusi del XIX secolo si recano con regolarità in Italia dove studiano\, completano la loro formazione\, e dipingono sia a Roma che a Napoli. Per tutti il riferimento è Mariano Fortuny\, frequentano le lezioni dell’Accademia Chigi in Roma\, lavorano nello studio di José Villegas\, dipingono Venezia dal vivo\, dove qualcuno si stabilirà per un lungo periodo. Uno spirito che la selezione delle opere proposte in mostra ha voluto lasciar trasparire. Gli artisti andalusi\, educati sia in Spagna che in Italia\, instaurano un legame tra i due paesi che durerà a lungo. Molti di loro godranno di borse di studio create proprio per recarsi in Italia. Tutto questo all’ombra dell’importante ruolo che in Spagna giocarono le Scuole di Belle Arti e le Mostre Nazionali e in Italia\, l’Accademia di Spagna a Roma.  \nMa troviamo anche importanti nomi del romanticismo andaluso. Le opere di Gutiérrez de la Vega e José María Romero rappresentano la generazione romantica che imparò a dipingere copiando le opere di Murillo. I paesaggi e la prima pittura di costume\, con tele di Cabral Bejarano\, Domínguez Bécquer\, Cortés e Rodríguez de Guzmán. Infine le opere dei pittori che rappresenteranno sulle tele il tipico e il topico dell’Andalusia\, come Salinas\, Ferrandiz\, Rico Cejudo e García Ramos\, riflettendo la vita quotidiana\, con i suoi personaggi e i suoi aneddoti. A questi si aggiungono le tele di Jiménez Aranda o Denis che ricreano il mondo e l’abbigliamento proprio del XVIII secolo. Non meno importanti le opere inserite nella cosidetta “pittura orientalista”\, quella che fece seguito a Fortuny e che testimonia i viaggi degli artisti andalusi nel luminoso e variopinto mondo del Marocco\, come Gallegos Arnosa e Villegas. Paesaggisti della Scuola di Alcalá de Guadaíra\, come Pinelo o García Rodríguez; artisti a cavallo tra i due secoli\, che come Gonzalo Bilbao\, avevano conosciuto le avanguardie parigine; realisti del XX secolo\, López Mezquita\, Lozano Sidro e Diego López; pittori en plen air come José Arpa.  \nUn grande ventaglio di tecniche e iconografie. Dal più puro paesaggio alla rappresentazione di un patio\, dal “bandolero” alla raffinata “señorita”\, dal semplice mercato alla fiera di bestiame\, dalla pittura religiosa al teatro\, dalle scene orientaliste al raffinato mondo dei veneziani\, passando per il ritratto e le scene goyesche\, tutto riflette i sentimenti del popolo andaluso e di artisti che hanno saputo dare un carattere speciale alla pittura della loro terra.  \nA cura di Enrique Pareja Lopez – Direttore Museo delle Belle Arti di Siviglia 
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SUMMARY:Casa Dolce casa
DESCRIPTION:La rassegna Manovre alla sua terza edizione\, cambia formula\, e invita ventuno artisti provenienti da paesi e realtà diverse a lavorare su un progetto che vuole indagare l’idea di casa attraverso uno sguardo molteplice\, un’interpretazione diretta\, didascalica\, ironica\, trasversale: focolare\, rifugio\, tana\, laboratorio\, ufficio\, prigione\, circo\, modulo proliferante\, teatro delle bassezze più efferate\, luogo dal quale scappare e al quale tornare\, luogo da costruire\, da cercare e probabilmente da reinventare.  \n“Casa Dolce Casa” è uno tra i più conosciuti e abusati aforismi popolari eppure\, con l’aggiunta di un semplice punto di domanda\, il motto acquista un che di inquietante e ambiguo: insinuato il dubbio\, le certezze vacillano. Cronaca dirompente e spesso inenarrabile. Caduta del mito della famiglia\, della quiete e dell’armonia\, dello spazio protettivo e rassicurante della “normalità”. \nLa letteratura\, a partire da Edgard Allan Poe fino a tutta la produzione horror e splatter degli ultimi decenni\, e ancora di più\, il cinema\, hanno reso la casa un organismo sempre più minaccioso e incombente\, abitato da invasive presenze demoniache e da entità soprannaturali o da una tecnologia ipertrofica ma non per questo meno pervasiva. Eppure\, la cronaca\, quella più brutale\, supera in efferatezza cinema e letteratura con i suoi frutti malati di una “normalità” agognata quanto inesistente\, subito fagocitati da una televisione onnivora che tutto assimila e trasforma in un morboso reality show a puntate. Gli artisti rapportandosi alla cronaca\, alla realtà del quotidiano\, lottano per non perdere la specificità che separa l’arte dalla vita per non trasformarla in sociologia spicciola o mera documentazione dell’esistente.  \nL’arte ha spesso inseguito la cronaca. Sono stati gli anni del Posthuman e gli artisti si sono concentrati sugli aspetti più cruenti e ripugnanti del reale\, trasformando in nuove categorie estetiche del contemporaneo il “trauma” e il “disgusto”. \nCasa dolce Casa cerca di osservare l’oggetto della sua indagine da un punto di vista differente: non rincorrere la realtà e le sue raccapriccianti e spettacolarizzate involuzioni ma sottrarsi alle sue lusinghe\, e a un “indicibile” urlato e ostentato dalla cronaca opporre la dimensione del “non detto” per una proposta che non è mai appagata\, mai omologata e pacificata ma ricca di ambiguità disturbanti. In questa dimensione criptica\, allusiva\, obliqua\, la casa\, da teatro del quotidiano\, delle sue miserie\, delle sue tragedie e delle sue “normalità”\, diviene un “non luogo” ricco di fascino destabilizzante\, uno spazio mentale indefinito nel quale il “dentro” e il “fuori” appaiono categorie relative e intercambiabili Non è richiesto stigmatizzare o giustificare alcunché.  \nA cura di Ivo Serafino Fenu e Chiara Leoni \nSono presenti opere di: Frank Bauer\, Leonardo Boscani\, Filipa César\, Cristian Chironi\, Enrico Corte\, Gruppo Eya\, Cameron Jamie\, Martin Kersels\, Sandrine Lescaroux\, Deborah Ligorio\, Pinuccia Marras\, Oliver Musovik\, Andrea Nurcis\, Sven Påhlsson\, Marco Papa\, Robert Pettena\, Pietrolio\, Salis&Vitangeli\, Simona Secci\, Gianfranco Setzu\, Aldo Tilocca
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SUMMARY:Maria Lai
DESCRIPTION:Maria Lai (Ulassai\, 1919) a partire dagli esordi nel corso degli anni Quaranta\, occupa un posto particolare nel panorama dell’arte italiana che sempre più chiaramente si rivela a tutt’oggi straordinariamente attuale e capace di dialogare con i lavori degli artisti delle ultime generazioni. \nIl legame con la terra di origine e la reinterpretazione della cultura locale con un atteggiamento attento a ciò che prossimo ma mai provinciale\, la capacità di declinare con libertà questo legame all’interno di una riflessione più ampia sulle ragioni del fare artistico\, il confronto serrato con le reazioni del pubblico e l’interesse ad attivare relazioni sociali attraverso le dinamiche suggerite dai lavori stessi\, la libertà nell’uso di materiali e linguaggi considerati tradizionalmente artigianali\, sono infatti alcuni tra i temi centrali presenti nel lavoro dell¹artista e\, sono di fatto gli stessi temi affrontati da numerosi artisti protagonisti della scena dell’arte internazionale dell’ultimo decennio.  \nLa mostra di Maria Lai al Man\, Museo d’Arte della Provincia di Nuoro è un’opportunità preziosa per conoscere i passaggi centrali di questo percorso. Sono esposti\, oltre che lavori significativi storici dell’artista\, altri creati appositamente per l’occasione (Mensa\, Ulassai\, Spiaggia\, Sa domu de su dolu) ed altri ancora nati dal ripensamento e dalla ripresa di lavori realizzati in precedenza che\, alla luce del sentire attuale\, vedono accentuata la componente drammatica accompagnata dal desiderio che non venga meno il processo di trasformazione e di ricerca di dialogo. Frana\, ad esempio\, riprende in pietra e ceramica l’intervento Legarsi alla Montagna realizzato dall’artista nel suo paese natale nel 1981\, Torre è composta da uno dei noti telai dell¹artista provato dal tempo con una struttura nuova in legno e il risultato richiama simbolicamente la presenza di un edificio lacerato.  \nCome i ricordi che si depositano nella nostra memoria sono destinati ad essere riletti\, ridefiniti\, messi in discussione con il passare del tempo\, così Maria Lai guarda al passato non come ad un’entità consolidata una volta per tutte ma come ad un insieme di elementi oggetto di continue rielaborazioni. Il flusso dinamico della memoria prevale sulla Storia.  \nA cura di Emanuela de Cecco    
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SUMMARY:Vis à vis
DESCRIPTION:Vis à vis autoritrarsi d’artista è una mostra tematica che ruota attorno all’idea di ritratto ed autoritratto\, intesi non tanto come luoghi e figure di affermazione di una soggettività piena ma\, paradossalmente\, del suo ritrarsi\, ritrar-si inteso come passo indietro che ha luogo nel luogo stesso della sua esibizione. L’autoritratto contemporaneo si configura\, infatti\, come silhouette\, ombra\, riflesso\, impronta o come una sorta di ritratto dell’artista in veste di modello\, personaggio o stereotipo ecc. che invece di affermare la pienezza di un soggetto creatore tende a negarla\, travestirla\, decostruirla\, mascherarla o moltiplicarla. Le modalità di ritratto ed autoritratto prese in esame in questa mostra paiono insomma abdicare definitivamente all’idea classica. Non si tratterà di una mostra di ritratti ed autoritratti (pittorici\, fotografici o video ecc.) che si confrontano con le loro forme storicamente determinate ma piuttosto con le loro origini mitiche e con le loro incarnazioni postume. La mostra infatti non è mossa dall’intenzione di rintracciare analogie tra il contemporaneo e la storia dell’arte\, cerca\, invece\, di riflettere sul significato di assonanze che non dovrebbero sorprendere. Se è vero che “il ritratto fa la sua apparizione nella storia dell’arte parallelamente al soggetto nella storia della filosofia” (Jean-Luc Nancy) non deve apparire strano che\, in epoca di conclamata crisi del soggetto\, ritratto e autoritratto si trovino ad articolare le differenze e le contraddizioni che segnano le partizioni tra identità e nuove pratiche di soggettività\, e neanche\, dunque\, che la rappresentazione di un volto venga scissa dal problema dell’identità e della sua elaborazione visibile. \nA cura di Saretto Cincinelli e Cristiana Collu.  \nSono presenti in mostra opere di: Andy Warhol\, Cindy Sherman\, Ketty La Rocca\, Francesca Woodman\, Robert Mapplethorpe\, Daniela de Lorenzo\, Liliana Moro\, Massimo Barzagli\, Cesare Viel\, Ana Mendieta\, Shirin Neshat\, Luigi Ontani\, Michelangelo Pistoletto\, Giulio Paolini\, Gino De Dominicis\, Arnulf Rainer\, Roman Opalka\, Ugo Mulas\, Gilbert &George\, Urs Luthi\, Massimo Barzagli\, Grazia Toderi\, Vanessa Beecroft\, Eulalia Valldosera\, Nan Goldin\, Andres Serrano\, Greta Frau\, Claudia Casarino\, Mariko Mori\, Nan Goldin\, Barbara Bloom
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SUMMARY:Le forme del sedere
DESCRIPTION:Il Vitra Design Museum possiede una delle più ricche e importanti collezioni di design del mobile moderno\, con oltre tremila opere documentate. La mostra\, 100 anni – 100 sedie\, organizzata dal Man in collaborazione con il Vitra Design Museum avvicina al pubblico una paradigmatica selezione di capolavori di questo museo. Le forme del sedere intransitivo ci accompagnano nell’analisi di una delle tre fondamentali posture statiche dell’uomo: eretto\, disteso o seduto. L’obiettivo della mostra è presentare un emblematico itinerario delle diverse epoche del design industriale\, dalla fine dell’800 ai nostri giorni\, attraverso autentici capolavori dei più prestigiosi architetti e designers. Tutto cominciò nella seconda metà del XIX secolo con i mobili di legno curvo che permisero la produzione industriale in serie. Al principio del XX secolo il design ha giocato un ruolo decisivo nello sviluppo culturale. \nGerrit Rietveld sviluppò mobili dalla forma depurata\, mentre Marcel Breuer disegnò le prime sedie di acciaio tubolare. Questa leggerezza formale ha inspirato in seguito Alvar Aalto che utilizzò per primo il legno multistrato e Jean Prouvé che si servì di tecniche e materiali sino ad allora riservati all’aeronautica. Dopo la seconda guerra mondiale\, il design americano ha collaborato strettamente con l’industria. Designer come Charles Eames\, Eero Saarinen e Harry Bertoia realizzarono modelli che dovevano essere prodotti in serie per arredare le case americane. Il design si convertì allora in un elemento della vita quotidiana.  \nIn Europa\, in quello stesso periodo\, il design dell’arredamento si sviluppò essenzialmente in Italia e in Scandinavia. L’obiettivo era senz’altro lo stesso che negli Stati Uniti: rendere il design più accessibile al grande pubblico. Hans Wegner e Arne Jacobsen sono stati i precursori nei paesi nordici delle ricerche e creazioni di mobili in legno\, mentre gli Italiani esploravano in quello stesso periodo le possibilità di un nuovo materiale\, la plastica. La grande versatilità di questi materiali e lo sviluppo di nuovi tipi di schiume hanno consentito una grande fantasia creativa negli anni ‘60\, allora si cercava l’inspirazione nella Pop Art e nei giochi di forme e colori. I principali rappresentanti di questa tendenza sono Verner Panton e Joe Colombo. Più tardi\, negli anni ‘70 il design sarà ancora più radicali forzando l’opposizione alle regole del Modernismo. Gruppi di designer come Memphis o Archizoom enfatizzarono il carattere divertente e ludico delle forme più che il carattere funzionale. Durante gli anni ‘80 si osserva una ricerca simultanea di individualismo e pluralismo che porta a una diversità di stili allora inediti. Philippe Stark\, Ron Arad e Gaetano Pesce sono importanti rappresentanti di questa tendenza. La decade degli anni ‘90\, è invece caratterizzata da una ricerca di forme e materiali semplici ma innovatori. Frank Gehry e Jasper Morrison sono due figure chiave di questo periodo. La fantasia continua a essere\, senza dubbio\, un criterio importante nella concezione delle forme come dimostrano Ron Arad e Marc Newson che a loro volta mantengono una preoccupazione per la funzionalità e la produzione in grande scala.  \nA cura di Serge Mauduit.
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SUMMARY:100 capolavori della collezione del Vitra Design Museum
DESCRIPTION:Sezione in allestimento
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SUMMARY:Juan Mirò
DESCRIPTION:Organizzata in collaborazione con la Fondazione Pilar y Joan Miró a Mallorca costituisce l’evento più importante della stagione espositiva del museo\, promotore e organizzatore di un’impegnativa rassegna che riunirà sino al 24 febbraio 2002\, una stupenda serie di 77 opere dell’importante maestro spagnolo\, appartenenti alla Fondazione: grandi dipinti su tela e su tavola\, sculture e disegni\, alcuni dei quali mai esposti prima. I grandi dipinti offrono un’importante sguardo sull’opera di Mirò dalla metà degli anni 60 sino al 1978. Sono gli anni della radicalizzazione del suo lavoro che porta alle sue ultime conseguenze la considerazione dell’atto creativo come abolizione di tutto il preesistente\, la famosa uccisione della pittura\, proclamata tra il 1930 e il 1931 in un’infaticabile e inesausta ricerca creativa che lo accompagnò sino alla morte avvenuta nel 1983. Le opere su carta offrono la singolare opportunità di avvicinarsi ai momenti germinali della creazione mironiana proponendo una serie straordinaria di disegni di grande forza poetica\, manifesto della sua dichiarazione Il principio è tutto\, è l’unico che mi interessa. Il principio è la mia ragione di vita. Le sculture propongono invece un’inedita riflessione sull’inquietudine dell’artista per l’elaborazione tridimensionale che affonda le sue radici all’inizio della sua vocazione artistica. Un’interessante proposta che permette di aggiungere un aspetto meno noto della sua produzione e nello stesso tempo da una visione più completa di questo grande artista.  \nIn occasione della mostra sarà pubblicato un catalogo bilingue italiano-spagnolo\, accompagnato da un saggio critico dei curatori\, Fernando Castro e Cristiana Collu\, e di Julio Cesar Abad. \nLa fondazione Joan i Pilar Mirò a Mallorca ha come principale compito quello di diffondere l’opera di Joan Mirò e di stimolare la creazione e la comprensione dell’estetica dell’arte contemporanea. Per questa ragione uno degli impegni prioritari è quello di mantenere una vivace dinamica di prestiti nell’ambito dell’organizzazione di mostre soprattutto internazionali.  \nNel 1981 Mirò effettua un’importante donazione al Comune di Palma di Maiorca e si istituisce la Fondazione omonima nel luogo più amato dall’artista l’ambiente e le sue creazione trovano la loro dimensione più intima e massima armonia.  \nA cura di Fernando Castro e Cristiana Collu 
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SUMMARY:Giorgio Morandi
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SUMMARY:Hans Peter Feldmann
DESCRIPTION:Gavoi\, Museo comunale \nNell’ambito del Preludio del Festival Letterario “Isola delle Storie”\nFino a 1 luglio 2018 \n  \nIn occasione della 15esima edizione del “Festival Letterario Isola delle Storie” di Gavoi\, il MAN è lieto di presentare\, negli spazi rinnovati del Museo comunale\, la mostra 100 Years di Hans Peter Feldmann\, artista tedesco tra i più celebrati della sua generazione. Il progetto è a cura di Luigi Fassi e Alberto Salvadori.  \nIl lavoro di Feldmann\, dai suoi esordi negli anni sessanta è concentrato a esplorare la potenzialità delle memorie individuali e collettive che l’artista ha continuato a raccogliere e conservare come archivio personale in forma di immagini trovate\, cartoline\, ritagli di riviste\, manifesti e foto da lui stesso scattate. Ognuno di questi elementi\, categorizzati da Feldmann secondo un proprio personale sistema\, testimonia la conservazione della memoria come un atto di omaggio ideale al ciclo della vita e alla sua irripetibile diversità. Temi ricorrenti nella sua produzione sono la riflessione sulla nozione di tempo e l’indagine sul valore dell’opera d’arte rispetto ai concetti di unicità e riproducibilità.  \nNell’opera 100 Years (2001) Feldmann ha fotografato 101 persone tratte dalla cerchia dei suoi famigliari\, amici e conoscenti\, dall’età di 8 mesi ai 100 anni. Ogni foto corrisponde così a uno specifico anno della vita\, dalla primissima infanzia all’anzianità. Raccogliendo in ordine cronologico ascensivo le testimonianze fotografiche di cento diverse individualità e dipanando in successione volti femminili e maschili\, 100 Years costruisce un appassionato ritratto seriale della vita umana attraverso il tempo\, un omaggio corale all’umanità che unisce armonicamente tra loro le dimensioni del passato\, del presente e del futuro.  \nSi ringrazia la Collezione Enea Righi di Bologna per il prestito dell’opera. \n  \nHans Peter Feldmann (1941) vive e lavora a Düsseldorf. \nTra le mostre più recenti: MoMA\, New York\, 2017; Serpentine Gallery\, Londra\, 2012; Biennale di Venezia\, Venezia\, 2009; Museo Nacional Centro De Art Reina Sofía\, Madrid\, 2011; Guggenheim Museum\, New York\, 2010; MoMA PS1\, New York\, 2005. Il suo lavoro è stato presentato a Documenta 5\, 1972 e Documenta 6\, 1976. \n  \n 
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SUMMARY:Bruno Munari
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SUMMARY:Matteo Basilè
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SUMMARY:Daniele Galliano
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SUMMARY:Gino Frogheri
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SUMMARY:Eduardo Chillida
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SUMMARY:Die Zauberberge
DESCRIPTION:  \n6 ottobre – 12 novembre 2023 \nInaugurazione venerdì 6 ottobre\, ore 18:30 \nTalk sabato 7 ottobre 2023\, ore 12 \nIn occasione della Giornata del Contemporaneo\, AMACI – Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani \n  \nNuoro e Monte Verità\, tutto è iniziato qui. In due isole ideali\, due terre di frontiera e\, insieme\, di appartenenza. Luoghi magnetici e ricchi di storia\, che lo scorso aprile hanno accolto i protagonisti della mostra collettiva Die Zauberberge_Le montagne incantate. Le residenze\, realizzate in collaborazione con la Fondazione Monte Verità di Ascona\, hanno coinvolto sei artisti\, tre sardi e tre svizzeri\, che durante il periodo di ricerca si sono confrontati su temi comuni. \nGli artisti di origine svizzera – Tonatiuh Ambrosetti\, Maya Hottarek\, Lisa Lurati – hanno svolto sul territorio sardo un’indagine sulla ricca identità locale. Parallelamente\, tre giovani artisti sardi – Giaime Meloni\, Elena Muresu\, Marco Useli – hanno abitato Monte Verità e gli spazi della celebre “collina dell’utopia”\, dove architettura\, arte e danza hanno sempre dialogato in modo virtuoso. Un paradiso anarchico che ha attratto pensatori\, pittori\, scrittori\, filosofi\, progettisti da ogni angolo d’Europa: dall’anarchico Kropotkin al coreografo ungherese Rudolf von Laban\, dal dadaista Hugo Ball all’architetto Walter Gropius\, dall’artista Hans Arp a Karl Gustav Jung\, fino al grande curatore Harald Szeemann. \nLe opere esposte in Die Zauberberge_Le montagne incantate rappresentano il risultato di queste ricerche\, uno sguardo contemporaneo su luoghi simbolo di componenti primigenie\, di spiritualismo e autarchia. Sono fotografie\, sculture\, grafiche\, installazioni\, lavori forgiati a partire da un’esperienza unica\, dal cammino e dall’isolamento\, dalla bellezza selvaggia e lussureggiante della natura\, dal respiro assoluto di boschi di arcaica memoria. \n  \nArtisti in mostra \nTonatiuh Ambrosetti \nNato a Lugano nel 1980\, nel 2006 si diploma presso l’ECAL – École cantonale d’art de Lausanne\, dove nel 2012 ottiene una cattedra come professore. Nel 2006 fonda insieme a Daniela Droz lo studio fotografico Daniela et Tonatiuh. Nel suo lavoro sviluppa la relazione conflittuale tra uomo e natura\, portando avanti una ricerca su una fotografia non-oggettiva che va oltre i confini convenzionali dell’immagine includendo anche scultura\, incisione\, disegno e installazioni sonore e video. Le sue opere sono state esposte in festival\, gallerie e musei di rilevanza internazionale\, tra cui: la prima Edizione di Alt+1000 a Rossiniere (2008); il forum ETH Hönggerberg a Zurigo (2009); la Royal Danish Accademy of fine arts\, Copenhagen\, Danemark (2011); Bâtiment d’Art Contemporain\, Genève (2014); Le musée des Arts Décoratifs\, Paris\, Francia (2015); The PRINTSPACE\, Londres\, UK (2016); il Centre d’art Contemporain Yverdon-les-Bain (2016). \n  \nMaya Hottarek \nNata nel 1990\, è un’artista che lavora con diversi materiali e in ambiti differenti\, dalla ceramica al cinema\, dal suono a oggetti di uso comune. Ha studiato arti visive all’Università delle Arti di Berna e all’Institut Kunst di Basilea. Uno dei suoi interessi principali è quello di articolare le complesse interazioni tra individuo\, società\, economia e natura. Tra le mostre principali\, si menzionano le esposizioni alla N/A/S/L di Città del Messico\, alla Liste Art Fair di Basilea e alla Kunsthaus di Appenzell. \n  \nLisa Lurati \nNata a Lugano nel 1989\, si è formata presso la scuola di fotografia di Vevey e all’Institut Kunst di Basilea. Il suo lavoro oscilla tra una meditazione quasi decorativa e una celebrazione estetica che\, ad uno sguardo più attento\, svela un universo caleidoscopico di simboli e segni che non si spiega mai completamente ma che arriva\, tuttavia\, a sostenere una curiosa coerenza. Fra le mostre personali recenti si ricordano: In-between things\, Galleria Ann Mazzotti\, Basilea\, 2022; Raving Cosmo\, CACY\, Yverdon-les-Bains\, 2021; Nebulosa\, Galleria Forma\, Losanna\, 2020; Scherzo. Molto allegro\, quasi presto\, Photoforum Pasquart\, Biel\, 2018. \n  \nGiaime Meloni \nNato a Cagliari nel 1984\, è un fotografo con un dottorato di ricerca in architettura\, che attualmente vive fra due isole: Île-de-France e Sardegna. Il suo lavoro esplora in maniera empirica le modalità di riproduzione e invenzione dello spazio fisico. Le sue ricerche sono state presentate in pubblicazioni e conferenze internazionali (Canada\, Francia\, Italia\, Portogallo). Nel 2017 è stato nominato tra i finalisti per il Premio Graziadei con il suo progetto Das Unheimliche. Nel 2019 è stato selezionato da CAMERA – Centro Italiano per la fotografia – per prendere parte al programma FUTURES supportato dall’Unione Europea. Nello stesso anno è tra i finalisti del Premio Francesco Fabbri per la fotografia contemporanea. Dal 2022 è professore associato presso Ecole Nationale Supérieure d’Architecture de la Ville et du Territoire de Paris Est\, dove insegna le arti e le tecniche di rappresentazione dello spazio. \n  \nElena Muresu \nFotografa\, artista visiva e performer\, nata ad Alghero nel 1990. Ha conseguito il Master in Management Culturale per la Valorizzazione del Territorio presso 24Ore Business School\, una laurea in Pittura all’Accademia di belle arti di Sassari e in Fotografia all’Accademia di belle arti di Brera. Sviluppa parallelamente due percorsi artistici e professionali: da una parte la fotografia e il video e dall’altra la cultura urbana\, che la spingono verso l’esplorazione di molteplici linguaggi per indagare la tematica del rapporto tra l’essere umano e il proprio territorio. Dal 2021 è fotografa e videomaker per Antonio Marras. Nel 2021 espone alla XVII Mostra Internazionale di Architettura di Venezia con il video documentario “Skatepark Italy” (finalista 2022 a Via dei Corti\, festival del Cinema Indipendente\, Catania). \n  \nMarco Useli \nPittore e incisore\, nasce a Nuoro nel 1983. Laureato all’Accademia di belle arti di Firenze nel 2007\, dopo un biennio londinese frequenta il master in Progettazione contemporanea con la pietra del Politecnico di Milano. Dal 2012 fa parte della Milano Printmakers. Sviluppa ricerche nell’ambito della grafica d’arte tra Milano e la Sardegna\, dove nel 2017 apre uno studio artistico a Dorgali. Attualmente insegna Progettazione del Design presso il Liceo artistico Francesco Ciusa di Nuoro. \n 
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SUMMARY:Privato
DESCRIPTION:A partire dal 30 maggio 2014 la project room del Museo Man ospiterà il progetto Privato di Gianluca Vassallo. Ideale completamento di una riflessione iniziata con Pubblico – un lavoro fotografico\, realizzato un anno fa a Nuoro\, volto ad attivare una riflessione congiunta sui concetti di società e individuo – Privato ne inverte la prospettiva configurandosi come un laboratorio collettivo\, non una “chiamata” dei cittadini alla partecipazione di spazi comuni\, ma un “avvicinamento” del museo alla comunità attraverso la ricerca e la condivisione attiva di memorie familiari.Il processo\, che nel corso di un mese porterà alla realizzazione di un’opera condivisa\, prevede l’offerta al museo di una foto di famiglia\, un’immagine privata\, espressione di ricordi intimi\, che al momento della consegna sarà a sua volta fotografata e presentata all’interno degli spazi espositivi\, prima di essere riconsegnata al legittimo proprietario.Grazie all’utilizzo di una macchina fotografica istantanea con pellicola autosviluppante\, l’intervento dell’artista non darà vita a una semplice duplicazione dell’immagine\, bensì a un nuovo unicum\, una nuova immagine “originale”\, concepita come un tassello esclusivo e irripetibile di un grande mosaico di memorie che da private si fanno patrimonio collettivo\, espressione non di una community virtuale\, ma di una comunità realmente esistente\, viva\, presente\, non ripiegata in una percezione stereotipata di se stessa. \nLe foto di famiglia potranno essere consegnate al museo MAN a partire dal prossimo 30 maggio alle ore 19.00\, in concomitanza con l’apertura della mostra Passo a due. Le avanguardie del movimento. Il 29 giugno\, con la chiusura del progetto\, le istantanee realizzate sul primo originale troveranno asilo in una raccolta. La ricerca di Gianluca Vassallo\, artista di origini napoletane che vive e lavora in Sardegna\, è incentrata sull’analisi delle contraddizioni nei rapporti di forza: individuo e città\, potere e sudditanza\, essenza e rappresentazione. I media di cui si serve sono soprattutto la fotografia e il video.
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SUMMARY:FEMINAS
DESCRIPTION:Il MAN è lieto di annunciare l’apertura della mostra “Feminas”\, un percorso nella produzione pittorica in Sardegna nei primi cinquant’anni del XX secolo attraverso una selezione di quaranta opere della collezione del museo dedicate al tema iconografico della donna. \nLa mostra\, realizzata in collaborazione con il Comune e la Pro Loco di Bosa\, si propone come format itinerante\, ambasciatore della collezione del MAN al di fuori delle mura del museo. La sede scelta per questa occasione è il suggestivo Palazzo Don Carlo\, dal nomedel suo costruttore\, Don Carlo Passino Cugia che\, a metà del XIX secolo\, accorpò alcune preesistenti abitazioni  settecentesche costruendo una monumentale scala a due rampe poggiata su pilastri di trachite. Il recente restauro conservativo di una parte del primo piano ad opera della famiglia Chelo ha reso possibile l’utilizzo dello spazio per finalità espositive. \nDelle quattro sezioni della mostra\, le prime due si concentrano sull’iconografia femminile legata alla tradizione e\, attraverso le opere di alcuni tra i principali maestri sardi della prima metà del Novecento (da Antonio Ballero a Mario Delitala\, da Francesco Ciusa a Carmelo Floris)\, ricostruiscono un coro di donne silenti\, chiuse nell’eleganza degli abiti tradizionali\, spesso rappresentate assorte nei rituali religiosi della processione. \nA questo gruppo segue\, grazie alla maggiore libertà offerta dalle arti decorative nelle ricerche di Edina Altara\, dei fratelli Federico e Melkiorre Melis e di Tona Scano\, il ritratto di una figura femminile in cui la ieraticità canonica viene animata da toni più accesi\, che illuminano gli sguardi\, colorando maliziosamente atteggiamenti e abiti. \nLa terza sezione della mostra racconta l’iconografia oltre il costume e mostra la figura femminile al di fuori del codice della tradizione isolana\, in abiti “civili”\, nel privato delle mura domestiche e negli eventi mondani\, grazie alle opere di Francesca Devoto\, Bernardino Palazzi e Salvatore Fancello. \nA conclusione del percorso un omaggio a due grandi innovatori dei linguaggi dell’arte sarda\, Costantino Nivola\, che con i lavori sulle Grandi Madri ha saputo cogliere l’essenza della società matriarcale isolana\, e Maria Lai\, attualmente protagonista di un’importante retrospettiva al museo MAN di Nuoro e ai Musei Civici di Cagliari. \nMAP_Palazzo Don Carlo \nCorso Vittorio Emanuele 7108013 Bosa (Or)Orari 11-13 / 17-20.30 / 21.30 -24Tel. 0785 377043 \nBiglietteriaIntero 3 euroRidotto 2 euro (dai 18 ai 25 anni)Gratuito under 18 e over 65 \n \n  \n\n  \n \n 
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